Eric CHANDOHA - Descomplicando a teoria musical e criticando sons.

Tributo a Legião Urbana - Escola Livre Vila Musical - 09/7/11 - Apresentação dos Alunos.

2011-07-23T18:42:00.005-03:00

by Allan ......MODEST MOUSE..... MENORES DE 3 ANOS NÃO PODEM VER ISSO!!!!

2010-11-02T17:20:00.000-02:00

Modest Mouse é uma banda americana de indie rock. Formada em 1993 em Issaquah, Washington pelo guitarista Isaac Brock, o baterista Jeremiah Green e o baixista Eric Judy. Contratada pela gravadora Epic Records em 2000, a banda passou a ter reconhecimento mundial.

História
O nome "Modest Mouse" veio de Brock quando este leu o livro The Mark on the Wall de Virginia Woolf no qual a autora descreve a classe média operária inglesa como "modest, mouse-coloured people."

Em 1994, a banda gravou seu primeiro EP, Blue Cadet-3, Do You Connect? nos estúdios Dub Narcotic Studios e saiu pelo selo K Records. Depois seguiu um single gravado no Moon Studios. Na época, Modest Mouse também gravou Sad Sappy Sucker, mas atrasos fizeram o álbum ser engavetado e esquecido (foi lançado oficialmente em 2001.) Após mudarem para gravadora Up Records, a banda lançou alguns álbuns, incluindo o duplo This Is a Long Drive for Someone with Nothing to Think About em 1996, produzido e gravado por Steve Wold, (na época, Steve passou a integrar a banda.) Depois lançou Interstate 8; também produzido poer Steve Wold. The Lonesome Crowded West em 1997, (também gravado nos Moon Studios, por Scott Swayze) é considerado o álbum de descoberta da banda. The Lonesome Crowded West traz o reconhecimento 'cult' da banda e muitos críticos consideram-no um dos álbums do indie rock da década de 1990. Em 2000 é lançado Singles e a coleção intitulada Building Nothing Out of Something, que inclui toda as gravações de Interstate 8 exceto as canções "Edit the Sad Parts" e "Buttons to Push Buttons".

Ainda em 2000, Modest Mouse lançou The Moon & Antarctica, seu primeiro álbum no selo Epic Records. A banda engatou alguns sucessos em rádios alternativas com os singles "3rd Planet" e "Gravity Rides Everything", e recebido positivamente pelos críticos.

O líder e cantor da banda Isaac Brock, ainda lança um álbum num projeto independente Ugly Casanova na Sub Pop Records. A banda licenciou "Gravity Rides Everything" prum commercial da minivan Quest Nissan , necessário para estabilidade financeira da banda[1].

Em 2001a banda lançou o EP Everywhere and His Nasty Parlour Tricks, uma coleção de canções não usadas no álbum The Moon & Antarctica e Sad Sappy Sucker, outra coleção de canções do Modest Mouse já gravadas em 1994. Em 2002, eles juntaram Cake, De La Soul, The Flaming Lips, The Hackensaw Boys e Kinky no álbum Unlimited Sunshine Tour.

Em 2003, o baterista Jeremiah Green saiu da banda devido a um avaria mental; a versão oficial foi que ele estava saindo para trabalhar no seu projeto Vells. No mesmo ano ele e o baixista Eric Judy aparecem no álbum de Adam Forkner chamado VVRSSNN. Green foi substituído por dois novos membros, o baterista Benjamin Weikel (tocou com The Helio Sequence) e o guitarrista Dann Gallucci (anteriormente já foi membro do Modest Mouse, aparecendo em Sad Sappy Sucker).

Em abril de 2004 a banda lançou o álbum Good News for People Who Love Bad News (disco de platina), ancorado em dois sucessos "Float On" e "Ocean Breathes Salty". Depois daquele ano, Jeremiah Green retornou à banda, e Benjamin Weikel retornou a tocar exclusivamente para o The Helio Sequence. Dann Gallucci deixou a banda em agosto, e eles tem feito turnês com Hutch Harris da banda The Thermals.

Modest Mouse foi mencionado em 2005 numa decisão da Corte Suprema no caso MGM Studios, Inc. v. Grokster, Ltd.. A decisão da justiça disse sobre a rede P2P "Grokster": "Usuários que pesquise as 40 mais da parada, por exemplo, ou o mais recente lançamento do Modest Mouse, com certeza irá obter um resultado mais rápido que se pesquisassem uma música livre para baixar Decameron, e Grokster e a StreamCast traduziram essa necessidade em dólares."

Isaac Brock - Vocal/Guitarra/Banjo/Teclado
Eric Judy - Baixo/Guitarra/Teclado/Vocal/Percussão
Jeremiah Green - Bateria/Percussão

Outros membros
Joe Plummer - Bateria/Percussão
Tom Peloso - Vocal de apoio/Violino/Baixo/Outros instrumentos
Johnny Marr - Guitarra
Dann Gallucci (Entrou e saiu várias vezes da banda, mas atualmente não participa mais das atividades) - Guitarra/Teclado/Vocal de Apoio/Percussão/Sintetizadores
Benjamin Weikel (antigo membro) - Bateria/Percussão
Jeff Kennedy (antigo membro) - Violino/Banjo
Steve Wold (antigo membro) - Guitarra
John Wickhart (antigo membro) - Baixo
Nicole Johnson (participou ocasionalmente) - Vocais em Building Nothing Out of Something, This Is a Long Drive for Someone with Nothing to Think About, The Lonesome Crowded West

Discografia
Álbuns de estúdio
Ano Título Selo

1996 This Is a Long Drive for Someone with Nothing to Think About Up Records
1997 The Lonesome Crowded West Up Records
2000 The Moon & Antarctica Epic Records
2004 Good News for People Who Love Bad News Epic Records
2007 We Were Dead Before the Ship Even Sank Epic Records

EP's
Ano Título Selo
1994 Blue Cadet-3, Do You Connect? K Records
1996 Interstate 8 Up Records
1997 The Fruit That Ate Itself K Records
2001 Everywhere and His Nasty Parlour Tricks Epic Records

Compilações
Ano Título Outras informações Selo
2000 Building Nothing Out of Something Contém singles e faixas raras Up Records
2001 Sad Sappy Sucker Contém as primeiras gravações do Modest Mouse K Records

Outros álbuns
Ano Título Selo
1999
2000 Night on the Sun (Japão) Rebel Beat Factory
2004 The Moon & Antarctica Epic Records
2004 Baron von Bullshit Rides Again Bootleg

Singles
Ano Título Selo
1996 "Broke" Sub Pop
1997 "A Life of Arctic Sounds" Suicide Squeeze
1997 "Birds vs. Worms" Hit Or Miss
1998 "Other People's Lives" Up Records
1998 "Never Ending Math Equation" Sub Pop
1998 "Whenever You See Fit" Up Records/Suicide Squeeze
1999 "Heart Cooks Brain" Matador Records
2004 "Float On" Epic
2004 "Ocean Breathes Salty" Epic
2007 "Dashboard" Epic
2007 "Missed the Boat" Epic

O Woodstock Brasileiro vai começar !!! SWU Music and Arts Festival - Itú - Fazenda Maeda - SP - Brasil.

2010-10-09T08:33:00.000-03:00

O SWU Music and Arts Festival é o grande marco de celebração do movimento. Uma experiência memorável que vai combinar música e arte nos dias 9, 10 e 11 de outubro na Fazenda Maeda, localizada no município de Itu, a cerca de 70 km de São Paulo. O evento ocupará um espaço de arena de 200 mil metros quadrados e está preparado para receber milhares de pessoas ao longo dos seus 3 dias de duração.

E não é só de boa música que será feito o SWU. O movimento trará também para os seus participantes, ao longo dos três dias de duração do evento, o Fórum Sustentável, palco onde especialistas, pensadores, políticos, empresários e representantes de entidades não governamentais discutirão com o público alguns dos principais temas da sustentabilidade no século 21.

Programação dos shows:
09/10/2010

RAGE AGAINST THE MACHINE
É a primeira vez que o grupo se apresenta no Brasil e também na América do Sul.
Uma das bandas com mais ativa comunidade de fãs, que arrasta multidões por onde passa, a RATM se apresenta no SWU como headliner no dia 9 de outubro. Os seguidores Sul-Americanos da banda ícone dos anos 90 aguardam a oportunidade de vê-los tocar ao vivo no continente desde 1992, quando o grupo estourou o hit “Killing in the Name”.
O RATM se separou em 2000 e surpreendeu o público quando voltou aos palcos depois de sete anos, em 2007, no festival Coachella, nos Estados Unidos. Foram os headliners do evento americano, esgotando a venda de ingressos em tempo recorde na história do festival.
Formada por Zack de La Rocha, Tom Morello, Tim Commerford e Brad Wilk, a RATM é uma das bandas mais influentes dos anos 1990. Entre suas marcas, o estilo vocal único de Zack de La Rocha e as técnicas de Tom Morello, que sabe utilizar os efeitos da guitarra como poucos. O grupo é conhecido pelo caráter político e de protesto de suas músicas, marcadas pelo som pesado que mistura hip-hop, rock, funk, punk e heavy-metal.
A atitude do RATM se estende também à sua legião de fãs. No fim de 2009, 17 anos depois de seu lançamento, o hit “Killing in the Name” foi nº1 na parada de downloads no Reino Unido com mais de 500.000 downloads, graças a uma campanha feita no Facebook por fãs da banda para acabar com o monopólio de downloads de um programa de TV da região. A campanha deu enorme visibilidade à banda, sendo apoiada por artistas como Dave Grohl, The Prodigy e Paul McCartney.
Agora no SWU, eles prometem uma apresentação que vai entrar para a história.

LOS HERMANOS
Los Hermanos tocarão no dia 09 do SWU Music & Arts Festival 2010
Pode acreditar! A banda Los Hermanos está confirmadíssima para o dia 9 do SWU Music & Arts Festival
Formada no Rio de Janeiro em 1997, a banda Los Hermanos tem quatro álbuns lançados (“Los Hermanos”, “Bloco do Eu Sozinho”, “Ventura” e “4″) e cerca de 550 shows realizados em pouco mais de dez anos de carreira. Um público extremamente fiel acompanhou cada passo da carreira dos cariocas Marcelo Camelo (guitarra e voz), Rodrigo Amarante (guitarra e voz), Bruno Medina (teclado) e Rodrigo Barba (bateria).
No começo de 2007 os integrantes decidiram encerrar um ciclo e publicaram uma nota em seu site oficial comunicando que estavam entrando em recesso por tempo indeterminado.
Seus integrantes partiram para novos trabalhos. Marcelo Camelo iniciou uma carreira solo lançando o disco “Sou” e gravou músicas com novos parceiros, como Ivete Sangalo, Marcos Valle e Mallu Magalhães.
Rodrigo Amarante formou o Little Joy com Fabrizio Moretti (baterista do The Strokes) e Binki Shapiro, lançou um álbum e fez diversas turnês pelo mundo – além de tocar na banda de Devendra Banhart. Bruno Medina fez uma turnê como músico da cantora Adriana Calcanhotto. Já Rodrigo Barba entrou para o Canastra, além de gravar com músicos como Kassin, Wander Wildner e Dado Villa-Lobos.
Em 2009 um convite para abrir os shows do Radiohead no Rio e em São Paulo reuniu a banda pela primeira vez após os shows de 2007.
E, em 2010, os quatro hermanos decidiram fazer uma pausa em seus trabalhos para um encontro de apenas cinco shows, sendo quatro no nordeste e o primeiro deles no festival SWU: dia 09 de outubro.
A banda, que estará acompanhada pelos músicos Gabriel Bubu (guitarra e baixo), Bubu (trompete), Índio (saxofone) e Mauro Zacharias (trombone), não se apresenta no interior de São Paulo há cerca de quatro anos. Será uma oportunidade imperdível para os fãs, já que não há nenhuma previsão de novos shows.

INFECTIOUS GROOVES
Com fórmula preparada nos anos 1990, Infectious Grooves aumenta a dose de metal e funk no SWU
Um dos mais relevantes nomes da safra de bandas que misturaram metal e funk, nos anos 1990, vem ao Brasil para o SWU. O Infectious Grooves toca no festival no dia 9 de outubro, na mesma noite em que se apresenta o Rage Against the Machine, ícone no coquetel dos dois gêneros.
O Infectious Grooves é um projeto paralelo de Mike Muir, líder do Suicidal Tendencies. Ele montou o grupo com o baixista Robert Trujillo, que mais tarde saiu para integrar o Metallica. A banda ficou parada durante sete anos. Em 2008, voltou à ativa com Steve Brunner no lugar de Trujillo. Eric Moore assumiu a bateria, posto que na concepção inicial foi de Stephen Perkins, então recém-saído do Jane’s Addiction. O guitarrista Dean Pleasants, da formação original, permanece.
Na primeira fase, o Infectious Grooves gravou quatro discos. “The Plague That Makes You Booty Move”, o álbum de estréia, de 1991, tem os vocais de Ozzy Osbourne na faixa “Therapy”. A chegada do IG ao mercado mexeu na cena rock de tal forma, na época, que o grupo foi convidado para participar de um filme. A banda aparece em “O Homem da Califórnia” (Encino Man), de 1992, comédia estrelada por Brendan Fraser, de “A Múmia”.
A segunda etapa da carreira, após o hiato, ainda não gerou um CD, mas a banda tem um quinto disco pronto para ser lançado. Muir e a turma devem mostrar algumas das novas canções em Itu, para o público do SWU.
Discografia
“The Plague That Makes You Booty Move” (1991)
“Sarsippius’ Ark” (1993)
“Groove Family Cyco” (1994)
“Mas Borracho” (2000)

THE MARS VOLTA
om um rock psicodélico e experimental, a banda fundada por Omar Rodriguez-López (guitarra) e Cedric Bixler Zavala (vocal) em 2001 já coleciona cinco álbuns de estúdio. No último, Octahedron, lançado em 2009, Omar utilizou uma forma diferente de produção. Passou horas no estúdio refinando cada trecho, cada ruído, o que resultou em um disco para se ouvir por puro prazer.
Sobre os seus discos, o líder da banda, Omar, afirma que o desafio do Mars Volta é sempre superar a criação anterior, olhar para frente. “A única razão para termos fãs fiéis é que nós sempre preservamos nossos instintos, nossas verdades”, afirmou o guitarrista. Foi pensando assim que o quarto álbum, The Bedlam In Goliath, foi lançado em 2008, já em terceiro lugar na lista da Billboard. O disco também rendeu o primeiro Grammy para a banda, que voltou para a casa como Best Hard Rock Perfomance, em 2009, com a faixa “Wax Simulacra”.
A banda é conhecida por suas apresentações cheias de energias e perfomances garantidas por parte do vocalista Cedric. Hoje, além da dupla fundadora, fazem parte do Mars Volta Juan Alderete (baixista), Isaiah “Ikey” Owens (tecladista), Marcel Rodriguez-López (sintetizadores e percussão), Adrian Terrazas (sax) e Dave Elitch (bateria).

MUTANTES
Falar em MUTANTES é se referir a uma instituição da música brasileira. Um nome que cruzou oceanos e ganhou respeito do exigente mercado estrangeiro. Cativou e cativa gerações de músicos como Kurt Cobain, Beck e Sean Lennon. Ou então, a mídia de outros países, que prestou sua reverência com empolgação.
Os Mutantes lançaram ano passado o CD “Haih… or Amortecedor” nos Estados Unidos e Europa pela gravadora californiana Anti-/Epitaph Records ( que tem entre outros artistas, Nick Cave, Tom Waits, Mavis Staples e Billy Bragg), contendo 13 faixas e com uma excelente repercussão na imprensa internacional, com ótimas criticas em veículos como New York Times, BBC, Mojo Magazine, The Guardian, Life Magazine, Le Monde, entre outras. O lançamento internacional já garantiu à banda duas turnês americanas, uma na Europa, incluindo uma apresentação no icônico festival inglês Glastonbury deste ano, e outra na Austrália. A próxima turnê americana terá início em novembro deste ano, com apresentações em mais de 15 cidades, seguindo-se à ela a turnê na Austrália, em março/2011.
Com participações de Tom Zé e Jorge Ben, a versão americana de “Haih… or Amortecedor” ainda traz o tom psicodélico, influente e político que sempre marcou a carreira dos Mutantes. Além dos veteranos Sérgio Dias ( voz e guitarra) e Dinho Leme ( bateria), a formação atual conta com a voz feminina de Bia Mendes, que substituiu Zélia Duncan a partir de 2008, Fabbio Recco ( vocal, piano), Henrique Peters ( vocal, teclado), Vinicius Junqueira ( baixo) e o multi-instrumentista Vitor Trida ( vocal, violões, flauta transversal, flauta doce, violino e clarinete. Tom Zé compôs com Sérgio as músicas do disco Querida Querida, 2000 e Agarrum, Samba do Fidel, Bagdhad Blues, Teclar e Anagrama, enquanto Jorge Ben compôs e canta em “O Careca”..
A versão nacional do álbum, que será lançado no Brasil pela Coqueiro Verde Records, traz modificações da versão americana.
BLACK DRAWING CHALKS
Black Drawing Chalks é um quarteto stoner rock de Goiânia, que aposta em um som cru e dançante. O grupo nasceu em 2006. A ideia de formar a banda surgiu na faculdade de design gráfico. Victor Rocha e Douglas Castro, que fazem parte do estúdio Bicicleta sem Freio (responsável pela identidade visual de vários shows e festivais de Goiânia), decidiram chamar Denis de Castro, irmão de Douglas e estudante de arquitetura, para fundar o Black Drawing Chalks.
Na época, Victor dividia os acordes e vocais com Marco Bauer. No início de 2007, Marco decide sair da banda e Renato Cunha é convidado a integrar o quarteto. O nome da banda, que significa “carvões pretos para desenhar”, vem de uma marca alemã de material para desenho, influência constante na vida dos garotos.
Em 2007, lançaram o elogiado disco de estréia, Big Deal, pela gravadora Monstro Discos. Após o lançamento do álbum, a banda tocou pelo Brasil inteiro. No mesmo ano, abriram para os ídolos americanos do Nashville Pussy, tradição que se tornaria frequente. A banda já fez shows ao lado de nomes como The Datsuns, Motörhead e Eagles Of Death Metal.
Em 2009, com mais maturidade, o grupo lança seu segundo álbum, Life Is a Big Holiday For Us, também pela Monstro Discos, após uma turnê pelo Canadá, onde a banda se apresentou no festival Canadian Music Week.

com frequente exposição na mídia, longas turnês e participação nos maiores festivais do Brasil, o grupo conquistou três indicações ao VMB 2009, nas categorias Aposta MTV, Rock Alternativo e Videoclipe do ano, com o vídeo da música My Favorite Way, feito em uma parceria do coletivo Bicicleta Sem Freio com o estúdio Nitrocorpz, responsável por diversas vinhetas da MTV.

MACACO BONG
Pára tudo! Se você gosta de música [um tal rock, especialmente] pede pra descer agora!!! Desceu? Então liga o computador ou corre pra loja [antenada] de discos mais próxima. É dedo no gatilho e caso de vida ou sorte mesmo: você acaba de entrar na mira do primeiro CD da melhor banda do [centr]oeste. E se vacilar…

Nem precisa anotar. Não há outra assim. Seu nome é Bong: Macaco Bong. Nada menos que a prova de que muito sol na moleira não faz lá muito bem aos seres humanos mesmo não.

Os habitantes de Hell City que o digam. O codinome roqueiro do que já foi um deserto [de idéias] e entrou pra história como a capital [inclusive de Mato Grosso, mas sobretudo] do visionário Espaço Cubo [leia-se, do que há de mais ousado e bem-sucedido na tecnologia de mobilização e gestão na cena indie&pendente musical hoje], mostra que até em climas adversos [40 graus na sombra em certas épocas do ano...] é possível semear inquietação.

Macaco Bong é fruto de uma nova visão de mundo. Produto da era do descontrole. Da nova [des]ordem digital. Que fez com que, de cinco anos pra cá, Cuiabá já não seja mais a mesma. E se alguém resistia à idéia, melhor entregar-se ao xerife [ou ao manicômio...] de vez.

Ok, ok. Eu prometo que ajudo a decifrar. Por partes então, como diria Jack, o remixador. Macaco Bong:

BROTHERS OF BRAZIL
Eles são irmãos e ambos escolheram a vida artística. Musicalmente falando, seriam como água e óleo. Trata-se de Supla e João Suplicy, primogênito e caçula da família Suplicy, respectivamente. Ambos trilharam caminhos, digamos, diametralmente opostos na música. Enquanto um lançava o primeiro hit tecnopunk nacional com participação da estrela do rock alemão Nina Hagen – isso bem antes do conceito de música globalizada virar realidade – o outro se aprofundava nos estudos da música essencialmente brasileira, especialmente o samba e a bossa nova. Mas eis que, talvez pelos laços de sangue, talvez pela atração natural dos opostos, Supla e João resolvem entrar em estúdio juntos, compondo e tocando. O resultado dessa interseção musical está no inédito e elogiado projeto BROTHERS OF BRAZIL, que acabou virando disco.

10/10/2010
KINGS OF LEON
O Kings of Leon é um dos headliners do dia 10. A banda formada pelos três irmãos Caleb Followill (vocal/guitarra), Jared Followill (baixo), Matthew Followill (guitarrra) e um primo, Nathan Followill (bateria), chega ao Brasil depois de vender mais de 7 milhões de unidades pelo mundo do seu último álbum Only by the Night.

Nos Estados Unidos, a banda esgotou os ingressos no Madison Square Garden, em Nova Iorque, e Hollywood Bowl, em Los Angeles, e neste ano foi um dos headliners do festival Bonnarro, em Manchester, Tennessee. O Kings of Leon esteve entre as principais atrações na maioria dos grandes festivais europeus como o legendário Glastonbury, no Reino Unido, e o Oxygen Festival, na Irlanda, como também esgotou os 20 mil lugares do O2 Arena, em diversas noites (local onde o Led Zeppelin se reuniu para um show, recentemente). A banda também levou 65 mil pessoas ao Hyde Park, em Londres, em questão de segundos. A banda é hoje a headliner mais convocada para festivais em todo o mundo.

DAVE MATTHEWS BAND
A banda liderada pelo instrumentista e cantor sul-africano Dave Matthews, sucesso nos EUA desde os anos 1990, contagia públicos no mundo inteiro com apresentações surpreendentes que misturam a música pop com ritmos étnicos. Improvisos, novos arranjos, versões inusitadas, jam sessions. Nenhuma apresentação da Dave Matthews Band é igual à outra. A força das performances do grupo está presente na série de discos ao vivo já lançados. Em 1997, a consagração veio com o prêmio Grammy de Melhor Performance de Duo ou Grupo com Vocais.

REGINA SPEKTOR
Regina Spektor teve as músicas “US” e “Hero” incluídas na trilha do filme “500 Dias Com Ela”, e sua canção “Fidelity” entrou na trilha da novela “A Favorita”, da TV Globo.

Cantora, compositora e pianista, a artista que nasceu na Rússia e mora desde criança nos Estados Unidos combina folk, rock e blues. Ela surgiu na cena indie musical em 2004, com o álbum “Soviet Kitsch”, e lançou ainda o igualmente elogiado “Begin to Hope”, dois anos depois. O trabalho mais recente de Regina é o CD “Far”, de 2009.

O talento de Regina Spektor nasceu de anos de estudo de música clássica e treinos no porão de uma sinagoga. De lá passou a hipnotizar pequenas platéias e festivais locais, em Nova York. Com seus dedos habilidosos no piano, voz marcante e provocativa, a musicista conquistou uma imediata resposta do público e da crítica ao lançar seu último álbum. Para o New York Times, “Far” é o trabalho mais ambicioso de Regina pela sonoridade e pela maneira que a artista encontrou para contar histórias.

JOSS STONE
Show no SWU será o de maior público de Joss Stone no Brasil

Joss Stone já veio várias vezes ao Brasil, mas será a primeira vez que ela se apresenta no país em um festival das proporções do SWU. A cantora inglesa de 23 anos, musa do soul, é atração do dia 10 de outubro.

Desde 2003, quando explodiu com o álbum “Soul Sessions” e a canção “Fell in Love With a Boy”, Joss não para. Foram quatro discos. O mais recente é “Colour Me Free!”, de 2009.

A carreira na música corre paralelamente a aparições no cinema, na TV, na moda e em ações humanitárias. Nas telas, Joss estreou interpretando a bruxa Angela no filme “Eragon”, de 2006. Outra atuação bem lembrada é o papel de Anne of Cleves (Ana de Cleves), a quarta mulher de Henrique VIII, na série “The Tudors”.

Sempre que pode, a cantora une seu trabalho a ações beneficentes. É o caso da música “Back in Style”, que ela gravou para o lançamento de uma linha de sapatos da grife Nine West. Parte da renda obtida com a venda dos produtos será repassada à Soles4Soul, entidade que organiza doações de sapatos para pessoas necessitadas em todo o mundo.

A boa moça também costuma utilizar sua beleza em caráter filantrópico. Entre outras coisas, ela posou para fotos em uma campanha da PETA em torno da proteção aos animais e, em conjunto com outros artistas da música, foi fotografada pelo cantor Bryan Adams em uma ação que arrecadou fundos para o auxílio de pessoas com perda de audição. Joss ainda participou de várias gravações e concertos beneficentes.

Discografia

“Soul Sessions” (2003)
“Mind, Body and Soul” (2004)
“Introducing Joss Stone” (2007)
“Colour Me Free!” (2009)

SUBLIME WITH ROME
Em turnê pelos Estados Unidos e Europa, o Sublime, conhecido pelo hit “Santeria”, está de volta depois de 13 anos longe dos palcos e pela primeira vez no Brasil.

O trio encerrou sua carreira no terceiro álbum quando o vocalista Bradley Nowell morreu de overdose, aos 26 anos, em 1996. A banda volta com o novo nome “Sublime with Rome” por conta de sua nova formação: a dupla original Bud Gaugh (bateria) e Eric Wilson (baixo) junto com o jovem Rome Ramirez, de 22 anos.

O sucesso da turnê é relatado no blog da banda, que planeja lançar um novo disco em 2011. Ao vivo, eles apresentaram a nova “Panic”, mas para Bud Gaugh, “do jeito que as coisas estão indo, teremos um novo disco logo depois desta turnê”. A banda, que fez o primeiro show em 2009, partiu para turnê norte-americana e, em festivais, está dividindo palco com Stone Temple Pilots, Deftones, Hole, entre outros grandes nomes.

CAPITAL INICIAL
O Capital Inicial, banda de Brasília na ativa desde 1982, participa do SWU com um disco novo, Das Kapital, 12º álbum da banda.

JOTA QUEST
Os mineiros do Jota Quest, subirão ao palco do SWU no domingo, dia 10.
No repertório, faixas de seu último álbum “La Plata” e canções que marcaram a carreira.

O TEATRO MÁGICO
Não é à toa que O Teatro Mágico foi uma das bandas nacionais mais pedidas na escalação nacional do SWU. O grupo tem público fiel e lota shows sem pertencer a uma gravadora. Mais que isso, a trupe comandada por Fernando Anitelli lidera o movimento MPB (Música Pra Baixar). Prega a distribuição gratuita de música e disponibiliza todos os seus discos para download gratuito. Neste ano o grupo encerra a turnê do álbum “Segundo Ato” e trabalha o show de lançamento de seu último DVD Ao Vivo, que leva o nome do show e é o primeiro DVD livre do Brasil com a licença Creative Commons. A trupe entra em estúdio ainda neste semestre para produzir seu terceiro álbum que deverá ser lançado no início do ano que vem.

O Teatro Mágico surgiu em 2003 com a proposta de misturar música, teatro, circo e poesia em shows e discos. A idéia partiu dos saraus que Anitelli freqüentava e acabou se transformando em um grande sarau amplificado, “Tudo numa coisa só” como brinca o autor, onde público e artista são parte indivisível do espetáculo. Com letras e canções que mobilizam o público o Teatro Mágico cria uma atmosfera de debate e reflexão sobre os problemas sociais e a cultura livre em suas apresentações.

Discografia

“Entrada Para Raros” (2003)

“Segundo Ato” (2008)
ILO FERREIRA

11/10/2010
LINKIN PARK
O Linkin Park foi recentemente eleito pela SoundScan/Billboard a banda de Rock N° 1 em vendas da década. No decorrer dos últimos anos vendeu mais de 50 milhões de cópias no mundo todo, atingiu o topo das paradas com diversos hits, ganhou dois prêmios Grammy e conquistou milhões de fãs ao redor do planeta. Atualmente o Linkin Park está em estúdio gravando seu novo álbum, que será lançado em 2010. Além do projeto sem fins lucrativos Music For Relief, a banda criou o projeto Download to Donate for Haiti, uma iniciativa que tem como objetivo arrecadar fundos para o Haiti, país devastado por um terremoto de magnitude 7.0 que atingiu Port-au-Prince no dia 12 de Janeiro. Para mais informações visite http://www.linkinpark.com e
TIËSTO
á eleito melhor DJ do mundo, o holandês Tiësto é um dos nomes mais famosos da música eletrônica atual e número 1 do Top 100 da DJ Mag. Considerado o melhor DJ do mundo por três vezes seguidas pela imprensa especializada, ele foi o primeiro a apresentar-se ao vivo sozinho no palco e ganhou fama internacional com sua apresentação nos Jogos Olímpicos de Atenas, em 2004. Em 2008, ganhou Grammy por “Elements of Life”, um de seus oito álbuns e quase uma centena de singles. Entre seus últimos remixes estão os hits Resistance, do Muse, Papillon, do Editors, Spaceman, do The Killers, Piece of me, de Britney Spears, e Lovestoned, de Justin Timberlake.
PIXIES
Pixies, a “segunda melhor banda de Boston”, vem tocar o clássico “Doolittle” no Brasil

O álbum “Doolittle” completou 20 anos e ganhou homenagem de seu criador. A banda americana Pixies saiu em turnê mundial em que mostra ao vivo as canções de seu disco clássico, e o Brasil foi incluído com o show no SWU, no dia 11 de outubro.

A vinda do grupo chega precedida por uma atitude de engajamento. Em junho deste ano, o Pixies cancelou o show que faria em Israel como forma de protesto ao ataque do exército israelense a uma frota que levava ajuda humanitária à Faixa de Gaza.

Restou aos fãs israelenses compartilhar com os do resto do mundo o EP “Live Sampler”, que está disponível no site oficial do quarteto (www.pixiesmusic.com). O trabalho registra um trecho de um dos shows da turnê que celebra o 20° aniversário de “Doolittle”, realizado no Le Zenith, em Paris, e tem as músicas “Dancing The Manta Ray”, “Monkey Gone to Heaven”, “Crackity Jones” e “Gouge Away”.

O Pixies não tem disco de inéditas novo para mostrar, mas está numa onda de gravar todos os shows que faz. Em setembro de 2010, o grupo vendeu uma série limitada de apresentações ao vivo. Em cada uma constava a data e o local do concerto.

É a segunda vez que o Pixies vem ao Brasil, mas a primeira que se apresenta no Estado de São Paulo. “Doolittle” é o disco em que o Pixies gravou “Here Comes Your Man”, seu maior sucesso comercial. Tal sucesso fez com que o grupo formado por Black Francis (voz e guitarra), Joey Santiago (guitarra), Kim Deal (baixo) e David Lovering (bateria) fosse um dos principais nomes a cruzar a ponte do indie para o mainstream. Mas é como banda do cenário indie que o Pixies é ainda idolatrado e influencia bandas do mundo todo desde seu surgimento, em Boston, há 24 anos.

Em agosto de 2010, o jornal “Boston Globe” elegeu os 25 melhores grupos ou artistas da música pop de todos os tempos que nasceram ou surgiram na cidade ou nas redondezas. O Pixies ficou em segundo lugar, só perdendo para o Aerosmith.

Formação

Black Francis (voz e guitarra)

Joey Santiago (guitarra)

Kim Deal (baixo)

David Lovering (bateria)

Discografia

“Come on Pilgrim” (EP, 1987)

“Surfer Rosa” (1988)

“Doolittle” (1989)

“Bossanova” (1990)

“Trompe Le Monde” (1991)

QUEENS OF THE STONE AGE
O SWU Music and Arts Festival, confirma mais um nome que está entre os mais aguardados do festival: Queens of the Stone Age. A banda dos hits “Little sister”, “No One Knows” e “Song for the Dead” vai se apresentar no dia 11, junto com Linkin Park, Avenged Sevenfold, Cavalera Conspiracy, Pixies e Yo La Tengo, entre outros.

Com cinco álbuns de estúdio e um ao vivo lançados desde sua formação, no fim dos anos 90, a banda volta ao Brasil nove anos depois, no momento em que comemora os 10 anos do álbum “R”. Lançado neste mês em uma versão de luxo, o disco duplo nomeado de “Rated R” não só traz as mesmas faixas de R, mas também revela alguns “B-sides” da banda, covers e versões ao vivo como “Monster in the Parasol”. O álbum é considerado um dos mais relevantes dos anos 90. Entrou na seleção dos 100 discos mais importantes da década da revista Rolling Stone e teve quatro indicações ao Grammy.

Os outros também aclamados discos da banda “Queens of the Stone Age” (1998), “Songs for the deaf” (2002) e “Lullabies To Paralyze” (2005) firmaram sucessos da banda e contaram com a participação de diversos músicos que fizeram parte do grupo. Na gravação de Songs for the Deaf, Dave Grohl, do Foo Fighters, assumiu a bateria, e na época do “R”, Mark Lanegan, do Screaming Trees, banda da qual o vocalista Josh Homme fez parte, assumiu a segunda voz. Hoje, além do líder e vocalista, a banda conta com Troy Van Leeuwen, (guitarra, baixo), Joey Castillo (bateria), Michael Shuman (baixo) e Dean Fertita (teclado). O último hit do QOTSA é Make it wit Chu, do álbum Era Vulgaris, de 2007.
INCUBUS
A mistura de rock, hip hop e elementos eletrônicos diz tudo sobre o Incubus. De alternativa a um gênero inclassificável, a banda – formada em 1991 pelo vocalista Brandon Boyd, pelo guitarrista Mike Einziger e pelo baterista Jose Pasillas, quando ainda frequentavam a escola – alcançou sucesso mundial com o lançamento do álbum “Make Yourself”. A crítica os aclamou e os fãs passaram a devotá-los. O vídeo da música “Drive” foi indicado a Melhor Videoclipe de Grupo no prêmio MTV Video Music Awards. A veia política do Incubus veio à tona no clipe “Megalomaniac”, de 2004, uma crítica ao ex-presidente norte-americano George W. Bush. Dois anos mais tarde foi lançado o CD “Light Granades”. Depois de rodar os Estados Unidos e o mundo, a banda se prepara para desembarcar no Brasil trazendo na bagagem seus maiores hits e uma performance de tirar o fôlego.

AVENGED SEVENFOLD
Quando seu pesadelo torna-se real…

Os membros do Avenged Sevenfold estavam trabalhando a todo vapor no disco de suas vidas. Então, em um instante, suas vidas mudaram. The Rev morreu. Eles não perderam um baterista, mas um membro da família – um cara que era o melhor amigo do vocalista M. Shadows desde a segunda série na cidade de Orange County em Huntington Beach, e do guitarrista desde a quinta série. Rev se firmou como um dos bateristas mais impressionantes no rock e era adorado não só pela banda, mas por sua família que extendia-se e incluia fãs, desde os primeiros fãs locais quando o Avenged Sevenfold começou há mais de uma década, aos milhões que agora curtem seus discos e estiveram em seus shows memoráveis pelo mundo.

Nightmare, o álbum que a banda trabalhava quando Jimmy Sullivan morreu no final de dezembro, já estava tomando o formato de uma obra-de-arte dark, um conceito de disco que traçava uma jornada de loucura, desespero e sim, morte. As músicas uniram tudo o que o Avenged Sevenfold fez anteriormente em um prisma visionário, trazendo de um lado, um novo ponto de vista e de outro uma intensidade mais concentrada. Eles já foram ao cume da jornada do indie metal-and-beyond com seu debut Sound the Seventh Trumpetem 1999 (gravado quando os membros só tinham 18 anos), através do constante e supreendente, eles destruíram fronteiras com o City of Evil (2005), e Avenged Sevenfold (2007), que fez com que esses cinco amigos se tornassem uma força de rock global, com toda energia que foi gerada por esses garotos em seus shows (mostrado no lançamento CD/ DVD de 2008 Live in the LBC & Rough Diamonds). Mas agora, vida real – perda real – — isto quase se tornou trivial. Mesmo continuar trabalhando no disco pareceu impossível, sem importância para Shadows, os guitarristas Synyster Gates e Zacky Vengeance, e o baixista Johnny Christ.

“Íamos ver se conseguiamos escrever uma ou duas músicas,” disse Shadows nos que dias que seguiram após a morte de Rev. “mas não conseguimos. Não tínhamos cabeça para isso. Sentados lá, tentando imaginar progressões de acordes e partes de guitarra, pareceu ridículo.”

Mas a banda logo percebeu que era impossível não continuar, isso seria quase que uma traição com o legado de Rev e seu amor por ele. Ele fez um papel importantíssimo na composição e elaboração das faixas que foram demo do disco, e justo quando faltavam poucos dias, ele morreu, ele teria completado sua última conquista, expondo cruamente suas emoções na música “Fiction” que agora parece ter previsto sua própria morte a mostrado a seus amigos que de certo modo, eles teriam que continuar sem ele.

A maioria das letras foi reescrita, o baterista Mike Portnoy (da banda Dream Theatre) foi trazido para fazer o que, em teoria, era inimitável, o produtor Mike Elizondo (Dr. Dre, Eminem, Regina Spektor) ficou para ajudar todos a se erguerem nessa ocasião transcendental “Nightmare” (o primeiro single), “Welcome To The Family,” “Buried Alive,” “God Hates Us,” “Victims,” o épico final “Save Me” – músicas terminadas antes e depois da tragédia – todas tomaram nova profundidade de emoção e significado. Synyster Gates ficou emocionado ao escrever a letra pela primeira vez, expondo seu luto em “So Far Away.” E Nightmare se tornou verdadeiramente o disco de suas vidas, ele se tornou literalmente o disco da vida e conquistas de anos de Rev documentando as experiências mais intensas e pessoais que qualquer um possa imaginar.

“É sobre o que estávamos sentindo naquela hora e continuamos sentindo,” disse Shadows. “Quando acontece pela primeira vez. É muito mais intenso. Agora percebo que temos que viver com isso, que nunca vai mudar. O disco está muito diferente, se não tivéssemos expressado isso logo quando aconteceu. Estávamos mais vulneráveis e queríamos mostrar isso”.

Sinos tristes abrem a primeira música “Nightmare,” rapidamente colocados de lado pela bateria furiosa de Portnoy, inspirado pela aparente batida incomparável do Rev, logo seguida das loucas guitarras de Gates e Vengeance e antes de Shadows invocar o labirinto mental desnorteante do título. Enquanto há um vazio natural por todo o disco – We all have emptiness inside, we all have answers to find, but you can’t win this fight, ele canta em “Welcome To The Family” – há também um grande senso de auto descoberta, epifanía e redenção não só nas letras, mas no escopo da inventiva, se tornando música.

Duas músicas que rapidamente se tornaram âncoras do disco foram “Buried Alive” e “Victim”, a primeira um antigo grito de angústia e desespero, a segunda procurando significado na perda, com altíssimas variações gospel & soul de toques vocálicos, sem a utilização de palavras, feitos por Clare Torry, lembrando Dark Side of the Moon do Pink Floyd.

“‘Victim” “é sobre o dia que soubemos” disse Shadows, que estava viajando quando soube. “Eu voltei, preso no trânsito, chorando, conversando com sua mãe, E todos vieram para minha casa. Então, é sempre assim, todos juntos. Muito profundo, mas transparente ao mesmo tempo. Descrevendo tudo, sem segurar nada. Fizemos isso de tantos jeitos neste disco. Syn escreveu ‘So Far Away,’ uma carta aberta a ele, e ‘Buried Alive’ é sobre como estávamos nos sentindo naquele momento — Can’t breathe, the whole world has changed.”

“Fiction” era a música que Rev tinha acabado de terminar, que ajudou a acabar com qualquer dúvida sobre continuar.

“Ele não gostaria que parássemos, e se fosse qualquer outro de nós, seria a mesma coisa”, disse o baixista Christ. “Principalmente já que ele tinha escrito a música. ‘Fiction’ é 100% dele. Você quer que as pessoas ouçam o quão brilhante Jimmy realmente era, suas composições, assim como sua bateria. Muitas pessoas sabiam como ele era incrível como baterista, mas poucos sabiam o papel dele nas composições.” “Fiction” representa uma parte muito emocional do disco, mesmo que o título seja tristemente irônico. As palavras são ao mesmo tempo perturbadoras e consoladoras:

“Eu sei que você vai encontrar seu caminho, não estarei com você essa noite” escreveu Sullivan.

“Esta música prova que cada aspecto de nosso amigo e cada aspecto do Avenged Sevenfold é mais que uma banda comum”, disse Vengeance. “Jimmy, que era um cara talentoso, compôs uma das músicas mais visionárias, basicamente despedindo-se de todos, terminando dias antes de morrer e ele queria que ela se chamasse ‘Morte’. É uma música diferente de tudo o que já ouvi. Isso é o que chamamos de verdadeiro artista, que tentou criar algo nunca antes realizado, de um modo que toca as pessoas, e sua voz está nela, a única música no disco com sua voz.

E é com “Save Me” que o disco – e a banda – vão ainda mais longe e fundo do que nunca, enquanto que ao mesmo tempo, completam o ciclo das raízes e emoções cruas dessa aventura que é a vida. “É minha música favorita,” disse Shadows. “Muito Rush, Dream Theater, mas com nossas peculiaridades. Nós não tocamos muito e tentamos manter o foco. Se vai fazer uma música de 11 minutos, você não pode entediar as pessoas. O riff é o primeiro riff que fizemos para essa música. Aquela coisa do dund-dund-dund , Jimmy estava tocando aquilo, uma coisa de tocar brincadeira. A mais legal de todas, aquele padrão kick-drum e quando ele acelera a caixa, por todo o lugar. Nós tentamos escrever a música para que ela se encaixasse. Jimmy escreveu a maior parte da música – era de 15 minutos e nós começamos a reduzir. Foi na primeira que escrevemos e a última que terminamos. Tínhamos que chegar ao ponto onde tudo funcionava. Estou tão orgulhoso disso. O final é difícil de ouvir, mas é perfeito. Se você ouvir e continuar de volta para o começo de ‘Nightmare,’ você completa o ciclo.”

Como um todo, o disco se baseia em tudo, desde as primeiras influências e inspirações que uniu os músicos em suas juventudes ao vasto espectro de preferências que esses amigos desenvolveram durante todos esses anos, alcançando muito além dos universos do rock e punk que alguém possa esperar.

“Não seríamos o Avenged Sevenfold se não tivéssemos experimentado todo tipo de música nos nossos cérebros,” disse Gates. “Vindo de um background onde ouvindo tanta música e tendo músicos que as entendem, e podem entrar na cabeça dessas pessoas tocando nesses discos e produzindo. Essa banda tem talento para isso. Quando vamos para outros gêneros, acontee naturalmente. Nós vivemos e respiramos isso. Músicas tipo ‘Fiction’ – é uma despedida completa. Para mim, isso é um pouco do Jimmy e eu quando éramos crianças, foi como o conheci. Músicas tipo ‘Tonight The World Dies,’ é devagar, mas não é uma balada. Nós crescemos ouvindo Stone Temple Pilots e Alice In Chains, coisas do tipo. Então você tem ‘Save Me,’ a música perfeita do Avenged Sevenfold”. “Sem dúvidas quanto a ela se tornar uma futura favorita dos fãs.”

Os dois Mikes – Elizondo e Portnoy – cada um transcende qualquer coisa convencional em suas participações, indo além do esperado. Elizondo já estava a bordo quando os trabalhos formais começaram, bem antes da morte do Rev. Para alguns, pareceu uma mistura estranha, mas não para a banda. “Ele nos procurou, querendo fazer um disco como fã da banda e como músico,” disse Vengeance. “seu repertório consistia na sua maioria de rap, um pouco de country, pop, hip-hop.”

Foi aquela vasta experiência, e o fato de suas experiências virem de fora do metal, que conquistou o Avenged. O artista que a banda mais admirava, ele adiciona, fez questão de irmos além das fronteiras em nós mesmos. Então uma jogada assim pareceu perfeita.

“Para nós, é como nos rodear de pessoas que amamos, e pessoas apaixonadas pelo Avenged Sevenfold. Todas as pessoas que com quem trabalhamos são antes de tudo fãs, e Mike é um grande fã da banda” disse M. Shadows. “Ter alguém que trabalhou com Eminem e Dr. Dre chegar e dizer, ‘eu realmente amo sua banda’, significa que temos algo mais a oferecer. Não somos uma banda de metal clichê. As pessoas entendem que estamos tentando fazer algo diferente, arriscando. Mas principalmente é sobre ser real e usar todas as nossas qualidades, e ele entendeu isso. Ele veio e pôde passar um tempo conosco enquanto trabalhávamos nos disco com o Jimmy, ele viu quão mágico o Jimmy era. Quanto ele era amoroso, carinhoso, engraçado e, obviamente, um dos melhores bateristas que a Terra já viu, ele sentiu nossa união.”

Portnoy entrou num território particularmente perigoso, tanto em termos de emoções e expectativas de banda e fãs. Mas por ser um fã tanto da banda quanto do Rev, ele chegou com respeito que se comparou ao seu imenso talento.

“Mike é um cara muito legal, um meio de passarmos o legado do Jimmy para a disco,” disse Gates. “Ele disse, ‘Vou passar três dias passando três ou quarto vezes cada música. Acabou em duas semanas e meia, e ele terminou com um sorriso. Ele ficou, compartilhou estórias. Ele foi nosso cavaleiro de armadura reluzente.”

Vengeance completa, “Ele realmente nos ajudou muito, certificando que cada nota era digna do Jimmy, não se desculpou, ele disse que era assim que devia ser feito, nota por nota, do jeito que foi idealizado. Foi um verdadeiro prazer estar ao lado dele, um verdadeiro fã de música e de nossa banda.”

Nightmare marca o começo de uma nova era para o Avenged Sevenfold, o que será ninguém pode prever.

“Isso é desconhecido,” disse Christ. “não posso dizer o que vou sentir amanhã, queremos mostrar isso numa tour, e então fazer o nosso melhor para levar e continuar o legado. A meta de hoje em diante, quando dissemos que iríamos fazer esse disco, não faríamos meia boca. É o disco do Jimmy e os fãs vão adorar, e queremos que todos entendam o que aconteceu no processo.”

CAVALERA CONSPIRACY
Reunião de peso movimenta o SWU no dia 11

No dia 11 de outubro o SWU vai promover uma reunião que demorou 12 anos para acontecer. É nessa data que o Cavalera Conspiracy se apresenta no festival, em seu primeiro show no Brasil. O projeto juntou novamente os irmãos Max e Iggor Cavalera, que tocavam no Sepultura, brigaram e foram cada um para um lado. A paz voltou a reinar em 2008, quando eles decidiram que poderiam acertar suas diferenças fazendo heavy metal em nova parceria. A decisão gerou o álbum “Inflikted”.

Para gravar o CD e colocar o Cavalera Conspiracy no circuito, recrutaram o guitarrista Marc Rizzo, do Soulfly, grupo de Max pós-Sepultura. O baixista Joe Duplantier completou a formação. O disco saiu com 11 faixas, entre elas “The Doom of All Fires” e “Hearts of Darkness”. Além de compor todos os temas, Max assinou também a produção do álbum.

“Inflikted” apareceu na lista dos 50 discos mais vendidos em vários países da Europa, continente em que Max, por conta da carreira no Sepultura e no Soulfly, é bem conhecido. Na Alemanha e na Áustria, por exemplo, o CD chegou ao 27º lugar.

Dois anos depois, a banda desembarca no Brasil após passar um tempo no estúdio. A trupe se trancou para trabalhar nas canções de seu segundo disco. Além do privilégio de trazer o CC ao país, o SWU ainda pode servir de palco para que Max e Iggor mostrem músicas inéditas.

Formação

Max Cavalera: vocais e guitarra

Marc Rizzo: guitarra

Joe Duplantier: baixo (nas gravações)

Johny Chow: baixo (nos shows)

Iggor Cavalera: bateria

Discografia

“Inflikted” (2008)

YO LA TENGO
Veterano da cena indie dá lição de rock alternativo no dia 11

“Popular Songs”, título do novo álbum do Yo La Tengo, é uma grande ironia. Uma das bandas com mais tempo de carreira dentro do elenco do SWU é também um exemplo do que era ser indie em um tempo em que grandes gravadoras dominavam o mercado. O Yo La Tengo surgiu em 1984, nos EUA, com uma sonoridade que remetia ao Velvet Underground. O tom experimental agradou a crítica, mas nunca fez a banda vender muitos discos. Ao mesmo tempo, serviu para que o grupo se mantivesse na cena alternativa, sem se vender a modismos, o que garantiu sua longevidade.

Algo que o YLT sempre prezou foi o ecletismo de suas gravações. A combinação de folk, punk e improvisos instrumentais tornou seu som inqualificável. Pode ser ruim para quem gosta de rótulos, mas deu charme ao trabalho do casal Ira Kaplan (voz e guitarra) e Georgia Hubley, e, a partir de 1993, atraiu as atenções do Matador, um dos mais famosos selos de rock alternativo do mundo.

Outro detalhe sobre o Yo La Tengo é que a banda é de Hoboken, mesma cidade em que nasceu Frank Sinatra. Que ninguém estranhe, portanto, se em meio a tantas covers que o grupo gosta de fazer, principalmente para tocar nos shows, uma hora não surgir uma versão do casal Ira e Georgia para algum clássico do cantor.

Discografia

“Ride the Tiger” (1986)
“New Wave Hot Dogs” (1987)
“President Yo La Tengo” (1989)
“Fakebook” (1990)
“May I Sing With Me” (1992)
“Painful” (1993)
“Electr-O-Pura” (1995)
“I Can Hear the Heart Beating as One” (1997)
“And Then Nothing Turned Itself Inside Out” (2000)
“The Sounds of the Sounds of Science” (2002)
“Summer Sun” (2003)
“I am Not Afraid of You and I Will Beat Your Ass” (2006)
“Fuckbook” (2009)
“Popular Songs” (2009)

RAHZEL
Indiscutivelmente, RAHZEL, conhecido como “Godfather os Noise”, redesenhou a linha que definia a arte de beat boxing. Ele aperfeiçoou sua técnica e emergiu como um verdadeiro virtuoso dentro do mundo da arte de beat boxing. Rahzel é capaz de reproduzir músicas completas, cantar os refrãos e proporcionar a melodia simultaneamente, além de improvisar imitações de qualquer som… impressionante!! Além disso, ele não toca nenhum instrumento, ELE É O INSTRUMENTO!!

Revista Billboard proclama

“Todo mundo deveria conhecer seus ritmos fascinantes… usando apenas seus lábios, bochechas, gengiva e gogó”. Ele reproduz músicas com muita precisão e detalhe. Sua reprodução de instrumentos e arcos de sons tem deixado seu público hipnotizado, se perguntando, “ele é de verdade”?

Rahzel teve sua estréia triunfal no lendário Showtime at the Apollo. Ele chocou o público com um repertório que tocou as memórias dos verdadeiros fãs de hip hop e assim foi capaz de seduzir o público mais crítico do mundo. Desde então, Rahzel é considerado a “Lenda do Apollo”. E com essa honra que lhe foi concedida, ele faz parte de um grupo composto pelos artistas mais amados na America.

Podemos ver que suas influencias musicais refletem sua apreciação pela arte de fazer música. Rahzel se inspira na linha de Bobby Mcferrin, Al Jarreau, George Benson, Take 6, Zap Mama (7), Doug E. Fresh, The Fat Boys, Biz Markie and Michael Winslow (Police Academy). Ele explica, “Sendo um percussionista vocal, eu quero criar uma linha entre diferentes tipos de música” e é isto que Rahzel tem feito. “Eu posso dizer honestamente que o mundo desenvolveu um grande respeito por beat boxing como arte”.

Embora Rahzel revelasse sua apreciação por vários estilos de música, sua linhagem e destino estão diretamente ligada ao hip hop.

Tendo crescido em Hollis, Queens, onde também nasceu Run DMC, Pepa e LL Cool J, e sendo de um sangue azul do hip hop, Rahzel admirava muito seu primo Rahiem, que fundou um dos grupos de rap mais importantes da história, o lendário Grand Master flash & Furious Five. “Eu me lembro de ter visto o Furious Five antes de conseguir ver por cima do meu portão, aquele tipo de influência foi incrível,” lembra Rahzel. “Em todo grande momento do hip hop eu estava lá, absorvendo os fatos que fizeram o hip hop de hoje”.

Longe de ser tímido, Rahzel está entretendo milhões de pessoas com o comercial da Pepsi e seu famoso comercial da Twix. Rahzel foi votado “Beat Box Mixer” da Verizon, o primeiro site que criou uma inovadora mistura entre um videoclip, um videogame e um “drum machine”.

Rahzel foi escolhido pela T-Mobile and Scion para apresentar uma série de grandes eventos pelos Estados Unidos. Desses eventos, alguns favoritos incluem o The John Legend Tour, patrociado pela Kool. A sua performance com o The Roots foi explosiva, esgotou os ingressos para o Radio City Music Hall, patrocinado pela Verizon, o Rock Corp Concert com Nick Cannon, Nelly, T.I., Kelis, e Young Jeezy, patrocinado por Boost Mobile, e também no Radio City Music Hall, além de outras performences no Lincoln Center.

Novamente Rahzel fez o impossível ao se juntar com Mike Patton (antigo líder do Faith No More) para montar a aclamada banda Peeping Tom. O álbum inclui a música “MOJO” com Rahzel e Dan the Automator (Gorilla’s). Peeping Tom está agora em seu tour internacional abrindo o show para The Who e Gnarles Barkley.

Rahzel teve sua estréia na grnade tela em “The Blues – Uma Jornada Musical” um filme produzido por Martin Scorcese, favorito da BET, “Preaching to the Choir” com Patti Labelle, Tichina Arnold e Eartha Kitt e dividiu o crédito pelas letras da trilha Sonora com Nona Hendryx. Ele se tornou um rosto familiar na MTV sendo apresentador da Semana Hip Hop, tendo emprestado seus talentos a Monc Blanc, American Express Blue, EA Sports’ video games – NBA Live 2000, 2004 e SSX Tricky.

Ele usou seu talento para fazer dublagens para Miramax Films – Bad Santa & Barbershop 2, o especial de documentários e reality shows da HBO, Cidade de Deus, Quarteto Fantástico, e como narrador de Brooklyn Babylon, de Mike Levin estrelando The Roots. Rahzel também se apresentou com Madonna em seu show no Live 8 e com Christina Aguilera em seu álbum “Back to Basics”. Você poderá ouvir Rahzel na trilha Sonora do filme “You’re Going to Prison” junto com músicos e escritores como Allen Elliot, Ray Parker Jr., James E. Gadson (lendário baterista da Mowtoen) e percussionista King Errisson. Rahzel pode ser visto também no Hip Hop Hold’em, um novo show de poker com o rapper The Game.

Outras participações incluem: The David Letterman Show, Last Call with Carson Daly, the Chris rock Show, 106 & Park da BET, o Sci Fi Channel, The Jimmy Kimmel Show, e Late Night com Conan O’Brien. Rahzel já recebeu 6 nomeações ao Grammy, e tem colaborações com Sean Paul, The Roots, Toots and the Mayatals e Björk. Rahzel aprendeu como alimentar sua criatividade. “Não podéamos levar nossos “turntables” para os vestiários e não podéamos levar nossos boom boxes para o colégio”. Então para dar as batidas aos jovens rappers, você tinha que ser muito bom em bater nas portas dos armários dos vestiários ou aprender a fazer música com sua boca. “Sou um perfeccionista, então se você fechar seus olhos, vai pensar que está ouvido um CD, rádio ou um instrumento.”

O incrível RAHZEL ocupa uma posição glorificada em hip hop, mas também se tornou a personificação de tradição musical, se tornando um fenômeno vocal e inspiração mundo afora. Um mestre apresentador, tendo produzido, escrito e/ou contribuído com dez álbuns ganhadores de disco de platina e ouro. Ele se apresentou, gravou e fez turnê com as super estrelas: The Who, Jay-Z, Queen Latifah, BB Kind, Everlast, Goerge Clinton, Curtis “50 Cent” Jackson, Bootsy Collins, Jill Scott, Beck, John Legend, maroon 5, The Crystal Method, Roni Size, Ben Harper, The Dave Matthews Band, Björk, Common, e The Roots.

USA Today diz:

“The Godfather of Noyze elevou essa forma de arte.”

GLORIA
A banda paulista, formada em 2002, teve dois discos lançados por selos independentes até acumular fãs no país inteiro e fechar contrato com uma grande gravadora. Formada por Mi (Voz), Elliot (Guitarra/voz), Peres (Guitarra), João (Baixo) e Fil (Bateria), o Gloria mistura o peso do metal com um toque melódico, fazendo dessa fusão o diferencial da banda.

Desde 2006, é considerada a maior banda underground do Brasil, fazendo shows praticamente pelo país todo. A banda já chegou a mais de 1 milhão de downloads no site Tramavirtual, onde teve 7 musicas no top 10.

Foi eleita dois anos seguidos como a melhor banda independente pelo site Zonapunk, entre outros prêmios. Com seu terceiro disco, intitulado “Gloria”, a banda entrou na lista dos 20 álbuns mais vendidos do Brasil.

CRASHDIET
ESTILO – HARD ROCK / SLEAZE

INFLUENCIAS – MOTLEY CRUE , KISS , GUNS N ROSES

País de origem : SUECIA

Formação Atual :

SIMON CRUZ – VOCALS
MARTIN SWEET – GUITARRA
PETER LONDON – BAIXO
ERIC YOUNG – BATERIA

DISCOGRAFIA :

- REST IN SLEAZE – 2005
- THE UNATTRACTIVE REVOLUTION – 2007
- GENERATION WILD – 2010

A banda vem fazendo muito sucesso em sua nova tour GENERATION WILD WORLD TOUR , passando por varios países europeus . No próximo dia 7 de Setembro o CRASHDIET estará abrindo o show de OZZY OSBOURNE , em ESTOCOLMO . A banda vira ao Brasil pela segunda vez , tendo se apresentado em 2008 numa apresentação lotada em São Paulo . A banda é considerada por muitos , a maior revelaçao de HARD ROCK dos anos 2000 , sendo comparado a todo instante com o MOTLEY CRUE .

ALAIN JOHANNES
Alain Johannes tem nova data para seu lançamento solo, Spark

Álbum será lançado no dia 5 de Outubro pela Rekords Rekords de Joshua Homme

No fim dos seus shows tocando guitarra para Them Crooked Vultures, e agora em turnê na Europa para concluir seu trabalho nos festivais Reading e Leeds, Alain Johannes está se preparando para lançar seu primeiro álbum solo, Spark, que será lançado no dia 5 de outubro.

Com um repertório que inclui o co-fundador da banda Eleven e colaborações de Queens of Stone Ages, The Crooked Vultures, Chris Cornell, Mark Lanegan, Spinnerette (Broody Dalle), e vários outros, Alain Johannes já se estabaleceu como um talento da música. No entanto, Spark é o projeto onde Johannes poderá mostrar seus verdadeiros talentos como compositor, vocalista, produtor e multi-instrumentista, tudo de uma vez só.

O líder da banda Queens of Stone Age e Them Crooked Vultures, Joshua Homme, dono da produtora Rekords Rekords que irá co-lançar Spark com Ipecac Recording, diz, “O disco do Alain incorpora totalmente o que nossa produtora significa, a guerra contra o suporte a músicos medíocres e uma tentativa sem censura de pular de um abismo musical. Spark é um estudo espetacular para descobrir o que fazer quando alguém vai embora, é simplesmente deslumbrante”.

Spark abre com Endless Eyes, uma linda caixa de charutos revirando camadas de riffes extremamente rítmicos. A voz forte de Johannes voa para o topo criando uma mistura mística com um tom do leste americano. A música é uma ode a Natasha Shneider, a falecida mulher de Johannes, e sua parceira criativa. Após sua morte em 2008, Queens of Stone Age organizaram um show em Los Angeles para celebrar sua vida. Johannes compos “Endless Eyes” para esse show, mas a música acabou sendo o que impulsionou Johannes a fazer Spark.

Do começo ao fim do álbum, podemos ver a técnica, precisão, e versatilidade inigualáveis de Johannes, aquilo que o fez um guitarrista extremamente requisitado. Spark também revela que o artista vai além do guitarrista de rock que conhecemos, usando técnicas clássicas, de flamenco e de música Indiana. E mesmo assim consegue amarrar todas as melodias de maneira coesa, com nuances maduras e emocionantes.

Dj´s nas Lonas - 24 hrs. Programação:

09/10/2010
STEVE ANGELLO
DJ MARKY
THE CRYSTAL METHOD
MSTRKRFT
DAVE “SWITCH” TAYLOR
THE TWELVES
KILLER ON THE DANCEFLOOR
GLOCAL

10/10/2010
MARKUS SCHULZ
SHARAM
ROGER SANCHEZ
SANDER KLEINENBERG
LIFE IS A LOOP
NICK WARREN
MARIO FISCHETTI

11/10/2010
EROL ALKAN
GUI BORATTO
MIXHELL
AEROPLANE
ANTHONY ROTHER
ANDERSON NOISe

PALCO OI NOVO SOM:
Chegou a vez da cena independente no SWU! É o Palco Oi Novo Som, que traz 24 bandas distribuídas nos três dias de evento. Entre as 24 atrações, 21 serão de bandas consagradas no cenário da música independente no País, e as outras três subirão ao Palco Oi Novo Som por meio do Concurso de Bandas, escolhidas pelo público no site da Oi.

Entre as atrações já confirmadas no Palco Oi Novo Som, destaque para a consagrada Cansei de Ser Sexy. A banda, que tocará no dia 11 de outubro no SWU Music & Arts Festival, surgiu em São Paulo em 2003 e hoje é uma das bandas brasileiras de maior repercussão internacional.

Fique atento ao line up porque ele está crescendo e, a cada instante, uma nova grande atração da cena independente pode ser anunciada!

Line up Palco Oi Novo Som

09 out
The Apples in stereo
Cidadão Instigado
Mallu Magalhães
Curumin & The Aipins
Superguidis
Sobrado 112
Letuce + qinhO
Batalha de Bandas

10 out
Otto
Bomba Estéreo
Rubinho e Força Bruta
Tulipa Ruiz
Lucas Santtana
Volver
Luísa Maita
Batalha de Bandas

11 out
CSS (Cansei de Ser Sexy)
Josh Rouse
BNegão & Seletores de Freqüência
Autoramas
Mombojó
Fino Coletivo
Tono
Batalha de Bandas

Fórum Global de Sustentabilidade
15 09 2010
SWU e Nestlé apresentam o Fórum Global de Sustentabilidade – Fazer um Mundo de Diferença

Evento reunirá 44 personalidades nacionais e internacionais para uma agenda positiva de debates com o público em torno de soluções, oportunidades, idéias e experiências para um mundo mais sustentável.

Entre os participantes, a indiana Ruma Bose, os brasileiros Alessandra França, presidente do Banco Pérola e Ladislau Dowbor e os americanos Leonard Schelesinger, presidente da Babson e consultor da Casa Branca para empreendedorismo, e Stephen D’Esposito, da Resolve, que apresentarão no Fórum soluções e projetos inéditos para a sustentabilidade.

São Paulo, 15 de setembro de 2010 – O movimento de conscientização em prol da sustentabilidade SWU e a Nestlé apresentam a programação do Fórum Global de Sustentabilidade que acontece nos dias 9, 10 e 11 de outubro na fazenda Maeda, em Itu (SP), durante o SWU Music and Arts Festival.

O evento reunirá um time de grandes personalidades internacionais e nacionais para três dias de debates em torno de soluções, oportunidades, ideias e experiências de um mundo mais sustentável. São 24 speakers e outros 20 convidados entre especialistas, pensadores, empresários e representantes de entidades não-governamentais. Durante os três dias do Fórum eles discutirão com o público alguns dos principais temas da sustentabilidade no século 21: Negócios Sustentáveis, Inclusão de Minorias e Jovens e Meio Ambiente.

Sob curadoria da americana Kate Dohring, fundadora do Wealth Living and Giving (organização filantrópica que reúne uma revista, website e consultoria para fundo de doações), e da brasileira Lala De Heinzelin e com consultoria da Visão Sustentável, o Fórum Global de Sustentabilidade SWU, cuja assinatura é “Fazer um Mundo de Diferença”, foi concebido para inspirar pessoas para a prática da sustentabilidade por meio do exemplo positivo de personalidades que já começaram a agir e que refletem o conceito do SWU, de que a mudança que você quer ver no mundo “Começa com Você”.

O Fórum será também palco para apresentações de projetos inéditos. Entre os destaques estão:

a indiana Ruma Bose, que fará no evento o pré-lançamento do livro “Madre Teresa CEO: Unexpected Principles for Practical Leadership”.

Leonard Schelesinger, presidente da Babson (maior faculdade de empreendedorismo do mundo) e Consultor da Agência de Desenvolvimento Internacional dos EUA e da Casa Branca. Ele lança no Fórum o projeto Entrepreneurial Planet, plataforma global que fornecerá ferramentas e capital para novos negócios sustentáveis entre os alunos das melhores faculdades do mundo.
Stephen D’Esposito, presidente da Resolve – instituição mediadora entre Ongs e empresas, que apresentará o Solutions Network, iniciativa desenvolvida para catalisar, incubar e premiar soluções para desafios ambientais urgentes.
Entre as presenças nacionais, o Fórum contará com as participações do músico Marcelo Yuka, Alessandra França (presidente do Banco Peróla, de microcrédito), Lucia Araújo (canal Futura) e Ladislau Dowbor (presidente do Conselho do Núcleo de Estudos do Futuro da PUC-SP),.

O Fórum funcionará entre 12h e 14h40, com apresentações dos palestrantes e debates com a participação do público.

Festival de música na Vila Musical - Apresentação dos aLunos da Escola Livre de Música, set/2010.

2010-10-02T00:02:00.003-03:00

Após ter iniciado em março deste ano de 2010 os trabalhos na coordenação da escola, neste último sabádo 25/09, realizamos a nossa primeira apresentação dos alunos no espaço cultural que temos na própria Escola Livre de Música Vila Musical situada aqui na Sá Viana 28 - Grajaú, Rio de Janeiro.

Um dos nossos objetivos como escola é estar realizando no mínimo duas apresentações dos alunos por ano, que além de movimentar todos os estudantes da ELMVL dos cursos que oferecemos promove a interação social entre eles que é de suma importância para formações de novas bandas.

Os alunos Léo (violão), Vitor (Bateria), Eric ``El Cantante ´´ Brandão, Allan Santana (contra-baixo)e Eric Chandoha (violão de aço e backing vocal)
Have ever seem the RAin - Creedence

Neste numero participaram os alunos: João Vilhena (violão solo e base), Vitor (Bateria), Allan Santana (Baixo), Eric Chandoha (Violão Aço) e o cantor das multidões ERIC BRANDÃO...

Arrazando o festival Karlinha no vocal, Allan Santana (contra-baixo),
Pedro Caster e Henrique Paul nas guitarras e Vitor na Batera.
Tatuagem - Marjiore Estiano
.

No Vocal ``El Magnífico´´ Eric Brandão, violão base e solo Leo, Allan Santana (contra-baixo),Eric Chandoha (Violão Aço) e Vitor na Batera.
Stand By Me - John Lennon

Behind blues eyes - The Who, com Paula Weiss (vocal), Artur Medeiros (base/nylon), Vitor Ribeiro(solo/aço), Allan Santana (Baixo)
Atualmente oferecemos os cursos de: Violão Clássico ou popular, Guitarra, baixo, Canto, Canto repertório, Bateria, Percussão, Harmonia Funcional, Teoria Musical e Percepção, Teclado e Piano.

As melhores músicas dos anos 90 segundo o site americano Pitchfork

2010-09-08T01:46:00.003-03:00

O site americano especializado em música Pitchfork elegeu na semana passada as 200 melhores faixas dos anos 90, destacando músicas de artistas como Nirvana, Radiohead, Björk e Beck, entre outros.

Pelas regras da lista, cada artista teve direito a apenas uma citação, e o primeiro lugar é ocupado pelo recém reformado Pavement, com “Gold soundz”, do álbum “Crooked rain, crooked rain”, de 1994.

O top 5 do site conta ainda os britânicos do Pulp, com “Commom people”, de 1995; o rapper Dr. Dre e a invenção do gangsta em “Nuthin’ but a ‘G’ thang”; o Radiohead e seu clássico “Paranoid android” e o coletivo de hip hop Wu-Tang Clan com “Protect ya neck”.

Confira abaixo o top 20 dos anos 90 da Pitchfork.

1. Pavement – “Gold soundz”

2. Pulp – “Common people”

3. Dr. Dre [ft. Snoop Doggy Dogg] – “Nuthin’ gut a ‘G’ thang”
4. Radiohead – “Paranoid android”
5. Wu-Tang Clan – “Protect ya neck”
6. My Bloody Valentine – “Only shallow”
7. Neutral Milk Hotel – “Holland, 1945”
8. Aaliyah – “Are you that somebody?”
9. Beck – “Loser”
10- Weezer – “Say it ain't so”
11. Björk – “Hyperballad”
12. Aphex Twin – “Windowlicker”
13. Nirvana – “Smells like teen spirit”
14. The Notorious B.I.G. – “Juicy”
15. Depeche Mode – “Enjoy the silence”
16. OutKast – “Spottieottedopalicious”
17. Belle and Sebastian – “The state I am in”
18. Daft Punk – “Da funk”
19. Mazzy Star – “Fade into you”
20. DJ Shadow – “Midnight in a perfect world”

Cada MACACO no seu GALHO - PAIS e Filhos prêmio Multishow 2010 - Vitor e Leo e Claudia Leite... desastre...

2010-08-28T08:28:00.003-03:00

Bem, o arranjo foi no Tom Original da gravação do Legião, que ficou um pouco grave para a Vox do Sertanejo, no ínicio teve algumas semi-tonação ficou sofrível algumas palavras, até ai tudo bem, cantar num tom não confortável pode ser culpado os artistas , o diretor do programa, o empresário , a banda e os músicos, Mas quando Claudia Leite entra ai .... a coisa bagunçou mesmo, errou Letra desafinou, se empolgou... desculpe Senhora Claudia Leite fique na sua área,onde executa um excelente trabalho no AXÉ, LEGIão Urbana e o Rock não é para você... Vitor e Léo, na boa não se queimem, fiquem pra dentro da porteira... cada Macaco no seu Galho!!!

Assisti a Premiação e fico preocupado pois no outro dia meus alunos comentam e temos que dizer a real ... Ficou Ruim para Péssimo...mesmo trazendo músicos que acompanharam A Legião em alguns Shows!!!

Pais e filhos do Legião na vox de VItor e Léo e Claudia Leite.

Bem para matar a saudade e não comparar pois da pra tocar Pais e Filhos sem BORRRRRARRRR a música....
o Original e único Legião Urbana e o imortal RENATO RUSSO
em um show em 1994.

Plebicito pelo limite da Terra será entre 1 e 7 de setembro !!! Vamos dar um basta, neste cancro da sociedade Brasileira `` Os Coronéis da TERRA ´´ Latifundiários comprando áreas do tamanho de SANTA Catarina, votem no www.limitedaterra.org.br !!!

2010-08-19T16:52:00.007-03:00

Artigo de Frei Betto: Plebiscito pelo limite da terra

Entre 1 e 7 de setembro, o Fórum Nacional da Reforma Agrária e Justiça no Campo promoverá, em todo o Brasil, o plebiscito pelo limite da propriedade rural. Mais de 50 entidades que integram o Fórum farão da Semana da Pátria e do Grito dos Excluídos, celebrado todo 7 de setembro, um momento de clamor pela reforma fundiária em nosso país.

Por Frei Betto*

Maria Bethânia - Casinha Branca

Vivem hoje na zona rural brasileira cerca de 30 milhões de pessoas, pouco mais de 16% da população do país. O Brasil apresenta um dos maiores índices de concentração fundiária do mundo: quase 50% das propriedades rurais têm menos de 10 ha (hectares) e ocupam apenas 2,36% da área do país. E menos de 1% das propriedades rurais (46.911) têm área acima de 1 mil ha cada e ocupam 44% do território (IBGE 2006).

Cordel do Fogo Encantado - CIO DA TERRA

As propriedades com mais de 2.500 ha são apenas 15.012 e ocupam 98,5 milhões de ha: 28 milhões de hectares a mais do que quase 4,5 milhões de propriedades rurais com menos de 100 ha.

Sergio Reis - Meu Sertão

Diante deste quadro de grave desigualdade, não se pode admitir que imensas propriedades rurais possam pertencer a um único dono, impedindo o acesso democrático à terra, que é um bem natural, coletivo, porém limitado.

Chitãozinho e Xororó - Terra Tombada

O objetivo do plebiscito é demonstrar ao Congresso Nacional que o povo brasileiro deseja que se inclua na Constituição um novo inciso limitando a propriedade da terra – princípio adotado por vários países capitalistas – a 35 módulos fiscais. Áreas acima disso seriam incorporadas ao patrimônio público e destinadas à reforma agrária.

O módulo fiscal serve de parâmetro para classificar o tamanho de uma propriedade rural, segundo a lei 8.629 de 25/02/93. Um módulo fiscal pode variar de 5 a 110 ha, dependendo do município e das condições de solo, relevo, acesso etc. É considerada pequena propriedade o imóvel com o máximo de quatro módulos fiscais; média, 15; e grande, acima de 15 módulos fiscais.

Cascatinha e NhaNha - Flor do Cafezal

Um limite de 35 módulos fiscais equivale a uma área entre 175 ha (caso de imóveis próximos a capitais) e 3.500 ha (como na região amazônica). Apenas 50 mil entre as cinco milhões de propriedades rurais existentes no Brasil se enquadram neste limite. Ou seja, 4.950 milhões de propriedades têm menos de 35 módulos fiscais.

Renato Teixeira - Romaria

O tema foi enfatizado pela Campanha da Fraternidade 2010, promovida pela CNBB (Conferência Nacional dos Bispos do Brasil). Todos os dados indicam que a concentração fundiária expulsa famílias do campo, multiplica o número de favelas e a violência nos centros urbanos. Mais de 11 milhões de famílias vivem, hoje, em favelas, cortiços ou áreas de risco.

Tião Carreiro e Pardinho -Terra Roxa

Nos últimos 25 anos, 1.546 trabalhadores rurais foram assassinados no Brasil; 422 presos; 2.709 famílias expulsas de suas terras; 13.815 famílias despejadas; e 92.290 famílias envolvidas em conflitos por terra! Foram registradas ainda 2.438 ocorrências de trabalho escravo, com 163 mil trabalhadores escravizados.

Desde 1993, o Grupo Móvel do Ministério do Trabalho libertou 33.789 escravos. De 1.163 ocorrências de assassinatos, apenas 85 foram a julgamento, com a condenação de 20 mandantes e 71 executores. Dos mandantes, somente um se encontra preso, Vitalmiro Bastos de Moura, o Bida, um dos mandantes da eliminação da irmã Dorothy Stang, em 2005.

Tanto o plebiscito quanto o abaixo-assinado visam a aprovar a proposta de emenda constitucional (PEC 438) que determina o confisco de propriedades onde se pratica trabalho escravo, bem como limites à propriedade rural. As propriedades confiscadas seriam destinadas à reforma agrária.

Embora o lobby do latifúndio apregoe as "maravilhas" do agronegócio, quase todo voltado à exportação e não ao mercado interno, a maior parte dos alimentos da mesa do brasileiro provém da agricultura familiar. Ela é responsável por toda a produção de verduras; 87% da mandioca; 70% do feijão; 59% dos suínos; 58% do leite; 50% das aves; 46% do milho; 38% do café; 21% do trigo.

A pequena propriedade rural emprega 74,4% das pessoas que trabalham no campo. O agronegócio, apenas 25,6%. Enquanto a pequena propriedade ocupa 15 pessoas por cada 100 ha, o agronegócio, que dispõe de tecnologia avançada, somente 1,7 pessoas. 　

Mais informações e para assinar abaixo-assinado: www.limitedaterra.org.br

*Frei Betto é escritor, autor de "Diário de Fernando – nos cárceres da ditadura militar brasileira" (Rocco), entre outros livros. Página do autor: http://www.freibetto.org/ -Twitter:@freibetto

Fonte: Correio da Cidadania

65 anos depois, Bomba de Hiroshima e Nagasaki 06 de agosto de 1945 - Rosa de Hiroshima poesia de Vínicius de Moraes, interpretado por Ney Mato Grosso e Secos e Molhados

2010-08-06T21:09:00.001-03:00

Sobreviventes de Hiroxima estigmatizados no Japão

Por Suvendrini Kakuchi, da IPS

Tóquio, Japão, 5/8/2010 – A japonesa Toshiko Hamamako se ergueu trêmula e se dirigiu ao público, mas não por pânico diante das pessoas. Seu problema começou há décadas. No dia 6 de agosto de 1945, quando era menina, os Estados Unidos lançaram a bomba atômica sobre a cidade japonesa de Hiroxima, 700 quilômetros a oeste de Tóquio. Três dias depois lançaram outra sobre Nagasaki e pôs fim à agressão japonesa e ao conflito no Pacífico.

Toshiko só recentemente se atreve a falar em público sobre sua vida, 60 anos após o ocorrido. “Ficava aterrorizada ao falar de pé, diante do público, mas também foi uma experiência pessoal importante”, disse a mulher de 66 anos, na conferência sobre o Tratado de Não Proliferação Nuclear (TPN), realizada em maio em Nova York. Junto a ela havia outros hibakusha, sobreviventes da bomba atômica. Seus relatos sobre doenças e tratamentos dolorosos continuam sendo uma prova poderosa da devastação causada por essa arma letal.

Seu sofrimento não foi apenas pelas queimaduras da radiação e os consequentes problemas médicos, mas pela estigmatização e discriminação que sofrem os sobreviventes e suas famílias. “Somos evitados porque estávamos contaminados”, contou Toshiko. Os filhos dos sobreviventes também são estigmatizados. “Contei o quanto é horrível ser uma hibakusha”, relatou Toshiko, que agora vive com o marido e a filha em Saitama, bairro da zona oeste de Tóquio.

“Minha mãe nunca me falou daquela época porque não gostava de recordar o prolongado sofrimento que viveram ela, minha irmã e toda a vizinhança. A radiação as afetou muito, têm queimaduras que nunca se curaram”, acrescentou. Quando Toshiko se casou, seu marido a fez prometer manter segredo de sua condição para não serem discriminados. “Respeitei seu desejo. Foi há dois anos que decidi falar e estou contente por isso. Agora me dou conta da importância que tem minha história para o mundo”, acrescentou.

“Sabia que chegava a eles”, disse Hiroshi Nakamura, de 67 anos, que falou na mesma conferência que Toshiko. “Minha mensagem sobre os horrores da bomba atômica teve muito mais efeito do que muitos livros e filmes”, afirmou. Os relatos dos sobreviventes não serão sobre a catástrofe propriamente dita porque eram muito jovens, mas os ativistas afirmam que realçam as consequências do bombardeio e da exclusão social que duraram anos. “Pessoas como Toshiko são fundamentais para que o mundo aprenda a lição de Hiroxima”, disse o professor Mitsuo Okamoto, responsável pelo Centro para a Paz e a Não Violência, de Hiroxima. “Seus relatos são uma continuação do trabalho desempenhado pela geração mais velha de sobreviventes, cujas narrações daquele dia fatídico impulsionaram ações globais pela paz”, acrescentou.

Segundo as estatísticas, são 162 mil sobreviventes reconhecidos oficialmente, mais de 60% têm entre 70 e 80 anos, e sofrem de doenças relacionadas com a radiação, como câncer e estresse. A bomba de urânio, lançada por aviões norte-americanos sobre Hiroxima, criou uma enorme nuvem de radiação na forma de cogumelo e deixou 140 mil mortos, 40% da população da cidade. O número de vítimas em Nagasaki foi semelhante, 73.884 desapareceram na hora e outras 74.909 ficaram feridas.

Dos 1.500 hibakusha, de aproximadamente 60 anos, entrevistados para uma pesquisa realizada em julho pelo jornal Asahi, 61% disseram que começaram a se abrir e contar suas histórias depois de 2005. Muitos analistas afirmam que o prolongado silêncio se deve ao estigma social e ao medo de não poder casar porque numerosos japoneses acreditam que a saúde dos filhos e netos de hibakusha não é boa. Hiroshi, de fato, compara sua situação com a de uma condenação à morte porque não sabe quando terá diagnosticada uma doença relacionada com a radiação.

Este ano, Hiroshi se sente animado com a notícia de que o secretário-geral da Organização das Nações Unidas, Ban Ki-moon, decidiu participar da cerimônia de 65 anos do lançamento da bomba atômica sobre Hiroxima. Também participarão, pela primeira vez, representantes dos Estados Unidos, da França e da Grã-Bretanha. “Nos dá uma grande força para seguir adiante”, disse Hiroshi, que perdeu sua mãe para o câncer.

A reação de seus compatriotas é um dos grandes obstáculos a ser vencido pelos hibakusha. Sobreviventes e ativistas se queixam de que os livros não fornecem informação suficiente sobre o conflito no Pacífico nem sobre a Segunda Guerra Mundial, em especial sobre o papel do Japão e sua cruel colonização dos países da região. “Muitas vezes sinto que os japoneses acreditam que fomos um aborrecimento porque sempre revivemos o papel do Japão na Segunda Guerra Mundial. É triste, “lamentou Toshiko. “Mas, continuaremos falando”, finalizou. Envolverde/IPS

(IPS/Envolverde)

Dia Mundial do ROCK - Rock é um movimento contra-cultura de massa para Protestar e não para Lamber!!!

2010-07-13T18:35:00.001-03:00

Este Vídeo não é uma Música !!! Mais é muito Rock que muito rockquinho de mocinha que tem por aí....chamado CARIOCA IRADO - ABRIL 2010.

Rock and Roll nasceu para repudiar a sociedade civil de seus maus habitos e falar a verdade sobre o que o real e pra dizer que não gostamos ou gostamos e pronto, usado para desmascarar o falso ou a falsidade....

Este Vídeo e sobre a cidade que eu vivo, a cidade REal ``RIO de Janeiro´´
querem saber a verdade nua e crua sobre esta mentira que é a cidade Maravilhosa... assista o vídeo!!!! FELIZ DIA DO ROCK !!!!com vcs CARIOCA IRADO !!!

Não aguentei _ CAMISA DE VêNUS!!!!!

nÃO AGUENTEI - RAUL

tHE HENDRIX!!!

cHUCK bERRY - oNDE TUDO COMEÇOU!!!!

Happy Rock ou Emo, quem fica , quem sai, moda ou vieram pra ficar !?

2010-06-21T08:06:00.008-03:00

Matéria escrita por SERGIO MARTINS na revista VEJA, 9 de junho de 2010.

A ALEGRIA DOS PAIS.

Depois da tristonha onda Emo, o happy Rock toma a cena Brasileira com uma música ensolarada e sem compromisso. E, sobretudo, muito bem-comportada.

Estão saindo de cena a imndumentária escura, a maquiagem pesada e as músicas lamurientas dos ``EMOS´´, aqueles adolescentes que se divertem sentindo-se tristonhos. Há cerca de um ano, o cenário POP Brasileiro vem sendo tomado por roupas de cores extravagantes e canções anaimadinhas sobre baladas, namoros e shopping centers. Alternativa ensolarada ao chororô sde NXZero e Fresno, essa nova vertente, capitaneada por bandas como REstart e Cine, atende pelo nome singelo de HAPPY ROCK.

`` EMO briga com a namorada e fica triste. A gente rompe o namoroe, beleza , a vida continua´´, diz PeleLU, guitarrista do RESTART.

Não é só a melancolia que foi proscrita: a ancestral rebeldia do rock também se foi. Os músicos de Happy Rock são o orgulho de Papais e Mamães. Forma do por quatro paulistas de classe média, com idades entre 18 e 19 anos, o RESTART é a ponta de lança do Happy Rock. O smeninos alugaram uma casa de show em São Paulo e criaram a festa HAPPY ROCK SUNDAY, da qual surgiu o nome do, va lá, movimento. É um festinha vespertina, das mais comportadas: os pais são convidadosa a participar. O disco de estreia do Rsetart, lançado há 3 meses, já contabiliza 20.000 cópias vendidas. Uma sessão de autógrafos do disco, em São Paulo, teve de ser cancelada por causa da multidão de fãs-NA MAIORIA GAROTAS DE 12 A 15 ANOS- na porta da loja. Frustada, um delas soltou palavrões em umafrase sem pé nem cabeça que virou mania no YOUTUBE. ``A gente já se desculpou com a menina, a ela até subiu no palco de um dos nossos shows´´, diz o cantor e baixista PeLanza. Ao contráriodo seus amigos do Restart, o quinteto CINE não gosta muito do rotulo `` HAPPY ROCK ´´.

`` Na primeira vez que nos chamaram assim , penseique fosse rap rock´´, diz DH, o vocalista. Entre as referências do CINE, que gosta de brincar com timbres... mas cuidado Garoto na curva!!!!

Particurlamente acho que o vocalista do Cine semi-tona muito as notas no vocal, quer dizer a grosso modo, DESAFINA, reparem nesta performance ao vivo...já o Restart funciona bem o visual e os vocais , mais acrescentar algo .... acho que não , melodias e harmonias já tocadas e cheias de cliche POP Barato...

Fora disso acho que tudo que é POp é um Pós -Beatles bem mal feito, não vejo nada de novo, harmonicamente falando somente o visual e a atitude .... parecem uns MEnudos, Hansons, Back street boys, Domíno da década de 80 anos, vamos ver quanto tempo esta onda dura...

Agora uma grande jogada de Marketing, méritos dos produtores e empresários ,pois o público destas bandas são adolescentes de 12 a 16 anos...no máximo, enquanto os garotos já possuem seus 19 a 23 anos !! Faz parte acontece todo final de década daqui a pouco as coisas voltam ao normal ... Surgirá algum Kurt, ou Renato ou Cazuza!? Sei lá, devem estar a caminho para salvar o ROck enlatado e produzido para o consumo Idiota, ROck não é pra ser instrumento, que o mundo está bem , pois sabemos que alguma coisa está fora da Ordem... ele foi feito para protestar!!! Não para lamber!!!

Campanha Chega de racismo e discriminação contra ARGENTINOS...por Billy Culleton

2010-06-18T23:19:00.033-03:00

Acompanho o Blog do Luizinho(www.baudoluizinho.blogspot.com) sobre minha cidade onde fui criado e iniciei minha jornada Musical`` Campo Mourão ´´, esta semana navengando em seu blog, me deparo com esta postagem que também estou postando no meu blog...Que está abaixo!!!

Nacionalismo não se faz discriminando o País vizinho, seja ele quem for, Brasileiro está comendo na mão de uma mídia barata e medíocre, Quem sabe Deus que é Justo e Soberano e que tem um ótimo senso de humor, dá o Caneco para os `` Hermanos ´´ e deixa a seleção POdre mais POdre de Rica do Sr. Feudal RICARDO TEIXEIRA com as canecas vazias, porém com os bolsos cheios de EUROS , REAIS e Dólores...Pátria de Chuteiras isso era na època do Garrincha!!!
Em razão disso coloquei alguns ícones da música Argentina para vcs conhecerem... BOA COPA e fujam desda mídia brasileira, enquanto vc tem um pouco de Neurônio!!!! VIVA o SEXO+VINHO+SORVETE (Receita do Maradona )...

Por Billy Culleton

Nos últimos anos é assustador o crescimento da discriminação contra os argentinos no Brasil. Ter birra de argentino está na moda. O anti-argentinismo extrapolou a rivalidade futebolística e passou para as relações pessoais.
Mercedes SOSa

Incentivado por narradores esportivos e insuflado por comerciais de TV, desprezar argentinos passou a ser um comportamento nacionalista. Pessoas que até pouco tempo atrás eram imparciais, agora torcem contra a Argentina em tudo: desde esportes até indicadores sociais. Essa multidão não sabia que era uma questão de patriotismo ser ‘inimigo’ dos argentinos. Ainda bem que a mídia os avisou.

Atahualpa Yupanqui

A cada dia mais, uma parte da mídia insiste em cultivar a rivalidade, ridicularizando e apontando supostos estereótipos que em nada tem a ver com o argentino comum. Nas narrações esportivas são comuns os comentários desabonadores.

Na Internet, a proliferação de piadas de argentinos. Mas a grande novidade desta Copa são as propagandas na TV ridicularizando os argentinos. Recentemente, uma marca de cerveja foi obrigada a tirar do ar um comercial que agredia e ridicularizava os argentinos.

Ástor Piazzola

O problema é que essa postura contagia parte da população, que começa a ter atitudes discriminatórias contra os argentinos. Há poucos anos atrás, não existia esse pr econceito. Isso foi crescendo lentamente e agora está chegando ao limite do tolerável, refletindo nas relações interpessoais.

Carlos Gardel

No início de junho, um professor universitário argentino, há 20 anos no Brasil, foi num Posto de Saúde de Porto Alegre. Tinha sofrido um pequeno arranhão no joelho após leve queda de moto. Percebendo o sotaque, o enfermeiro perguntou de onde ele era. "Argentino? Não acredito, num sábado de manhã e eu tenho que consertar um argentino!", se referindo ao doutor em Filosofia pela Universidade de Oxford e que hoje leciona numa conceituada universidade da capital gaúcha. Esse argentino, naturalizado brasileiro há anos, ficou na dúvida se contava ou não o lamentável episódio para sua esposa brasileira e seus dois garotos, também nascidos aqui.
Adriana Varela

Gestos de intolerância
Já existem relatos de filhos de argentinos que são constrangidos na escola por terem essa ‘triste’ ascendência. São vítimas de gozações e discriminação. O motivo? Fora a rivalidade futebolística, ninguém sabe muito bem qual é. Porém, todos têm a certeza de que ser argentino não é algo bom. Pelo menos, é isso que aparece constantemente na mídia. Assim, está se criando nas novas gerações um perigoso sentimento de xenofobia. E pior, em cima de um estereótipo desatualizado e preconceituoso.

Bajo Fondo Tango Club

Os cem mil argentinos que moram no Brasil, não conseguem entender isso. A grande maioria tem parceiros e filhos brasileiros, além de trabalhar, pagar impostos e ter escolhido este país por opção. Por outro lado, milhares de brasileiros moram na Argentina. São admirados e respeitados. Na Argentina existe quase uma idolatria pelo Brasil. Essa sensação também pode ser vivenciada por todos os brasileiros que visitam Buenos Aires.

Pescado Rabioso

Enquanto isso, do lado de cá a coisa é diferente. Com o pretexto da rivalidade futebolística se cultiva a intolerância e o preconceito. Parece incrível, mas enquanto os argentinos têm admiração pelos brasileiros, aqui a ordem é esculhambar os ditos ‘hermanos’. Importante lembrar que afirmar ‘odeio argentinos’ não é menos discriminatório que dizer ‘odeio negros’ ou ‘odeio judeus’.

SUMO

No Brasil, as leis são muito rigorosas com qualquer tipo de discriminação: contra negros, índios, crianças, mulheres e raças. Porém, contra argentino tudo pode! Isso está liberado. Os comerciais podem simular argentinos se machucando ou sofrendo agressões que não tem problema. "Isso é brincadeira. Não é para levar a sério!", dizem alguns.

FITO PAEZ

O perigo é que esses gestos de intolerância incentivam outros gestos parecidos. Inclusive os exageros, como os do enfermeiro em Porto Alegre.

Publicado no Observatório da Imprensa

2010-06-17T22:25:00.002-03:00

Vamos falar de Música - A essência da Música - segundo o Livro`` História da Música Europeia´´ de Jaques Stehman

2010-06-13T09:06:00.001-03:00

A essência da Música:

A música foi o primeiro a linguagem mágica do homem primitivo, a sua invocação as divindades. Em seguida, foi ciência, como as matemáticas e as astronomia. Durante longos séculos permaneceu oração.
Finalmente, misturando-se com o mundo profano tornou-se uma arte, um divertimento também, o qual lhe trouxe considerável enriquecimento, por vezes puramente material (uma orquestra de sonoridades sumptuosas não será necessariamente mais ``rica ´´ do que uma melodia isolada intensamente expressiva).

Mas, a partir do momento em que a música se torna arte, as leis da estética vão condicionar a sua evolução, enquanto anteriormente, desde a Antiguidade até a idade Média, era apenas regida pelas leis moral: com efeito, quer seja magia, quer oração, a música ritual obedece a regras éticas precisas.

Existem , portanto, duas grandes eras da música, cada uma englobando uma evolução de facetas múltiplas, no interior de um domínio bem definido: a era religiosa e a era da estética.

A Idade Média forma praticamente a charneira entre estas duas fases.Desde as mais rudimentares ou recuadas civilizações até à Idade Média, o homem viveu a era religiosa da Música. Desde há oito séculos, vivemos a sua era estética.

Se a música é um ritual, a linguagem sagrada do homem - mas livre de qualquer referência realista, já que exprime o mundo do irracional mais diretamente que a literatura ou a pintura, é também um fenômeno cujos os elementos devem ser conhecidos.

De que é feita a música, como se manifesta o fenomeno sonoro altamente organizado da nossa civilização e qual o seu significado?
Parace oportuno, abondonar a definição de Jean-Jacques Rousseau: `` A música é arte de combinar os sons de forma agradavel ao ouvido.´´ Emanando de um filósofo cujas opiniões neste domínio foram muitas vezes discutíveis, esta definição encerra a música detro dos limites onde se reconhecem os ditames do estilo GALANTE. Ora a `` música amável ´´ é apenas um aspecto da música em geral. Após esses convencionalismos do século XVIII, como formular um a opinião sobre um

CANTO GUERREIRO DA ANTIGUIDADE:

À chegada dos Romanos a este canto do Sudoeste europeu, as tribos celtas dos Galaicos ocupavam as cimas das montanhas e outeiros, em aldeias fortificadas denominadas castros ou citânias. Do aguerrido destes povos dá testemunho a defesa murada dos castros, alguns com até três muralhas concêntricas e profundos fossos. Esta peculiar ocupaçom territorial é privativa destes povos, no Noroeste da Península Ibérica.

Habitaria estas terras a etnia dos Grávios ou Gróvios (Grovii), de que falam autores clássicos como Plínio, o Velho, e que também cita Vicente Risco na sua História da Galiza.

O nome de Tronha estará relacionado com os topónimos Toronha ou Toronho, comarca galega do Baixo Minho, ou com trónio, corpo principal de um maciço de montanhas ou cordilheira que domina as suas ramificações.

A ocupaçom do castro de Tronha, situado a 225 m sobre o nível do mar, iria do século VI a. C. ao I d. C., tendo existido umha reocupaçom posterior em meados do século III.

Possui duas muralhas e um fosso exterior de 10 m de profundidade, 25 de largura e 200 de comprimento.

As primeiras escavações, dirigidas por Florentino Lopes-Cuevilhas e Luís Pericot, têm lugar em 1927 e 1928, datando as últimas de meados dos anos 90. Os materiais encontrados podem ser vistos, principalmente, no Museu Arqueológico de Vigo.

UMA MONÓDIA GREGORIANA

UMA ÁRIA DE MONTEVERDI

uma página de Beethoven,

HECTOR Berlioz,

IGOR Strawinsky

Bartok

Como apreciar todos esses compositores, cujo o alvo não foi serem agradáveis ao ouvido, segundo aquele critério, mas exprimir com intensidade os anseios de uma coletividade , as suas próprias paixões, ou ainda as diversas possibilidades da linguagem ou da arquitetura sonora?
Foi contudo graças ao gênio de tais INOVADORES que o domínio da música se enriqueceu e alargou. É portanto impossível fecharmos-nos dentro de princípios sem dúvida claros e tranquilizadores, mas que a vida pode sempre desmentir.

Conforme a música seja uma organização sonora articulada, tal como uma linguagem( frase , pontuação, ritmo, desenvolvimento de uma idéia) , ou um meio intencional de provocar uma SENSAÇÃO, ela será intelectual ou sensorial, mas agirá sempre sobre a nossa sensibilidade.

No primeiro caso, o encanto (fascinação) físico do som está sujeito a uma ordem estética e intelectual, no segundo exerce-se livremente. É evidente que a própria liberdadese move dentro de quadros fixos. Um exemplo familiar ilustrará este fato: sabe-se que a improvização livre e totalmente ``inspirada ´´ dos instrumentistas de JAZZ se desenrola de acordo com u esquema harmônico e rítmico muito estrito.

O compositor nunca se afasta desse quadro invisível, sendo este a dar a sua coerência ao discurso, que, de sendo este a dar a sua coerencia ao discurso, que de outra forma seria apenas DESORDEM E CONFUSÃO.

Para esquematizar, poder-se-ia classificar numa categoria intelectual toda a música clássica, onde a forma impõe a sua autoridade e onde o sentimento é estilixado, trabalhado: os polifonistas do Renascimento:

Bach

Haydn

Mozart

Haendel

do século XVIII,
um Strawinsky,

um Hindemith presentemente, etc.

Na categoria SENSORIAL poderiamos classificar os IMPRESSIONISTAS, os românticos, os expressionistas e alguns dos grandes compossitores do século Barroco.Acrescentar-lhe-emos o JAZZ, música de encantamento por excelência. Aqui voltamos a encontrar as denominações tradicionais de apolíneo e de dionisíoca Para ser completo, é necessario acrescentar uma categoria ESPIRITUAl, abrangendo a música ritual dos povos primitivos e o canto gregoriano da liturgia católica.Aqui os elementos sensoriais e intelectuais funden-se num só. E se canto Gregoriano, purificado, decantado pelo reflexo de uma vida espiritual muito elevada, a música ritual do povo primitivo pode refletir um mesma exigência de superação de fé, na sua ingênua mistura de pureza a de ação sobre os sentidos.

Trecho desta postagem extraído do Livro `` História da Música Européia das origens aos nossos dias ´´ de Jacques Stehman publicado em 1964.

EMO !? LOnge disso ! GREEN DAY - É PUNK ROCK e eles estão chegando com disco Novo, confira a entrevista sobre o novo disco e as cidades e preços dos shows no Brasil !

2010-06-10T14:26:00.010-03:00

Billie Joe falando sobre o CD novo.... que no meu gosto o melhor deles depois de DOOKIE é claro... ganhei o CD da minha amiga,a produtora de Arte Lívia Brazil, que conhece como ninguem a cultura pop atual em todos seus meandros e dissonâncias.... pra quem gosta de PUNK ROCK este cd novo é um prato cheio e bem servido com muita SUSTância!!!!!

O trio de punk pop Green Day anunciou em seu site oficial nesta segunda-feira (10) que fará quatro shows no Brasil em outubro. A banda deve tocar em Porto Alegre no dia 13, Rio de Janeiro no dia 15, Brasília (17) e São Paulo (20).

A Mondo Entretenimento confirmou as datas posteriormente. Os ingressos para o show em São Paulo custam entre R$ 180 e R$ 250 (com direito à meia-entrada) e começam a ser vendidos no dia 25 de maio. No Rio, as entradas custam entre R$ 300 e R$ 100, também com meia-entrada, e começam a ser vendidas no dia 29 de maio.

Os preços para as outras cidades ainda não foram divulgados, e as vendas começam em julho, segundo o site do Green Day. O grupo anunciou também shows na Costa Rica e no Peru.

Em 2009 o Green Day lançou o disco “21st century breakdown”, que chegou ao primeiro lugar das paradas norte-americanas e venceu o Grammy de melhor álbum de rock em 2010. Entre os projetos paralelos do grupo estão um musical da Broadway baseado no disco de 2004 “American idiot” e uma versão do game musical Rock Band assinada pela banda.

O trio foi criado em 1987 na Califórnia e alcançou o sucesso mundial em 1994, com o disco “Dookie” e hits como “Basket case” e “She”. O grupo tem oito álbuns lançados, já ganhou quatro Grammys e vendeu 22 milhões de cópias apenas nos EUA.

Green Day no Brasil

Porto Alegre
Quando: 13 de outubro
Onde: A definir
Quanto: A definir

Rio de Janeiro
Quando: 15 de outubro, às 22h30
Onde: HSBC Arena – Av. Embaixador Aberlado Bueno, 3401
Quanto: entre R$ 100 e R$ 300 (com direito à meia-entrada)
Informações: www.livepass.com.br / (21) 4003-1527

Brasília
Quando: 17 de outubro
Onde: A definir
Quanto: A definir

São Paulo
Quando: 20 de outubro, às 22h
Onde: Arena Anhembi - Av. Olavo Fontoura, 1.209,
Quanto: entre R$ 180 e R$ 250 (com direito à meia-entrada)
Informações: www.livepass.com.br / (21) 4003-1527

Professores da Escola Livre de Musica VILA MUSICAL - no Contra-Baixo- Davi MOTTA

2010-06-06T22:36:00.001-03:00

Professor de Contra-Baixo - www.vilamusical.com.br
fone 21 - 2238 4467 - Rua Sá Vianna 28 - GRAJAÚ - RJ
Davi Motta

Como Professor:
Baixo (iniciante – médio - avançado)
**Início: Desde 2000 lecionando aulas particulares, e passando pela Escola de Música da Ig. Central de Coelho Neto e Centro Musical de Irajá.
**Conhecimentos: Leitura (partitura e tablatura), harmonia (acordes, escalas, arpejos e aplicações), improviso, técnicas (pizzicato 2 e 3 dedos, slap, two-hands, double thumb), ligados, pedal point, ghost note (pizzicato e slap), grooves, walking bass, ritmos (rock, jazz, mpb, samba etc)

Como Baixista:
Início: 1996
Professores: Claudio Souza (harmonia 2004)
Arthur Maia (improviso - em 2006)

Breve Release

Desde 2000, trabalhando profissionalmente como baixista, compositor, arranjador e professor. Entre 2001 e 2006, acompanho os cantores “Docc Nunes”, “Aline Ramos”, “Nise Palhares” e em 2008, o cantor “Allan Hortz” e a banda “Os Parabrisas”. Toquei em algumas bandas de estilos distintos, com as quais participei de festivais e eventos de prefeituras.
Em 2005, inicio meu trabalho solo, com músicas instrumentais voltadas para o contrabaixo, que em 2007, resulta na gravação de meu CD demonstração, intitulado “Baixaria”. Em 2009, gravo meu segundo trabalho solo, o CD “Simples Assim”, com algumas participações especiais, destaque para o baixista “Adriano Giffoni”.

Série: Professores da Escola Livre de Música VILA MUSICAL -GRAJAÚ-RJ - VICTOR HORA -GUITARRA

2010-05-25T22:10:00.000-03:00

Victor Medeiros Hora

Formação

• Diplomado pela Escola de Música Villa-Lobos, como guitarrista profissional, através do curso técnico profissionalizante em nível médio.
• Graduado em música (licenciatura), pela UNIVERSIDADE FEDERAL DO ESTADO DO RIO DE JANEIRO - UNIRIO.

Experiência Profissional
•Entre 2001 e 2003: Atuou como professor de guitarra e violão no Cenart, curso livre de música, em Maricá.

•Desde 2004 : Atua como professor de guitarra e harmonia na Escola de Música Pizzicato, em Jardim América RJ.
•Durante 2005: Estágio supervisionado pela Universidade Federal do Estado do Rio de Janeiro UNIRIO, como professor de Música habilitado em educação artística, na escola Municipal Albert Schwheitzer, em Laranjeiras, RJ. E também na Pró-Arte, direcionado pela UNIRIO e supervisionado pelo regente e professor Carlos Alberto Figueiredo, no bairro de Laranjeiras.

•Desde 2007: Atua como professor de guitarra e violão popular, harmonia e preparação vocal na escola de música ART MUSICAL, situada no Méier.

•Desde 2008: Atua como professor de guitarra, violão, teoria musical na Escola de Música do Recreio, situada no Recreio dos Bandeirantes.

•Durante todo esse período profissional, atua como professor particular de guitarra e harmonia, ministrando aulas domiciliares.

•Como instrumentista e compositor atuou e atua nos grupos AGE ONE (Metal Progressivo) e Macadame (MPB). Mambembe Trio, Zanni, Paul Rock

•Em 2008: foi mencionado pela revista especializada americana GuitarPlayer, na edição de Maio de 2008.

Release Victor Hora

Victor Hora é guitarrista profissional formado pela Escola de Música Villa-Lobos (nível técnico) e graduado em música pela UNIRIO. Sua formação musical aconteceu na escola do rock e heavy metal, atraido pelo virtuosismo e composições. Posteriormente descobre a qualidade das obras de Chico Buarque, Tom Jobim, Edu Lobo, Cartola e Vinicius de Moraes.
É professor de guitarra e teoria musical há oito anos, e como compositor e instrumentista destaca-se em seu trabalho com sua banda Age One (www.age-one.net). Em 2008 foi mencionado na edição de maio de 2008 da versão americana da revista Guitar Player

confira no youtube:
http://www.youtube.com/watch?v=YjnJcrSUDzI
http://www.youtube.com/watch?v=fEqpFE0yj_4
http://www.youtube.com/watch?v=8Fx940xaah4
http://www.youtube.com/watch?v=abnsLZZ_au0

EMENTA DO CURSO DE GUITARRA PROF. VICTOR HORA

APRESENTAÇÃO DO INSTRUMENTO, CONHECIMENTO DE SUA ESCALA;
INICIAÇÃO TÉCNICA, EXERCÍCIOS ELEMENTARES SOBRE PALHETADA ALTERNADA;
REPERTÓRIO INICIAL (LINGUAGEM TRIÁDICA) "CAGED" ;
INICIAÇÃO TÉCNICA SWEEP PICKING;
INTERVALOS, FORMAÇÃO DE ACORDES;
APURO TÉCNICO COM O METRÔNOMO;
TONALIDADE, CAMPO HARMÔNICO, FUNÇÕES;
MODALISMO-TEORIA, CONFRONTO TONAL X MODAL.
ESCALAS MODO PENTATÔNICO, MODOS GREGORIANOS (ESCALA MAIOR);
REPERTÓRIO COM SOLOS BENDS/SLIDES/ VIBRATOS;
ESCALAS-MODO MENOR SIMÉTRICAS, ALTERNADA;
LICKS E FRASES (ROCK LICKS, BLUES LICKS);
TWO-HANDS TAPPING (ELEMENTAR)
ARPEJOS SHAPES DE TRÍADES E TÉTRADES;
REPERTÓRIO COM LINGUAGEM TETRÁDICA;
IMPROVISAÇÃO NO ROCK;
SOLOS CONSAGRADOS;
APROFUNDAMENTO HARMÔNICO;
IMPROVISAÇÃO COM LINHUAGEM JAZZÍSTICA;

FONTES: APOSTILAS PARTICULARES/AUTORAIS, ROCK DISCIPLINE-JOHN PETRUCCI, ROCK LICKS DAVE CELENTANO, ACORDES, ARPEJOS E ESCALAS NELSON FARIA, CURSO DE GUITARRA EDU ARDANUY, REVISTA GP, APOSTILA DE GUITARRA PROFESSOR ARMILDO UZEDA.

bem galera é so entrar no site www.vilamusical.com.br e marcar a aula com este exímio GUitar Man...

Pra Completar o set `` A melhor Banda de Blues do Brasil - BLUES ETíliCOS

2010-05-21T09:13:00.001-03:00

BLUES ETÍLICOS
O Blues Etílicos é a mais popular banda de blues brasileira.

Recordista em público nos shows e em vendagens de CDs no segmento, a banda estará comemorando 25 anos de carreira em 2010 com o lançamento de seu primeiro DVD, previsto para maio.

O Blues Etílicos já lançou 10 CDs, abrindo shows para B. B. King, Buddy Guy, Robert Cray, Sugar Blue, Ike Turner, Magic Slim e muitas outras atrações internacionais.

A empatia do grupo com o público deve-se à originalidade de compor tanto em inglês quanto português. O vocalista norte americano Greg Wilson confere autenticidade e sotaque correto às canções em inglês.Os solistas de gaita e guitarra, Flávio Guimarães e Otávio Rocha se destacam nos solos, acompanhados pela cozinha coesa e cheia de swing de Pedro Strasser, na bateria e Cláudio Bedran, no baixo.
FORMAÇÃO
Greg Wilson - Norte-americano, natural do Mississipi. Possui bacharelato em música pela Universidade da Carolina do Sul (EUA). Além de vocalista, toca guitarra e trompete.

Flávio Guimarães - É o gaitista referência no blues e rock nacionais. Atuou como participação especial dos shows de Buddy Guy, Taj Mahal, Magic Slim, Charlie Musselwhite, Sugar Blue e vários grandes nomes do blues norte americano. Gravou com Alceu Valença, Ed Motta, Cássia Eller, Titãs, Zeca Baleiro, Renato Russo, Zélia Duncan, Fernanda Abreu, Luis Melodia e Paulo Moura entre outros.

Otávio Rocha - Considerado como melhor guitarrista de slide do país, atua também como guitarrista base e compositor.

Pedro Strasser - Baterista com formação no Musicians Institute (Los Angeles, EUA). Acompanhou artistas como Paulo Moura, Fernando Magalhães (Barão Vermelho) e Celso Blues Boy.

Cláudio Bedran - Baixista e também fundador da banda, atua como compositor de boa parte das músicas em português do grupo.

Discografia
Cor do Universo - 2003 (Net Records)
Águas Barrentas - Ao Vivo - 2001 (Eldorado)
The Best Of Blues Etílicos - 1998 (Eldorado)
Dente de Ouro - 1996 (Abril Music)
Salamandra - 1994 (Natasha Records)
IV - 1991 (Eldorado)
San-Ho-Zay - 1990 (Eldorado)
Água Mineral - 1989 (Eldorado)
Blues Etílicos - 1987 (GHR/Velas)

fonte: www.bluesetilicos.com.br

Blues Man? Não o REI Brasileiro CELSO BLUES BOY na Véia!!!!!

2010-05-15T15:01:00.000-03:00

Não são muitos os artistas que podem se gabar de ter criado uma linguagem musical. Robert Johnson, Frank Sinatra, Chuck Berry, Elvis, Hendrix, Marvin Gaye, Miles Davis, os Beatles, Kraftwerk, Black Sabbath, Ramones, o Faith No More - a lista não avança muito a partir daí. Nesse seleto grupo de excepcionais, Celso Blues Boy arruma uma vaguinha por ter dado um sotaque brasileiro ao blues, um gênero americano (ou africano, em suas raízes mais profundas) por excelência, e com ele feito sucesso avassalador ao ponto de ser, ao mesmo tempo, lenda, ídolo e referência, ainda mais quando o papo recai sobre aquele instrumento de seis cordas chamado guitarra.

Exagero? Nada. Erro seria desprezar sua contribuição para a música brasileira. Os gringos o reconheceram: a revista Backstage colocou Celso entre os 20 maiores guitarristas da história; BB King, expressão máxima do blues, o reverenciou ao dividir palcos e estúdio com ele e o convidar para fazer carreira nos EUA; tocou no célebre Festival de Montreaux, na Suíça; The Commitments, a banda do filme cult de Alan Parker, chamou Blues Boy para se integrar a ela (e ele gentilmente recusou). Se Celso não foi alçado ao mesmo patamar glorioso de Tom Jobim, João Gilberto, Caetano Veloso e outras sumidades nacionais, não cabe aqui buscar explicações.

Fato é que Celso vem fazendo história desde a metade dos anos 70. Com apenas 17 anos, por exemplo, integrou o grupo de Raul Seixas. Acompanhou uma penca de veneráveis nomes da MPB (Renato e Seus Blue Caps, Sá & Guarabira, Luiz Melodia...) e arregimentou fãs ao empunhar a guitarra nas bandas Legião Estrangeira e Aero Blues, considerado o primeiro grupo de blues do Brasil e dono de performances memoráveis na lendária casa de shows Apa Loosa, no Rio de Janeiro.

Esses mesmos fãs viram Celso galgar os degraus da fama nos anos 80. Sua estréia solo, em 1984, com "Som na Guitarra", é um clássico absoluto, não só pelos hits que contém ("Aumenta que isso aí é rock'n'roll", "Blues Motel"), mas por espalhar aos quatro cantos do país a notícia de que havia bom blues sendo feito no Brasil. Junte isso ao talento nas seis cordas, a voz rouca, a boa aparência e canções de qualidade e se tem um astro instantâneo. Foi o que aconteceu.

A década de 80 foi mesmo pródiga para o guitarrista - é dessa época outros hits como "Marginal" (ao lado de Cazuza), "Damas da Noite", "Tempos Difíceis", "Fumando na Escuridão", "Sempre Brilhará" e as trilhas de "Rock Estrela" e "Bete Balanço" -, tanto que ele está entre os artistas-símbolo do período. Mas jamais ficou restrito a ele. Tanto é que foi na década de 90 que ele gravou o excepcional "Vivo" no Circo Voador (RJ). Foi também quando passou a se apresentar regularmente na Europa, virou amigo de BB King - a quem homenageia no nome artístico e que empresta seu toque único a "Mississipi", faixa do álbum "Indiana Blues", de 95 - e recebeu o convite para integrar os Commitments. Isso sem falar na agenda lotada de shows pelo Brasil.

Vale um aparte para a participação de Celso no Festival de Montreaux, na Suíça, em 1995. Seu apartamento ficava em frente ao lendário The Duke's, bar onde todas as feras do evento fazem questão de dar canjas. Pois lá Celso foi o guitarrista de um supergrupo que continha nada menos que os metais da banda de James Brown, o tecladista do Neville Brothers e a cozinha da banda de Wilson Pickett - com o próprio ao microfone.

Nos anos 2000, Celso Blues Boy segue incansável na estrada, de aeroporto em aeroporto, pelos palcos afora. Nessas idas e vindas, foi parar novamente no Circo Voador, sem dúvida, seu lar fora de Joinville (SC), onde mora há 12 anos. Foi ali, naquele espaço lendário, que gravou no ano passado "Celso Blues Boy ao Vivo", seu primeiro DVD (também lançado em CD pela Penedo Produções). Diante de uma platéia entusiasmada, ele desfila suas músicas mais conhecidas com a classe, a garra e a emoção típicas de quem entrega aos fãs bem mais do que eles pedem.

Se o DVD/CD é a prova física do talento grandioso de Celso e da qualidade de sua obra, o show de lançamento do produto foi à amostra definitiva de seu carisma. No dia 1 de abril, ele lotou o Canecão, numa festa inesquecível.

É a demonstração de que, mesmo após três décadas de carreira, a história de Celso Blues Boy continua sendo traçada e contada. E, volta e meia, com superlativos coerentes com seu talento.
fonte: www.celsobluesboy.com.br

Celso Blues Boy (nascido Celso Ricardo Furtado de Carvalho, Rio de Janeiro, RJ, 5 de janeiro de 1956) é um cantor, compositor e guitarrista brasileiro.

Começou a tocar profissionalmente na década de 70, acompanhando Raul Seixas e Sá & Guarabyra.Montou a banda Legião Estrangeira em 1976, com a qual se apresentava em bares e casas de show. Passou a ser mais conhecido a partir de 1980, quando mandou uma fita para a Rádio Fluminense, no Rio, voltada para o repertório roqueiro. Gravou o primeiro disco em 1984, "Som na Guitarra", que incluía seu maior sucesso: "Aumenta que Isso Aí É Rock'n Roll". Um dos primeiros a cantar blues em português, escolheu o nome artístico em homenagem ao ídolo B.B. King, um dos pais do gênero, e no qual também já tocou junto na decada de 80. Atualmente mora em Joinville, Santa Catarina.

1984 - Som na Guitarra

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1986 - Marginal Blues

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1987 - Celso Blues Boy 3

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1988 - Blues Forever

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1989 - Quando a noite cai

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1991 - ao vivo - Celso Blues Boy

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1996 - Indiana Blues

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1998 - Nuvens Negras Choram

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1999 - Vagabundo errante

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NunO Mindelis - The Blues Man

2010-05-12T14:41:00.001-03:00

Pra quem gosta deste Gênero Pai do Rock,O BLUES - Nuno Mindelis e simplesmente fantástico, pra mim o melhor guitarrista de Blues Brasileiro( apesar de ter nascido em Angola)considerado como Eric Clapton Brasileiro. Em pode transitar por SRV,Waters e BBKing, une os dois estilos, expressão e feeling...e
Canta Bem ... coisa rara , poucos Bluesman cantan bem... Vale apena a dica, em 1999 vi um show de Nuno Mindelis e Double TRouble ( trio que acompanhava SRV), no Credicard Hall em Sampa.... Inesquecível....

Nuno Mindelis (Cabinda, 7 de Agosto de 1957) é um músico luso-brasileiro nascido em Angola. É um dos mais conceituados guitarristas de blues do Brasil.

Apaixonou-se pela música desde criança por volta dos cinco anos. Aos nove anos já tocava em instrumentos confeccionados por ele. Durante sua infância ouviu grandes nomes do Blues.

Em 1975, morando no Canadá, formou uma banda de blues, passando a tocar em jam e clubes locais.

Um ano depois decidiu unir-se à família, vindo também morar no Brasil.

Em 1990 lança seu primeiro disco, "Blues & Derivados", que é amplamente elogiado pela crítica.

Em 1992, lança seu segundo álbum, "Long Distance Blues", passando a tocar em festivais de blues.

Em 1994, veio o reconhecimento internacional pela revista "Guitar Player" americana.

Em 1998 a consagração definitiva: Nuno é eleito o melhor guitarrista de blues segundo o concurso mundial de aniversário de 30 anos da revista.

Discografia
Blues e Derivados (1989) em formato LP Vinil pelo selo Eldorado.
Long Distance Blues (1992) relançado em 1998 como Nuno Mindelis & The Cream Crackers.
Texas Bound (1996)
Blues on the Outside (1999); curiosidade: fotos do encarte clicadas na Praça da Sé, marco zero da Capital SP.
Twelve Hours (2003)
Outros Nunos (2005)

ROCKTED e LUDOV - Sexta em SAMPA - 07 de maio - INFERNO CLUB - AUGUSTA 501

2010-05-06T17:54:00.005-03:00

ROCKTED E LUDOV no Inferno Club em São Paulo
dia 07 de Maio meia noite.
DEPOIS, Dj: Coração em Fúria.
$15 (Lista)
$20 (Porta)
Rua Augusta, 501 SP - SAMPA!!!!!!!!!!!!! vAI LÁ !!!!

CD está Pronto... Sou amigo dos Caras... Sou Rockeiro Velho E GUITARRISTA, e curto o som deles; O rock nacional anda com esses `` RoquinhoS de MOça ´´por aí,ENCHE SACO, tudo mundo muito Igual, todos parecem a mesma BANDA, o Rock é EXpressão, e instrumento FURTiVO, Força, e tem que BAter e teM Surpreender, ROckTed surpreende... andei ouvindo os últimos ensaios para o SHOW em SAMPA no Estúdio VILA MUSICAL .. e realmente é ROCK na Véia, MAlandragem!!!! não para é para BONS MOÇos ou MOçoilas!!!

O instrumental é precioso e muito bem trabalhado e SEMPRE agressivo,RAphael se joga nos vocais, tem uma excelente dinâmica de intensidade na nota longa, que poucos fazem no RoCK Nacional; E ao vivo então, a BANDA é LATENTE e INTENSA, não dá descanso, pé em baixo o SHOW INteIro... Aumenta que isso é Rock and RoLL- PORRA!!!!!!!!!!!!!!!!!!

REVISTA OUTRA COISA, NÚMERO 19
Escrito por Marcos Bragatto.

NO CAMINHO CERTO

O som do Rockted (www.rockted.com.br), na foto, nunca foi de fácil digestão, mas a faixa instrumental que abre este segundo CD demo ("Caixinha de Música 45g") é realmente auspiciosa. Com referências que vão desde a surf music, passando por Police e chegando no ancestral Wishbone Ash, "Det Phos Frus" é uma pérola rara de se encontrar em termos de música pulverizada. Nas outras três, os cariocas tentam ser mais acessíveis, com um quê de Hermanos e Ludov aqui e um sotaque mais pop acolá. Aí, o destaque vai para a sensível "Me Vi", muito embora o instrumental continue sendo o forte da banda, sobretudo o trabalho de guitarras

Sobre nosso CD no site O Martelo:

ROCKTED
Caixinha de Música 45g (demo)
No início, esses talentosos cariocas foram comparados com os Hermanos, mas a cada novo trabalho o ex- Surf Shop Ted busca – com sucesso – o caminho próprio. E parece que alcançaram a estrada certa. O instrumental coeso, arranjos concisos e os solos de Daniel Samã são os destaques elegantes já na primeira faixa: a instrumental “Det Phos Frus”. Rafael Galhardo é um compositor sensível, que cresce a cada nova resenha, tocando guitarra e cantando com mais paixão. A cozinha Eric Brandão na bateria e André Siggia no baixo fortalece o time. As faixas gravadas também são pérolas de outros compositores, como o próprio André, mais Vinícius Dantas e Rubem Júnior (autor da belíssima “Me Vi”). Belos 12 minutos de fé.

ESCOLA LIVRE DE MÚSICA VILA MUSICAL - NOSSO CONCEITO,NOSSO OBJETIVO!!

2010-05-02T22:07:00.001-03:00

Desde Março estou engajado em um novo projeto, na verdade um sonho realizado, em parceria com Estúdio VILA MUSICAL, estamos a frente da ESCOLA LIVRE de Música VILA MUSICAL( Rus Sá Viana, 28 - GRAJAÚ- RJ - 2238 4467), portanto estou antecipando as informações que estarão em nosso site www.vilamusical.com.br e esclarecendo o nosso conceito de escola, estaremos oferecendo os seguintes cursos:
Canto ( Nai Dias ), Violão Popular ( Eric Chandoha e Victor Hora ), Guitarra ( Victor Hora ) , Percepção e Teoria Musical ( Flavia Cappelletti ), Teclado ( Ederson ZANella ), Contra-Baixo ( Davi Mota ), Flauta Transversa ( Ana Paula Cruz ), Cavaquinho ( Pedro Cantalice ), Bandolim ( Pedro Cantalice ), Bateria e Percussão Brasileira ( Pablo Brazil ).

CONCEITO ESCOLA:

A Música relaciona-se com outras áreas chave da educação e formação da humanidade, como por exemplo a Matemática. É um veículo de importantes permutas culturais e suporte essencial de tantas outras artes. Desta forma e pelo ensinamento que a história e a atualidade nos dá seria uma perda quase imperdoável, não proporcionarmos hoje, a toda a gente do nosso Bairro, independentemente da sua idade e experiência de vida, o ensino dessa linguagem tão sublime e universal.

Com essa proposta a Escola Livre de Música Vila Musical sintonizada nas atuais tendências pedagógicas e na relação orgânica ESCOLA x BAIRRO, proporciona como conceito de Escola de LIVRE 03 linhas de atuação:

1. Integração Sócio-Cultural
Tivemos a preocupação de selecionar uma equipe de profissionais experientes e bem formados e que principalmente fossem residentes do Bairro ou adjacências, com intuito de buscar uma relação mais próxima com aluno, já que esse professor está também inserido como morador, conhecendo nossa carência cultural, portanto criando uma responsabilidade relações de identidade, de auto-realização social, de auto-percepção do próximo, de sociabilidade, de capacitação cognitiva e cultural entre os moradores, enfim, de qualidade de vida.

2. Estilo e Abordagem Didática
Conceito `` LIVRE ´´ se resume à Escola que se ajusta ao aluno, isto é, aqui você aprende aquilo que você gosta de ouvir, tendo a execução, a apreciação, a composição e a teoria musical como fios condutores de sua prática; Priorizando elaborar experiências que estimulem a motivação do aluno-professor, usamos recursos na sala aula de HOME-STUDIO, o aluno terá acesso a internet para suas buscas e pesquisas, contando com equipamento áudio instalado na sala de aula que proporcione uma audição musical de qualidade, além disso, os exercícios práticos exigidos pelo professor poderão ser gravados na sala de aula em qualidade de MP3, com isso possibilitando o aluno levar para casa esse exercício melhorando assim sua pratica e audição.

3. INTERDISPLINARIDADE
Como educadores temos a obrigação de sermos multidisciplinar, é quase impossível falarmos de música sem falar de história, política, sociologia e outras ciências como a filosofia, mas quando se trata de Interdisplinaridade buscamos a construção do conhecimento através da interligação de várias outras ciências, saber de qual forma ela se concretiza, como ela se dá, suas limitações e qual será o resultado de seu auxílio na prática pedagógica, nos dará a visão de como poderemos aplicá-la na realidade musical, Durante as aulas de instrumento fala-se sobre percepção dos sons, intervalos dos sons, apreciação musical, análise das partituras, conhecimento de história da música, interpretação, origens da música, suas influências. Quando apenas falamos teoricamente estamos fazendo menção à sua multidisciplinaridade, pluralidade. Mas quando colocamos todas essas multifacetas em prática isso é interdisciplinaridade.
Como exemplo: Na aula de heavy metal primeiramente aprende-se a tocar o blues e só depois é que o professor irá inserir-lo no heavy metal. A prática dos solos permite a realização da interdisciplinaridade; É preciso ter uma dinâmica inter-relação entre as disciplinas para a construção de um novo MODELO de escola de Música, além disso formar grupos musicais e promover apresentações artísticas, visando estimular a criatividade e a auto-estima, possibilitando auxiliar o desenvolvimento motor e cognitivo dos alunos, por meio da gama de habilidades práticas e sensoriais inerentes a toda atividade musical.

A nossa missão é fornecer informação adequada, da forma correcta, sob condições ideais. Olhamos para o aluno/formando sobre duas ópticas: Como Aprendiz e como Cliente. Ao contratar os nossos serviços o Cliente espera um resultado: É a nossa função desenvolver todas as formas e meios para que o Cliente fique satisfeito e que obtenha os resultados que pretende.Defendemos a música para todos, como herança da nossa própria Humanidade.

Infelizmente uma enorme parte da população quando pensa em aprender a tocar um instrumento, deduz erradamente que não possui capacidades para o conseguir. Segundo estudos é de facto uma dedução errada pois cerca de 70% da população tem uma apetência musical média o que é mais que suficiente para aprender com bastante facilidade a tocar um instrumento e interpretar os temas que gosta. Dos 30% que sobram, cerca de 15% são muito dotados para a música e apenas 15% são pessoas com mais dificuldade, i.e. 85% da população tem as capacidades para tocar um instrumento. Outra dedução a que as pessoas chegam é que a formação musical é cara. Existe muita razão nessa dedução visto que mais de 90% da população não pode pagar as mensalidades usualmente cobradas em prestadores de serviços de formação na área musical.

Somos diferentes, somos livres e não há limites. Na EMVM você pode e consegue!

Eric Chandoha

Coordenador Geral Escola Livre de Música Vila Musical

40 anos sem The BEATLES

2010-04-12T18:51:00.001-03:00

Bar do Osmar

2010-02-26T11:39:00.000-03:00

Bar do Osmar

Você me escolheu para eu conviver com a sua presença...
Mais agora você me repele, e pede que eu saia, do seu carro, vermelho na chuva.

De sarro eu viro as costas e saio da sua inexperiência...
Atravesando a rua eu encontro José, de pé, insano dizendo que viu Raul e Cartola bebendo com Henfil.

Viver com o pé no passado, não passa de uma crise de ausência...
Por isso resolvi-lhe telefonar, e dizer que me abandonaste na rua,
na chuva, na esquina, em frente ao Bar do Osmar.

Foi lá que eu conheci, o tempêro da Dadá,
foi lá que eu resolvi, a malandragem acompanhar,
foi lá que eu aprendi, esses acordes para te encantar!

Perdoa meu bem minha noite no Bar do Osmar!

(Eric Chandoha)

83 anos de Antônio Brasileiro....Parabéns pelo aniversário para o Tijucano Tom Jobim!

2010-01-25T23:37:00.003-02:00

Antonio nasceu na Rua Conde de Bonfim na Tijuca.
1927 a 1935
Chovia muito quando Tom Jobim nasceu. Ainda não eram as águas de março que fecham o verão, mas as de janeiro que o repartem ao meio. Janeiro, 25, 1927, onze e quinze da noite de uma terça-feira. Muita água caindo do céu, nenhuma saindo das bicas da rua Conde de Bonfim, no bairro carioca da Tijuca. O conserto de um cano viera perturbar o nascimento do primeiro filho de Jorge Jobim e Nilza Brasileiro de Almeida, na casa de nº 634. Com a ajuda do irmão de Nilza, Marcelo, a quem coube a tarefa de providenciar água para o parto, e de sua irmã Yolanda, que se desdobrou na cozinha para que não faltasse café para o dr. Graça Mello, que o bebia em doses quase industriais, Antonio Carlos Brasileiro de Almeida Jobim finalmente veio ao mundo com quase 60cm de comprimento e pesando quatro quilos.Aquariano com ascendente em Libra, dois signos ligados ao ar como os seres alados que tanto admirava, no horóscopo chinês, Tom era gato, o que talvez explique sua implicância com deslocamentos e mudanças. E, no entanto, trocar de endereço foi uma das coisas que ele mais fez na vida.A primeira mudança foi em 1931, quando os Jobim trocaram a Tijuca por um bairro da zona sul da cidade, que então não passava de um enorme areal distante de tudo e pouco habitado: Ipanema. A casa ficava na rua Barão da Torre, perto do Bar Vinte. Nela, Tom morou pouco tempo, mudando-se para a rua Constante Ramos, 68, em Copacabana, onde ficou até 1935, quando Jorge Jobim morreu e d. Nilza foi morar na arborizada pensão de d. Adelaide e d. Josefina, na mesma rua. O pouso seguinte—a última casa de uma vila—ficava na travessa Trianon, transversal à rua Siqueira Campos, no mesmo bairro.Criado pela mãe, o avô e os tios maternos, Tom tinha apenas um ano quando seus pais separaram-se pela primeira vez. Após uma curta reaproximação, durante a qual Tom ganhou uma irmã, Helena Isaura, nascida em 1931, o casamento de Nilza e Jorge se desfez para sempre. Dois anos após a morte de Jorge, d. Nilza casou-se com Celso Frota Pessoa, que acabaria transformando-se no verdadeiro pai de Tom e Helena.E foram todos morar novamente em Ipanema, numa casa de pedra da rua Sadock de Sá (nº 276), com fundos para um terreno baldio frontal à Lagoa Rodrigo de Freitas. No andar de cima, os tios (Yolanda e João Lira Madeira) e dois primos; no térreo, Tom, Helena, os pais, os avós maternos e tio Marcelo. Foi naquele ambiente, musical dentro de casa e ecologicamente exuberante do lado de fora, que Tom, assim apelidado pela irmã, desenvolveria seu pendor para a música e sua paixão pela natureza.

1936 a 1945
Embora tenha manifestado seu gosto pela música precocemente (só dormia embalado pela voz da mãe ou da avó Emília e gostava de escolher o repertório), sua relação mais intensa, a princípio, foi com a praia, as praças e as grimpas de Ipanema, onde nadava, pescava, soltava pipa, andava de bicicleta, subia em árvores, escalava morros e telhados — e quando se cansava tirava uma sesta nos bancos da praça N.S. da Paz. Era capaz de atravessar a Lagoa a nado e volta e meia arriscava um audacioso mergulho das pedras do Arpoador.
1986
A despeito de toda essa esportividade, fazia o gênero contemplativo. Sobretudo na escola. Passou por tantos colégios quanto mudou de casa. Estudou no Mallet Soares, em Copacabana, depois no Mello e Souza, no Paula Freitas, no Rio de Janeiro, dividindo o que então chamavam de curso científico entre o Juruena e o Andrews. Um dia, quando tinha 14 anos, deparou-se, ao voltar da praia, com um piano na garagem de casa. Esse piano mudaria sua vida.
Era um Bechstein alugado para que Helena aprendesse a tocar e o professor Hans Joachim Koellreutter desse aulas no Colégio Brasileiro de Almeida, fundado por d. Nilza. Por achar que piano era “coisa de mocinha”, Tom aproximou-se do teclado com uma certa cautela, combinando notas de brincadeira. Quando se deu conta, já estava fisgado. E tomando aulas com o professor, às vezes durante dez horas seguidas. Com ele aprendeu as coisas básicas, praticou escalas e adquiriu as primeiras noções de composição e harmonia.
Em seguida, passou pelas mãos de Lúcia Branco, que o exercitaria nos clássicos de Bach, Beethoven, Chopin, Ravel, Debussy, Villa-Lobos, e o convenceria a desistir de ser concertista e o estimularia a compor. Com o professor, regente e compositor negro Paulo Silva, “muito sistemático e rigoroso”, segundo Tom, aprofundaria seus conhecimentos de harmonia. Além de piano, aprendeu flauta, harmônica de boca e violão, chegando a formar um conjunto de gaitistas cuja ribalta era a Praça General Osório, em Ipanema. Um dos integrantes do conjunto, Newton Mendonça, seria o primeiro grande parceiro de Tom.

No dia 15 de outubro de 1949, Antônio Carlos Jobim casou-se com Thereza Otero Hermanny (1985), com quem teve dois filhos, Paulo (n. 1950) e Elizabeth (1957).
1946 a 1953
Música, dizia-se, não dava camisa a ninguém e Tom, louco para se casar com Thereza Otero Hermanny, partiu em busca de uma profissão mais segura. Bom de desenho, fez vestibular para arquitetura. Com ajuda do padrasto, que reformou um quarto de empregada para que Tom e Thereza pudessem morar com a família na casa de dois andares da rua Redentor, 307, os dois se casaram, em 15 de outubro de 1949, e foram passar a lua-de-mel em Petrópolis.

Tom não conseguiu ir além do primeiro ano de arquitetura. Teso, resolveu ganhar dinheiro com aquilo em que já era quase doutor. Por intermédio do maestro Alceu Bocchino, diretor da Rádio Clube do Brasil e amigo de tio Marcelo, arrumou emprego como pianista daquela emissora, que logo acumulou com outro, de seis às dez da noite, no Bar Michel. Mas não por muito tempo. Antes que o estresse o destruísse, optou, temporariamente, pela noite.

Passou pelas principais casas noturnas do Rio, alternando ao piano um eclético repertório de ritmos: sambas, boleros, foxes, rumbas, canções francesas, tangos. Até se dar conta de que não iria muito longe embalando noctívagos, bêbados, boêmios e grã-finos. Para ser um músico de verdade, precisaria aprofundar seus conhecimentos de harmonia e orquestração.
Uma vez mais, Celso estendeu-lhe a mão, oferecendo-se para arcar com o aluguel e as contas do mês, enquanto o ex-futuro arquiteto aperfeiçoava seus estudos lendo os “Princípios de Orquestração”, do compositor russo Rimsky-Korsakov, e decorando os arranjos de Glenn Miller nos 78 rotações de sua coleção. Mais tarde, Tom tomaria aulas de orquestração com Leo Peracchi e Tomás de Terán.

Por intermédio do músico Alcides Fernandes, marido da faxineira dos Jobim e morador da favela do Pavãozinho, Tom foi trabalhar na Editora Euterpe, escrevendo arranjos para pequenos conjuntos. Não demorou muito e Sávio Carvalho da Silveira levou-o para a gravadora Continental, onde se ocuparia de colocar em pentagramas as músicas de autores que compunham apenas de ouvido e fazer arranjos e orquestrações para Dalva de Oliveira, Orlando Silva, Elizete Cardoso e Dick Farney. O arranjador oficial da gravadora era Radamés Gnatalli, grande pianista, regente e compositor, que adotou Tom como seu mais ilustre afilhado musical.

Com o que passou a ganhar na gravadora voltou para Copacabana, pagando do próprio bolso o aluguel de um conjugado no edifício Einstein, na rua Francisco Otaviano, no Posto 6. Àquela altura, o casal já tinha um filho, Paulo, nascido em 4 de agosto de 1950. Em abril de 1953, Tom estreava em disco como compositor, com o samba-canção “Incerteza”, feito em parceria com Newton Mendonça e gravado por Mauricy Moura, cantor santista, discípulo de Silvio Caldas. Dois meses depois, emplacaria mais duas composições num 78 rotações de Ernani Filho: “Pensando em Você” e “Faz uma Semana”, esta em parceria com outro amigo de bairro, João Batista Stockler. Dali em diante, sua carreira só subiria de tom.

Tom ainda teria de esperar mais um ano e três gravações para saborear seu primeiro sucesso:“Tereza da Praia”, samba-canção composto de parceria com Billy Blanco na medida para desfazer os boatos de que Lúcio Alves e Dick Farney se detestavam mutuamente. Ao contrário do que muitos acreditavam, não se tratava de uma homenagem à Thereza Jobim, embora as duas Terezas tivessem “uma pinta do lado”.
1954 foi um ano venturoso para Tom. Só o fato de a Continental passar a produzir LPs de dez polegadas abriu-lhe novas perspectivas, tornando possível registrar em disco os onze movimentos de uma sinfonia, burilada a quatro mãos com Billy Blanco. Era uma exaltação ao Rio, falando do mar, das montanhas, do sol e do cotidiano da cidade, com arranjos de Gnatalli e canções interpretadas pela fina flor do rádio e do disco, como Farney, Lúcio, Elizete Cardoso, Dóris Monteiro, Os Cariocas, Jorge Goulart, Nora Ney e Emilinha Borba. “Sinfonia do Rio de Janeiro” não entrou nas paradas de sucesso mas consolidou a reputação de Tom como o mais promissor talento de sua geração.

No dia em que seu pupilo completou 28 anos, Gnatalli o presenteou com um convite tentador: participar do prestigioso programa da Rádio Nacional, “Quando os Maestros se Encontram”. Tom apresentou-se regendo uma peça sinfônica de sua autoria, “Lenda”, dedicada à memória do pai e que nunca seria gravada. Em maio, a primeira parceria com Dolores Duran, “Se É Por Falta de Adeus”, entrou para o repertório de Dóris Monteiro. Apesar de assoberbado por encomendas (fez arranjos para Dora Lopes, Juanita Cavalcante, Edu da Gaita, Elizete Cardoso, Orlando Silva, Dalva de Oliveira e participou como pianista de um LP de Luiz Bonfá), ainda encontrou tempo para nova mudança de endereço (agora para o apartamento 201 do mítico prédio da rua Nascimento Silva, 107, em Ipanema). No fim do ano, a recompensa: na lista dos melhores arranjadores da temporada, escolhidos pelo crítico Ary Vasconcellos, Tom dividiu a segunda colocação com Pixinguinha e Renato de Oliveira.

De tanto insistir, Harold Morris, o inglês que dirigia a Odeon, acabou convencendo Tom a aceitar o cargo de diretor artístico da gravadora, a maior do país naquela época. Não demorou a confirmar a desconfiança de que as novas funções prejudicariam suas atividades musicais. Morris implorou para que ele ficasse, Tom, contudo, preferiu no momento certo passar o bastão a um brasileiro recém-chegado dos EUA, Aloysio de Oliveira. Tamanho foi seu alívio ao deixar a Odeon que, ao ser apresentado ao substituto, não conteve o desabafo: “Ainda bem que você chegou”. Mais tarde, em casa, extravasou seu desafogo num poema.

Tom já estaria no lucro se só tivesse feito amizade com Aloysio de Oliveira naquele ano, mas a generosidade dos deuses lhe reservara outra preciosa aproximação para 1956. Ele e Vinícius de Moraes já se conheciam de vista há algum tempo, pois ambos freqüentavam o Clube da Chave, onde Tom vez por outra apresentava-se ao piano. Vinícius também já o vira tocar na boate Tudo Azul. O encontro definitivo, no bar Villariño, no centro do Rio, foi um presente de Lúcio Rangel, velho amigo do poeta. Vinícius procurava alguém para compor a música de uma ópera negra carioca, intitulada “Orfeu da Conceição”, transposição do mito de Orfeu para uma favela, e foi pedir sugestões a Rangel, pois o parceiro em vista, Vadico, desistira da empreitada por não se julgar “à altura” do projeto. Tom topou na hora criar as músicas da tragédia, não sem antes cometer uma pequena gafe. Nascia ali uma das amizades mais instantâneas, fraternais, prolíficas e duradouras da história da música popular brasileira.
No apartamento da Nascimento Silva, mais tarde celebrizado por Toquinho e Vinícius no samba “Carta a Tom 74”, Tom e Vinícius iniciaram logo a faina de “Orfeu da Conceição”. Os dois ou três primeiros sambas foram descartados; eram ruins. Tão logo se entrosaram, saiu uma obra-prima, “Se Todos Fossem Iguais a Você”. E, em seguida, “Mulher Sempre Mulher”, “Um Nome de Mulher”, “Eu e Meu Amor” e “Lamento do Morro”. Após três meses de ensaios, a peça, com Haroldo Costa no papel de Orfeu, estreou no Teatro Municipal do Rio em 25 de setembro de 1956, com lotação esgotada, permanecendo em cartaz até o dia 30. Raras vezes uma encenação brasileira contara com uma equipe tão eclética e talentosa. A imprensa reagiu com entusiasmo. Em 1º de outubro, por iniciativa de Aloysio de Oliveira, a Odeon lançou um LP de dez polegadas com a trilha musical do espetáculo, com Roberto Paiva emprestando sua voz a Orfeu. Em novembro, “Orfeu da Conceição” voltaria à cena no teatro República, durante um mês, a preços populares.

1957
No ano seguinte, numa produção do francês Sacha Gordine, dirigida por Marcel Camus, a partir de um roteiro assinado por Jacques Viot e repudiado por Vinícius, a peça começaria ser filmada no Rio, com o título de “Orphée Noir” (Orfeu Negro) e novo elenco. Com temas adicionais de Bonfá e Antonio Maria, arrebataria o júri do Festival de Cannes de 1959, que lhe daria a Palma de Ouro, e os membros da Academia de Hollywood, que o elegeram o “melhor filme estrangeiro” daquele ano. Vinícius detestou não apenas o filme, mas sobretudo a maneira como os franceses se apossaram das músicas da peça.
Antes de decepcionar-se com “Orfeu Negro”, Tom foi convidado pelo selo Festa para musicar a versão em disco de “O Pequeno Príncipe”, de Antoine du Saint-Exupéry, estrelado por Paulo Autran, estreou na televisão, dividindo a batuta do programa semanal “Noite de Gala”, da TV Rio, com o maestro Osvaldo Borba, ganhou o prêmio de melhor compositor, da Prefeitura do então Distrito Federal, e viu nascer sua filha Elizabeth, no dia 26 de agosto.
Corria ainda o ano de 1957 quando reencontrou um conhecido baiano que há muito não via, pois ele trocara o Rio por Porto Alegre, retornando a Salvador. Agora estava de volta ao Rio. O baiano era João Gilberto. Chegou mostrando duas composições inéditas: “Bim-Bom” e “Oba-lá-lá”. Tom nem prestou atenção nas letras. Impressionado com a batida diferente do violão do João, quis saber onde ele aprendera a tocar daquele jeito. “Tirei dos requebros das lavadeiras de Juazeiro”, respondeu o baiano. Era por aquela batida que a Bossa Nova estava esperando para poder nascer.

1958 a 1961
O mesmo Villariño onde se formara a dupla Tom & Vinícius abrigaria, em 1958, outro encontro histórico, envolvendo a dupla e Elizeth Cardoso. Daquela vez o padrinho foi Irineu Garcia, idealizador do selo Festa. Num complicado arranjo, que envolveu os irmãos Vitale, donos de uma das maiores editoras de música do país, e a gravadora Copacabana, que tinha Elizete Cardoso sob contrato, Garcia conseguiu que a cantora, a princípio arredia à idéia, aceitasse gravar um LP só com temas de Tom & Vinícius e uma roupagem orquestral altamente sofisticada. Tom escalou um escrete de instrumentistas, usou trompa, oboé, até clarone, e fez questão de incluir João Gilberto e sua batida nas faixas “Chega de Saudade” e “Outra Vez”. Gravado no estúdio da Columbia, “Canção do Amor Demais” foi lançado na primeira semana de julho e teria uma de suas faixas (“Eu Não Existo Sem Você”) aproveitada numa cena de festa do filme “Pista de Grama”.
Meses depois, mais duas cantoras gravam LPs só com músicas de Tom: Lenita Bruno (“Por Toda Minha Vida”, espécie de versão erudita de “Canção do Amor Demais”, com arranjos de Leo Peracchi) e Silvinha Telles (“Amor de Gente Moça”, com arranjos de Tom e Lindolfo Gaya). Nenhuma delas, porém, causou o mesmo impacto do disco “Chega de Saudade”, com João Gilberto, que Tom convencera Aloysio a gravar na Odeon. Distribuído às lojas em março, marcou o lançamento oficial da Bossa Nova, até porque dele fazia parte o samba-manifesto “Desafinado”. Meses depois, num programa de televisão, o exigente Ary Barroso, que no início torcia o nariz para a Bossa Nova, não se conteve e sentenciou: “Tom Jobim é, disparado, o melhor de todos os novos compositores brasileiros”.
O mais ocupado, sem dúvida, ele era. Ao longo de 1959, Tom começa a pensar numa nova sinfonia, participa de outro filme, “Pluft, o Fantasminha”, adaptado da peça infantil de Maria Clara Machado, para o qual compôs a trilha musical, e durante meses faria as honras de um programa semanal de entrevistas, “O Bom Tom”, na TV Paulista, que, dirigido por Carlos Thiré, alcançaria o segundo lugar em audiência na capital paulista.
A nova sinfonia entrara em sua vida em 1958. Como a primeira, dedicada ao Rio de Janeiro, também foi encomendada—no caso, pelo pianista Bené Nunes, a pedido do presidente Juscelino Kubitschek, que sonhava com um poema sinfônico em homenagem a Brasília, a nova capital do país, inaugurada em 21 de abril de 1961. Acompanhado de Vinícius, que se incumbiria de escrever o recitativo da sinfonia, Tom viajou até o Planalto Central para sentir de perto o clima da região onde a Novacap estava sendo erguida. De lá voltou com os cinco movimentos de “Brasília, Sinfonia da Alvorada” na cabeça. Planejada para um espetáculo de luz e som, acabou tendo sua festiva execução pública cancelada, por falta de verba. Só em disco pôde ser ouvida durante algum tempo. Apenas duas vezes ela seria apresentada diante de uma platéia: em 1966, pela TV Excelsior de São Paulo, e em 1986, na Praça dos Três Poderes, regida por Alceu Bocchino, com Radamés Gnatalli ao piano e Tom e Susana de Moraes lendo o recitativo de Vinícius.
Enquanto a capital se mudava para Brasília, João Gilberto lançou seu segundo LP, “O Amor, o Sorriso e a Flor”, com seis composições de Tom, três das quais em parceria com Newton Mendonça: “Meditação”, “Discussão” e o paradigmático “Samba de uma Nota Só”, que se transformaria numa espécie de hino da Bossa Nova. Após o terceiro LP, simplesmente intitulado “João Gilberto”, com três músicas de Tom, entre as quais a inédita “Insensatez”, o cinema volta a seduzir o compositor, que compõe a trilha musical de “Porto das Caixas”, de Paulo César Saraceni, e participa como ator, ao lado de João Gilberto, do filme italiano rodado no Rio, “Copacabana Palace”, com Mylène Demongeot, para o qual também fez a trilha musical.

1962
o palco Tom só retornaria em meados de 1962, quando o empresário Flávio Ramos convidou Aloysio de Oliveira para montar um pocket show na boate Au Bon Gourmet, que acabara de comprar em Copacabana. No memorável show, intitulado “Encontro” e estrelado por Tom, Vinícius (que pela primeira vez cantou em público), João Gilberto e o conjunto vocal Os Cariocas, foram lançados cinco dos maiores clássicos da Bossa Nova: “Só Danço Samba”, de Tom e Vinícius; “Samba do Avião”, de Tom; “Samba da Benção” e “O Astronauta”, de Baden e Vinícius; e, por fim, o maior sucesso da dupla Tom-Vinícius, “Garota de Ipanema”, que só sairia em disco no ano seguinte, conquistando de roldão duas dezenas de intérpretes, entre os quais o cantor Pery Ribeiro, o Tamba Trio, a cantora Claudette Soares e diversos grupos instrumentais, daqui e do exterior.
No mesmo mês em que estreou o show do Au Bon Gourmet, o saxofonista Stan Getz e o guitarrista Charlie Byrd gravaram o LP “Jazz Samba”, que permaneceria diversas semanas no Hit Parade. Numa das faixas, uma versão instrumental de “Desafinado”, que só naquele ano ganharia nos EUA uma dezena de intérpretes, vários deles jazzísticos, como Lalo Schifrin, Quincy Jones, Coleman Hawkins e Dizzy Gillespie. Não dava mais para evitar o inevitável: dali em diante, a Bossa Nova faria da América a sua segunda pátria. E o melhor que os bossanovistas tinham a fazer era mostrar ao vivo para os gringos como era mesmo que se tocava aquele sambinha feito de uma nota só.
A apresentação oficial da Bossa Nova aos americanos teve como palco o Carnegie Hall de Nova York, num concerto promovido em 21 de novembro de 1962 pelo consulado brasileiro e Sidney Frey, dono da gravadora Audio Fidelity. A representação do Instituto Brasileiro do Café em Nova York assumiu as despesas de hospedagem dos artistas e a Varig dividiu com o Itamarati o custeio das passagens aéreas. Tom não queria ir e só aterrissou em Nova York no dia do show, cuja repercussão, em Nova York e no Brasil, ficou muito aquém das expectativas mais otimistas. O próprio Tom achou o espetáculo um primor de desorganização. Aloysio de Oliveira pensara num show pequeno, bonito e bem montado, apenas com Tom, João Gilberto, Luiz Bonfá, Agostinho dos Santos, Sérgio Mendes e Oscar Castro Neves. Mas Frey fez corpo mole e aceitou convidados e bicões em demasia.
Tom não foi o único a permanecer em Nova York depois do concerto. João Gilberto e Sérgio Ricardo também ficaram. Tom mandou buscar Thereza e com ela hospedou-se no hotel Diplomat até julho, quando voltaram para o Brasil de navio cargueiro. Doze dias após o show do Carnegie Hall Tom apresentou-se no templo jazzístico nova-iorquino The Village Gate e, 48 horas mais tarde, no Listener’s Auditorium, em Washington, diante de duas mil pessoas, entre as quais o crítico de música do jornal “Washington Post”, que o cobriu de elogios. Apareceu em seguida num programa de TV com o saxofonista Gerry Mulligan.
Os convites eram muitos, mas dinheiro, que é bom, nada. Para defender melhor seus direitos, Tom criou, por insistência de Thereza, a editora Corcovado Music. E foi à luta. Para a Verve gravou seu primeiro disco americano, o instrumental “Antonio Carlos Jobim—The Composer of Desafinado Plays”, acompanhado de grande orquestra, e solou ao piano nos LPs “Jazz Samba Encore!” (com Stan Getz, Luiz Bonfá e Maria Helena Toledo) e “Getz/Gilberto” (com Getz, Joâo Gilberto e Astrud Gilberto). Por intermédio de Aloysio de Oliveira, aproximou-se de Ray Gilbert, que, sabedor das restrições que Tom fazia às versões para o inglês que Norman Gimble, Gene Lees e a dupla Jon Hendricks/Jeff Cavanaugh haviam feito de algumas de suas músicas, ofereceu seus serviços como letrista — e editor. Nem as letras em inglês das músicas de Tom melhoraram de qualidade, escritas por Gilbert, nem ele ficou rico.

1963 a 1966
Quando o casal Jobim chegou de volta ao Rio, em meados de 1963, Aloysio já havia criado a Elenco, que Tom procurou ajudar de tudo quanto foi jeito. Depois de participar do LP “Bossa Nova York”, com Sérgio Mendes, Art Farmer, Phil Woods e Hubert Laws, gravado pela Elenco em Manhattan, aceitou de bom grado uma sugestão de Aloysio: um encontro com Dorival Caymmi e os filhos do compositor baiano, Danilo, Nana e Dori. “Caymmi Visita Tom” marcaria a estréia de Tom como cantor, em disco. Quando 1964 chegou ao fim, Tom recebeu três prêmios Grammy: pela autoria de “Desafinado” e “Garota de Ipanema” e pelos arranjos de “Brazil’s Brilliant João Gilberto”.
Uma longa temporada na Costa Oeste dos EUA o esperava em 1965. Até shows em Lake Tahoe ele fez. Por três vezes deu o ar de sua graça no programa de TV do cantor Andy Williams, uma delas na companhia de Caymmi, cuja valsa “Das Rosas” Williams alçara recentemente às paradas de sucesso. Aproveitou a temporada para realizar um sonho de todo músico de sua geração, gravar um disco com Nelson Riddle, o arranjador favorito de Frank Sinatra. Apesar das qualidades de “The Wonderful World of Antonio Carlos Jobim”—no qual “Surfboard” e “Bonita” (dedicada à atriz Candice Bergen) foram lançadas—, Tom continuou preferindo (ou sentindo muito mais afinidade com) Claus Ogerman, à cuja sombra faria outro disco, desta vez para a Warner, “A Certain Mr. Jobim”, que demoraria dez anos para ser lançado no Brasil.

1967
Meses depois, enquanto tomava chope com amigos no mesmo bar celebrizado por “Garota de Ipanema”, Tom recebeu o mais surpreendente telefonema de sua vida. Do outro lado da linha, ninguém menos que Frank Sinatra. “The Voice” queria gravar um disco só com músicas de Tom, que topou na hora. Foi uma conversa curta. Quando se recuperou da surpresa, Tom lembrou-se da esnobada que um editor nova-iorquino lhe dera três anos antes, envolvendo indiretamente a figura de Sinatra.
Em janeiro de 1967 hospedou-se no Sunset Marquis de Los Angeles para dar início ao trabalho, afinal adiado porque Sinatra refugiara-se em Barbados para esquecer mais uma desavença conjugal com Mia Farrow. Enquanto esperava, repassou todos os arranjos com Ogerman, compôs mais duas músicas (“Wave” e “Triste”) e quase morreu de tédio.
As gravações de “Albert Francis Sinatra & Antonio Carlos Jobim” começaram às 20h do dia 30, no Studio One da Warner Western Sound, em Sunset Strip. Por precaução, Sinatra gravou primeiro duas das três canções americanas incluídas no repertório, “Baubles, Bangles and Beads” e “I Concentrate on You”, com as quais só não tinha intimidade em ritmo de Bossa Nova. A primeira de Tom que ele encarou foi “Dindi”, seguida de “Change Partners”. A última faixa da noite foi “Inútil Paisagem”. Apesar do natural nervosismo do brasileiro, a sessão transcorreu num clima de extrema afabilidade. Nas duas noites seguintes não seria diferente.
A crítica americana elegeu o encontro de Sinatra e Jobim o álbum do ano. Nas vendas perdeu apenas para “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band”, dos Beatles. Um segundo disco com os dois seria gravado dois anos depois, com o título de “Sinatra & Company”, com arranjos de Eumir Deodato. Àquela altura, Tom e o cantor já haviam se tornado amigos. Quando dos preparativos de um especial sobre Sinatra, A Man and His Music, co-estrelado por Ella Fitzgerald, para a rede de televisão NBC, em setembro de 1967, Francis Albert não se esqueceu de convidar Antonio Carlos. Sinatra, aliás, abriu o programa cantando “Corcovado”.
Quando o especial com Sinatra foi ao ar, em novembro, Tom já havia computado outro feito histórico: sua primeira parceria com Chico Buarque, “Retrato em Branco e Preto”, que lá fora, em versão instrumental, já era conhecida com o título de “Zingaro”. Outra façanha teria acrescentado ao seu currículo naquele ano se tivesse cedido aos insistentes apelos do cineasta Glauber Rocha para protagonizar o filme “Terra em Transe”.
Por uns tempos Chico Buarque seria o novo Vinícius de Tom. Juntos apareceram num show (“Discomunal”), ao lado de Deodato, Baden Powell e outros, inaugurando uma temporada cujo ponto alto seria a inesperada vitória de “Sabiá” no III Festival Internacional da Canção. Tom e Chico nem pretendiam participar do festival. Inscrever “Sabiá” foi a saída que Tom encontrou para livrar-se de um fardo, para ele, ainda mais pesado: ser membro do júri que apontaria as canções vencedoras. O triunfo da nova parceria de Tom e Chico teve o efeito de uma bomba e as feridas que abriu não cicatrizaram de um dia pro outro.

1968 a 1971

No festival seguinte, outra bomba. Irritados com os desmandos da censura, Vinícius, Chico, Edu Lobo, Caetano Veloso, Gilberto Gil, Marcos Valle, Sérgio Ricardo, Paulinho da Viola, Rui Guerra, José Carlos Capinam, Baden Powell, Milton Nascimento, Egberto Gismonti e outros decidiram boicotar o evento. Tom adere ao boicote e entra para a lista negra da ditadura militar, que desde 1964 se perpetuava no poder e em 1970 mandou prendê-lo “para prestar depoimentos”. A situação política do país se agravava e Tom encontrou sua válvula de escape na tela, compondo trilhas musicais para filmes brasileiros (“A Casa Assassinada”, pela qual seria premiado no Festival de Cinema Brasileiro de Brasília em 1971) e estrangeiros (“Os Aventureiros”, cujos temas escreveu numa luxuosa casa de três andares em Londres, alugada pela Paramount).
Uma das faixas da trilha de “Os Aventureiros”, uma valsa intitulada “Children’s Game”, seria incorporada ao LP “Stone Flower”, com letra em português e outro nome, “Chovendo na Roseira” (“Double Rainbow” para os americanos). De certo modo, estava oficialmente inaugurada a fase ecológica de Tom Jobim, que duraria mais do que os quatro anos (1972-1976) em que lançou “Águas de Março” e dois LPs com nomes de pássaros, “Matita Perê” e “Urubu”, recheados de canções inspiradas ou voltadas para a natureza, como “Sabiá”, “Tempo do Mar”, “Rancho nas Nuvens”, “Nuvens Douradas”, “Boto” e “Correnteza”.

1972 a 1974
Escrita no retiro de Poço Fundo e lançada de forma singular — num compacto encartado na primeira edição do “Disco de Bolso do Pasquim”— “Águas de Março” se transformaria num dos mais instantâneos e retumbantes sucessos do compositor. Na gravação original, feita na Semana Santa de 1972, seu autor apenas cantou, acompanhado de quatro flautistas (Bebeto, seu filho, Paulinho Jobim, Franklin e Paulo Guimarães), João Palma na percussão, Novelli no contrabaixo e Eduardo Ataíde no violão. Só naquele ano, a nova obra-prima de Tom ganharia quase dez intérpretes, no Brasil e na América, nenhuma tão elogiada quanto a de Elis Regina em dueto com o autor, no LP “Elis & Tom”. Chico Buarque chegou a dizer que às vezes achava “Águas de Março” o samba mais bonito do mundo. Ao ouvir sua versão em inglês, feita pelo próprio Tom, o crítico Leonard Feather não se conteve: “É uma das dez músicas mais bonitas do século”.

1978 a 1982

No mesmo ano em que gravou o fundamental “Urubu”, com músicos da Sinfônica de Nova York e arranjos de Claus Ogerman, Tom conheceu Ana Beatriz Lontra, fotógrafa de 19 anos. Empolgou-se como um adolescente, cobriu-a de versos galantes, mas só começaram a namorar depois que Tom afinal separou-se de Thereza, em 1977. Em pouco tempo, Ana se ligaria ao namorado também profissionalmente, integrando um coral familiar por ele montado para um show no Canecão, que Aloysio de Oliveira produziu com mais três estrelas: Vinícius de Moraes (fazendo sua rentrée nos palcos cariocas após 15 anos de ausência), Toquinho e Miúcha (que acabara de gravar o LP “Miúcha & Antonio Carlos Jobim”). Ao lado de Ana, a filha de Tom, Beth, e três irmãs de Chico, Pii, Cristina e Bahia.
Tamanha foi a acolhida do público que o espetáculo, programado para ficar quatro semanas em cartaz, só saiu do Canecão oito meses depois, rumando para São Paulo, onde lotou o Anhembi durante um mês, e para o Uruguai, onde por várias noites agitou um cassino de Mar del Plata. Sua carreira, contudo, se estenderia até Paris (dez apresentações no Olympia) e várias cidades da Itália e Suiça. Mas antes de abafar na Europa com o show de Aloysio, Tom e Ana passaram três meses de lua-de-mel no hotel Adams de Nova York, onde Tom encontrou tempo para acrescentar mais duas pérolas ao seu patrimônio musical, “Você Vai Ver” e “Falando de Amor”. Também foi naquele hotel que ele escreveu a letra em inglês de “Águas de Março”.
De volta ao Brasil, Tom e Ana se acomodam, temporariamente, num hotel de Ipanema. Uma excursão à Europa, com o show do Canecão, interrompe, em dezembro, as gravações do Lp “Miúcha & Tom Jobim”, levando a turma ao Olympia de Paris e a várias cidades da Itália e Suiça. Antes de 1978 chegar ao fim, Tom e Ana alugam uma casa na rua Peri, no Jardim Botânico, onde irão morar os próximos seis anos. Nos quatro anos seguintes, Tom lançou o álbum duplo “Terra Brasilis”, reatou sua parceria com Chico Buarque, teve seu primeiro filho com Ana, João Francisco, dividiu um disco com Edu Lobo (“Tom & Edu, Edu & Tom”), ganhou o prêmio Shell de melhor compositor de 1982, começou a construir uma casa no alto do Jardim Botânico.

O começo da década de 80 foi marcado por homenagens à sua obra e à sua personalidade: além de um especial em quatro programas na TV Manchete, “A Música Segundo Tom Jobim”, dirigido pelo cineasta Nelson Pereira dos Santos, em 1984, foi nomeado conselheiro cultural do Estado do Rio de Janeiro pelo antropólogo e vice-governador Darcy Ribeiro. E também por uma intensa atividade no cinema e na televisão.A valsa “Luíza” foi tema da telenovela “Brilhante” e “Passarim”, uma das músicas que compôs para a minissérie “O Tempo e o Vento”. Para o filme de Arnaldo Jabor, “Eu Te Amo”, Tom fez uma valsa homônima, de parceria com Chico Buarque. Mas em “Gabriela” (1982), “Para Viver um Grande Amor” (1983) e “Fonte da Saudade” (1985) sua participação foi muito além do tema principal.
Outras trilhas sonoras para o cinema, contudo, tiveram de ser recusadas ou adiadas para que o maestro pudesse atender a um convite irrecusável: tocar acompanhado da ORF Sinfonietta de Viena, na Wienner Konzerthausgeselschaft. Receoso de um descompasso, pediu para levar o cantor e flautista Danilo Caymmi, o filho Paulo Jobim, o baixista Tião Neto e o baterista Paulo Braga. Dispensou os metais, substituindo-os por vozes femininas, as de Ana e Beth Jobim e Simone, mulher de Danilo. Estava formada a Banda Nova, que, logo acrescida do violoncelista Jaques Morelenbaum, sua mulher, Paula, e Maúcha Adnet, faria sucesso durante dez anos, inclusive fora do Brasil, sempre acompanhando o seu criador.

Em 1985, Tom voltou ao Carnegie Hall, onde cantou diante de 3 mil pessoas, abrindo uma longa temporada de shows, alguns no Brasil (Rio, São Paulo e Salvador), outros na Europa (nos festivais de Gasteiz e Montreux, em Madri), que se prolongaria, no ano seguinte, com uma apresentação no Avery Fisher Hall, de Nova York, com a Banda Nova e os violonistas Carlos Barbosa Lima e Sharon Isbin, outra no Teatro São Pedro, em Porto Alegre, seguidas de um turnê pela costa oeste dos Estados Unidos, Canadá e Japão. Entre uma viagem e outra, ainda encontrou tempo para participar, ao lado de Astor Piazzola, de um especial de Caetano Veloso e Chico Buarque para a TV Globo, receber a comenda de Grand Commandeur des Arts et des Lettres do governo francês, entregue, pessoalmente, em Brasília, pelo ministro da Cultura da França, Jack Lang, pôr música em dois poemas de Fernando Pessoa, compor "Pato Preto" para um documentário norueguês ("Man at Play”) sobre brincadeiras de crianças em todo o mundo, terminar a música da minissérie da TV Globo, "Anos Dourados", e iniciar as gravações do LP "Passarim", pelo qual ganharia o seu primeiro disco de ouro.
1987 foi o ano em que Tom começou sexagenário e, como ele próprio gostava de dizer, pai-avô, pois em março nasceu Maria Luiza Helena, sua filha com Ana Jobim. Em homenagem aos seus 60 anos, a TV Globo dedicou-lhe um especial, "Antônio, o Brasileiro", gravado no Brasil e nos Estados Unidos, e a Companhia Brasileira de Projetos e Obras, do grupo Odebrecht, ofereceu de brinde natalino um álbum biográfico, escrito por Sérgio Cabral, acompanhado de um disco duplo, produzido pelo pesquisador Jairo Severiano, no qual Tom passava em revista alguns de seus clássicos, com novos arranjos. O livro seguinte seria uma produção doméstica: "Ensaio Poético", com fotos de Ana Jobim, patrocinado pela IBM e lançado pela Record em 1988, pouco antes de chegar às livrarias uma coletânea de textos e poemas de Tom, editada pela Expressão e Cultura, "Jardim Botânico do Rio de Janeiro” e ilustrada com fotos de Zeca Araújo.

1989 1990
Para celebrar o jubileu de prata da gravação de Astrud de “Garota de Ipanema”, montou-se no Carnegie Hall uma grande festa na noite de 15 de março de 1989, com a presença de seu autor. Em 25 anos, “Garota de Ipanema” ultrapassara as 3 milhões de execuções em emissoras de rádio e televisão, fazendo de Tom o segundo autor estrangeiro mais executado nos Estados Unidos. Apesar de três grandes perdas afetivas naquele período (Vinicius, em julho de 1980, D. Nilza, em novembro de 1989, e tio Marcelo algumas semanas depois), a década de 80 fechou de forma auspiciosa para Tom Jobim. A de 90 seria dedicada, em grande parte, a apresentações em público no Brasil e turnês pelo mundo. Todos queriam ouvir e ver de perto o Michelangelo da bossa nova.
Janeiro de 1990 começou, para ele, com um show em homenagem a Vinicius, no Centro Cultural Banco do Brasil, no Rio, seguido de outro, com Milton Nascimento e Chico Buarque, marcando a inauguração da Universidade Livre da Música, em São Paulo, para a qual Tom foi nomeado reitor e, depois, presidente de seu Conselho Diretor. Quando, nos primeiros dias de fevereiro, lançaram no Brasil o disco “Família Jobim”, ele já estava de volta a Nova York, onde ficaria quatro meses, só retornando para participar do Festival de Inverno de Campos de Jordão, no interior de São Paulo, e num espetáculo montado por Roberto de Oliveira, no Memorial da América Latina, na capital paulista. Em novembro, dividiu com Caetano Veloso o palco, os aplausos e o prêmio Tenco do Festival de San Remo, na Itália. Convidado pelo compositor Sammy Cahn, ingressou no fechadíssimo Hall of Fame da música popular americana, ao lado de Cole Porter, Irving Berlin, os irmãos George e Ira Gershwin e o francês Michel Legrand. De volta ao Rio, em dezembro, apresentou-se no Scala, do Rio, onde oficialmente foram lançados os três volumes do Songbook editado pela Lumiar, de Almir Chediak.

1991 e 1992
Nascido no dia em que São Paulo também faz anos, Tom aceitou de bom grado o convite de Roberto de Oliveira para estrelar um show no ginásio Ibirapuera, em 25 de janeiro de 1991, afinal assistido por 28 mil pessoas. Para que os cariocas não ficassem com ciúmes, acertou com a prefeitura do Rio um espetáculo pelos 426 anos da cidade, em 1º de março, na ponta do Arpoador, praia de sua infância. Algumas semanas mais tarde, subiria outra vez ao palco do Carnegie Hall para participar de um encontro musical em prol da Fundação Mata Virgem, organização não-governamental criada por Sting. No segundo semestre, ao longo do qual compôs o fox “Querida” para a telenovela de Gilberto Braga, “O Dono do Mundo”, Tom só faria shows no Brasil: no Canecão (em junho), no teatro Guararapes, de Recife (em julho), no Rio Centro (com a família Caymmi) e na quadra da Mangueira, para arrecadar fundos para o próximo desfile carnavalesco da escola.
Tom tinha um interesse especial no próximo desfile da Mangueira. Afinal de contas, ele era o tema de seu samba-enredo, “Se Todos Fossem Iguais a Você”. Entusiasmado com a homenagem (“Foi como se tivesse conquistado o Prêmio Nobel da Paz”), retribuiu com um samba, “Piano na Mangueira”, composto de parceria com Chico Buarque. Novas emoções em público o esperavam nos meses que se seguiram ao desfile no Sambódromo: o show de abertura da Exposição Internacional de Sevilha, na Espanha, outro, para 5 mil pessoas, no Mosteiro dos Jerônimos, em Lisboa, o grand finale da Rio Eco-92, no estádio de remo da Lagoa Rodrigo de Freitas, e um espetáculo em torno do músico belga Toots Thielemans em Los Angeles. Culminando, em dezembro, com um reencontro de Tom e João Gilberto, no palco do Teatro Municipal do Rio e do Palace, em São Paulo, para comemorar os 30 anos do primeiro concerto de bossa nova no Carnegie Hall, que se transformou no especial de fim de ano da TV Globo, dirigido por Walter Salles Jr. e Boninho.

1993 1994
Com um tributo à sua obra, no Free Jazz Festival, de que participaram Herbie Hancock, Shirley Horn, Ron Carter, Joe Henderson, Gonzalo Rubalcaba, Jon Hendricks, Gal Costa e Oscar Castro Neves, e um novo disco, Tom encerrou a temporada de 1993. O novo disco, “Antonio Brasileiro”, com participações especiais de Dorival Caymmi e Sting, também seria o último de sua carreira. Parecia mesmo uma despedida, com a presença recorde de familiares: além dos habituais (Ana, Paulo e Beth), o neto Daniel e a filha Maria Luíza, de sete anos, cantando com o pai “Samba Para Maria Luiza”. O disco só seria lançado em novembro de 1994. Até lá, Tom faria mais três shows e entraria apenas uma vez num estúdio de gravação.

Em duas noites seguidas de abril, reapareceu no Carnegie Hall: na primeira, para comemorar os 50 anos da Verve, na companhia de Pat Metheny, Joe Henderson, Charles Haden e Al Foster; na segunda, para promover a Rainforest Foundation, ao lado de Sting, Elton John e Luciano Pavarotti. Em maio, daria, em Jerusalém, seu último espetáculo, passando os quatro meses seguintes no Rio, onde preferiu gravar a faixa (“Fly Me To the Moon”) que lhe coube no segundo disco de duetos de Frank Sinatra, “Duets II”. Em 15 de setembro, três dias após gravar sua parte no dueto com Sinatra, viajou até Nova York para submeter-se a uma angioplastia e avaliar o grau de comprometimento de seu sistema circulatório. Por motivos de saúde, cancelou uma gravação que agendara com Joe Henderson. Receosa de não conseguir sua presença no lançamento de um projeto que reunia um livro sobre a Mata Atlântica, com texto de Tom e 50 fotos de Ana Jobim, e um vídeo, “Mata Atlântica—Visão do Paraíso”, produzido por Walter Salles Jr. e dirigido por Flávio Tambellini, a editora Index adiou tudo para junho do ano seguinte. Num dos vários exames a que Tom se submeteu, detectaram um tumor maligno em sua bexiga—e uma cirurgia foi marcada para o dia 6 de dezembro, no Mount Sinai Medical Center. No dia 8, enquanto convalescia da cirurgia, teve uma parada cardíaca, às 8h. A segunda, duas horas depois, provocada por uma embolia pulmonar, lhe seria fatal.

Seu corpo desembarcou no Rio no dia 9 e foi velado no Jardim Botânico, dali seguindo para o cemitério de São João Batista, após desfilar em cortejo pela cidade que ele tanto amou e cantou em suas canções.

“A morte de Tom Jobim não foi apenas a queda de uma árvore, foi a derrubada de uma floresta”, escreveu Arnaldo Jabor, resumindo à perfeição um sentimento universal.
fonte:http://www2.uol.com.br/tomjobim/biografia.htm

Jazz e Bossa!!!!

Em 1984, foi ao ar pela TV Manchete uma série de programas musicais chamada "A Música Segundo Tom Jobim". Com direção de Nelson Pereira dos Santos, o programa era gravado na casa do maestro, no Jardim Botânico, no Rio, com a participação de convidados recebidos muito à vontade por ele e seu piano.

No primeiro programa da série, Tom e Gal Costa, em companhia de Dori e Danilo Caymmi, fizeram uma homenagem a Ary Barroso, contando histórias e lembrando de algumas canções do grande compositor brasileiro.

Aparecem no vídeo: "Pra Machucar Meu Coração", "Faceira", "Canta Brasil" (Alcir Pires Vermelho), "Tema de Amor Por Gabriela" (Tom Jobim) e "Aquarela do Brasil".

INTERDISCIPLINARIDADE E MÚSICA: Artigo Publicado - Conceito e prática

2010-01-18T10:06:00.000-02:00

Resumo: Esta pesquisa vem nos esclarecer a ligação existente entre a música e interdisciplinaridade. Mostrar realmente a onde ela se concentra dentro da música seus conceitos, a sua prática. E a necessidade de aplicar a interdisciplinaridade como complemento em todas as ciências. Seu conceito surgiu a fim de resolver de forma satisfatória as exigências políticas, sociais, econômicas. Geralmente seu conceito é muito confundido pelos educadores, que geralmente estão bem intencionados, porém profundamente enganados em relação a ele. O artigo fala da confusão que é feita entre os termos: interdisciplinaridade, integração, multidisciplinaridade, explica as suas diferenças. A interdisciplinaridade, na verdade, busca a construção do conhecimento através da interligação de várias outras ciências, saber de qual forma ela se concretiza, como ela se dá, suas limitações e qual será o resultado de seu auxílio na prática pedagógica, nos dará a visão de como poderemos aplicá-la na realidade musical.

Palavras-chave: Interdisciplinaridade. Música. Prática. Educação musical.

1.INTRODUÇÃO

Esse artigo vem trazer o entendimento sobre a aplicação da interdisciplinaridade na música e para isso, ao longo do trabalho esclarecemos alguns pontos importantes sobre o termo, como por exemplo, o motivo de seu surgimento, o conceito da palavra, sua finalidade, suas fraquezas, limitações, suas aplicações. Pois é muito comum que o termo interdisciplinaridade cause certa confusão, visto que há falta de consenso técnico sobre o legítimo significado da palavra. A partir daí são documentados vários exemplos práticos de incorporar a interdisciplinaridade a fim de enriquecer ainda mais as aulas de instrumentos, e outras.

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1Pós-Graduando em Teoria e prática da Interpretação Musical - Universidade Vale do Rio Verde de Três Corações-UNINCOR.

2.A NECESSIDADE DA INTERDISCIPLINARIDADE

Na educação contemporânea muito se tem dito sobre interdisciplinaridade. Este conceito, ainda difuso, é causador de numerosos questionamentos na área musical. Devido ao fato da música ser uma arte multidisciplinar seus educadores pressupõem estar agindo sempre sob bases interdisciplinares, o que nem sempre acontece. Hoje percebemos a necessidade de um ensino voltado para a formação integral da personalidade do indivíduo, seu desenvolvimento intelectual, psicológico, sócio-cultural e ecológico. Pois o mundo está cada vez mais evoluído em tecnologia e a educação deve evoluir junto com o mundo. Contudo, o que existe é uma defasagem exacerbada do ensino em relação às necessidades profissionais e culturais da sociedade. Por isso se torna primordial rever os paradigmas epistemológicos atuais, a fim de criar novas ferramentas para o aprendizado. Capacitando o ser humano para que este possa criar novos conceitos de ética, cidadania e coletividade.

E é justamente neste momento da história que surge a interdisciplinaridade, em uma sociedade que tem como necessidade resolver de forma satisfatória as exigências políticas, sociais, econômicas. Seu conceito surgiu a cerca de cem anos, advindo de uma necessidade científica. Era preciso ter uma dinâmica inter-relação entre as disciplinas para a construção de um novo sistema científico. A palavra interdisciplinaridade não tem nenhuma semelhança com as palavras multidisciplinaridade e pluridisciplinaridade. Sob a ótica de Sônia Albano de Lima, ela consubstancia-se como uma categoria de ação que tem como meta a transmutação humana para um viver futuro plausível em um mundo igualmente transmutado. Em seu artigo Sônia diz que a interdisciplinaridade impõe-se pela exigência de se criar outro método de análise do mundo, uma vez que as disciplinas isoladas não podiam mais responder satisfatoriamente aos problemas da sociedade contemporânea. Um ensino isolado, por exemplo, um músico que apenas saiba ler partituras e não sabe nada de harmonia, sempre será um músico limitado. Para ele ser um músico mais completo, ele deve possuir também conhecimentos de várias outras matérias harmonia, improvisação, contraponto, polifonia, conhecimento de música popular, música antiga e muitas outras. Se ele apenas súber ler a partitura, de nada vai adiantar. Não que um músico não deva ler partitura, isso é obrigação de um músico, mas e se na hora de uma apresentação bater um vento e levar a partitura para longe, o músico que possuir outros conhecimentos como a harmonia, por exemplo, certamente continuará tocando normalmente, como se nada estivesse acontecido. Mas se pelo contrario ele for subordinado à partitura, então ele irá travar e só voltará a tocar depois de recuperá-la.

A interdisciplinaridade busca o desenvolvimento integral do ser humano, adequá-lo na sociedade. De acordo com as pesquisas de Sônia, a interdisciplinaridade contempla três vertentes básicas:

1° Interdisciplinaridade acadêmica, pautada em princípios teóricos, busca uma síntese conceitual, a unificação do saber científico, a super-ciência e promove uma reflexão cognitiva dos saberes disciplinares em interação. Localizada com mais intensidade na França.

2° Esta é uma vertente americana de ordem instrumental, operacional. Busca respostas operacionais para as questões sociais ou tecnológicas sob a perspectiva das proximidades instrumentais, requer uma saber imediatamente útil, promove uma pesquisa funcional.

3° Vertente brasileira que visa construir uma metodologia de trabalho educacional que se apóie na análise introspectiva da própria docência e das práticas de ensino, de maneira a permitir o ressurgimento de aspectos do ensino e da docência que ainda são desconhecidos.

Sônia afirma que essas três vertentes se aplicadas isoladamente descaracterizam uma ação interdisciplinar, visto que são caminhos a serem compartilhados em maior ou menor escala, priorizando sempre uma ação que busca o sentido, a função e a intencionalidade no objeto investigado.

Para Marília Freitas de Campos Pires (1998, p. 177) a interdisciplinaridade se manifesta na educação como a busca da integração para além da troca de informação sobre objetivos, conteúdos, procedimentos e compatibilização de bibliografia entre docentes, pois é uma tentativa de maior integração dos caminhos epistemológicos, da metodologia e da organização do ensino nas escolas.

Durante as aulas de instrumento fala-se sobre percepção dos sons, intervalos dos sons, apreciação musical, análise das partituras, conhecimento de história da música, interpretação, origens da música, suas influências. Quando apenas falamos teoricamente estamos fazendo menção à sua multidisciplinaridade, pluralidade. Mas quando colocamos todas essas multifacetas em prática isso é interdisciplinaridade. Na aula de heavy metal primeiramente aprende-se a tocar o blues e só depois é que o professor irá inserir-lo no heavy metal. A prática dos solos permite a realização da interdisciplinaridade.

Gaudêncio Frigotto explica que o caráter do trabalho interdisciplinar decorre da própria forma do homem produzir-se enquanto ser social e enquanto sujeito e objeto do conhecimento social. Ou seja, a forma que o homem se projeta em uma sociedade. A produção do conhecimento só encontra sua efetiva materialidade histórica no conjunto de práticas e relações que os homens produzem num determinado tempo e espaço. Para que o trabalho interdisciplinar se efetive existe a necessidade de transcendermos a fragmentação e o plano fenomênico.E isso ocorre o tempo inteiro no estudo da música, não é preciso nem dizer.

2.1.O PROBLEMA QUE ENVOLVE A INTERDISCIPINARIDADE

Contudo, Frigotto explana que a interdisciplinaridade se apresenta como problema pelos limites do sujeito de uma determinada realidade e pela complexidade dos fatos históricos. Para a teoria materialista os fatos (a realidade) vêm antes da teoria. Esse pressuposto indica que o processo de conhecimento implica em uma ação ativa, em um trabalho por parte do sujeito. Esse sujeito, porém, é cheio de limitações advindas de sua formação. Frigotto diz que fazer um inventário crítico deste conformismo teórico, ideológico e cultural é necessário para a construção do conhecimento. Entretanto, mesmo que se atinja um grau altamente elevado de capacidade crítica, nenhum sujeito é capaz de exaurir determinada problemática. O conhecimento humano é visivelmente limitado, relativo, parcial, incompleto como afirma o autor. Por isso que é preciso esclarecer, revelar, expor toda a realidade de um fato. Conhecer a realidade é um grande desafio, ela deve ser explicitada na integridade das características e qualidades da totalidade. Para Frigotto é justamente ai que o trabalho interdisciplinar se apresenta como um problema. Frigotto esclarece que esse problema situa-se na forma histórica concreta mediante a qual os seres humanos estabelecem suas relações sociais de produção. Neste plano o homem se produz enquanto ser da natureza, individuais, mas sempre enquanto seres resultantes das relações sociais. Nesta materialidade que produzem suas idéias, teorias e concepções. E sabemos muito bem sob quais condições históricas se tem construído o processo de vida real dos homens, relações de: dominação, exclusão, alienação, desigualdade e divergências entre classes ou grupos sociais. Em todas as épocas as classes dominantes, além da força material, tinham também suas idéias em predominância – força intelectual. E geralmente as idéias das pessoas que dependem dos governantes, que carecem desses meios ficam subordinadas a eles, como afirma Marx e Engels. Esse tipo de relação atrasa, limita e impede o devenir humano. Frigotto é categórico em dizer, que a produção do conhecimento só se dará de forma mais efetiva na medida em que for sendo rompidas as relações sociais que fornecem a base material destes limites. Superação da divisão entre trabalhos manuais e intelectuais, dentre outras, e a superação da sociedade de classes.

3.O PROFESSOR E A PRÁTICA INTERDISCIPLINAR

Ivani Fazenda registrou revelações importantes e interessantes, em pesquisas realizadas entre 1987 a 1989 e entre 1989 a 1991, sobre as características de um professor interdisciplinar, afirmou que ele deve ser um pesquisador, com alto grau de comprometimento para com a aprendizagem dos alunos, que se utiliza, sempre, de novos procedimentos de ensino, etc. Em seu segundo trabalho, desenvolveu uma metodologia de trabalho interdisciplinar e cujo designo principal residia na conscientização do professor como sujeito de sua própria ação. Num primeiro momento, uma prática pedagógica interdisciplinar pode vir a ser utilizada, de uma ação intradisciplinar, ou seja, do estabelecimento de relações entre uma matéria (disciplina-mãe, matriz) e demais disciplinas aplicadas. A intradisciplinaridade corresponde às relações intrínsecas entre a matéria e as disciplinas que derivam da primeira.

Ela é um tipo de abordagem e conduz a uma ordenação específica do processo ensino-aprendizagem, notadamente no plano dos conteúdos e das atividades. Desta forma, os professores podem proporcionar aos alunos uma aprendizagem simultânea dos saberes e dos métodos comuns a várias disciplinas. Neste sentido, a interdisciplinaridade reordena conhecimentos diversos chegando a provocar um conhecimento novo. Segundo Gadottiem termos metodológicos, a prática pedagógica interdisciplinar implica em:

a) "integração de conteúdos;

b) passar de uma concepção fragmentária para uma concepção unitária do conhecimento;

c) superar a dicotomia entre ensino e pesquisa, considerando o estudo e a pesquisa, a partir da contribuição das diversas ciências;

d) ensino-aprendizagem centrado numa visão que aprendemos ao longo de toda a vida (educação permanente)". (Gadotti, 2000, pág. 222).

4.INTERDISCIPLINARIDADE E INTEGRAÇÃO

Cristina d'Ávila Maheu afirma que freqüentemente a interdisciplinaridade é confundida com a idéia de integração. Para ela as duas são complementares, porém não significam jamais a mesma coisa. Maheu diz ainda, que a integração entre os conteúdos de diferentes disciplinas constitui-se como um processo interno, relativamente ao sujeito que aprende, é um processo construtivo, em que o sujeito cognoscente apropria-se dos objetos de conhecimento de modo a perceber as interconexões entre os mesmos, tornando-se assim, capaz de vislumbrar, de compreender a realidade, numa perspectiva de totalidade. A interdisciplinaridade não é uma categoria de conhecimento, mas de ação. Não significa, tampouco, a integração de conteúdos, mas a inter-relação entre as disciplinas, em se considerando seus objetivos e metodologias próprias. Interrelacionar não é integrar, globalizar, perdendo-se de vista a especificidade de cada objeto de conhecimento. Uma ação pedagógica interdisciplinar requer, antes de tudo, uma atitude interdisciplinar. E, no limite, interdisciplinaridade faz-se, antes, entre os indivíduos para, só depois, concretizar-se na inter-relação entre as disciplinas. Através do estudo de qualquer instrumento o aluno percebe facilmente que há integração entre as matérias, ele toma consciência disso, mas a partir do momento que o professor de música acrescenta às aulas de instrumento, aulas de percepção, por exemplo, ai sim ele estará praticando a interdisciplinaridade. Na integração o aluno toma conhecimento da relação entre as matérias, enquanto na interdisciplinaridade ele age, ele põe em prática essas ligações existentes entre elas.

Segundo Maheu a interdisciplinaridade vem para nos trazer a busca de uma ressignificação da idéia de disciplina com seu hipotético objeto formal. Não o nega, mas o fortalece, adquirindo assim uma nova forma de acesso ao real. "Essa nova abordagem é possibilitada ao submetê-la a um tratamento eminentemente pragmático, em que a ação passa a ser o ponto de convergência e partida entre o fazer e o pensar da interdisciplinaridade" (FAZENDA, 1995, pág. 67).

Essa atitude tem em vista o fortalecer a identidade das disciplinas, ela é dependente do seu desenvolvimento efetivo, da sua maturidade em relacionar-se com as demais. E assim desmascara a pretensão de supremacia de certas ciências. A interdisciplinaridade é uma categoria de ação, agir implica em ter uma intenção, assumir uma atitude, em se considerando as condições de espaço e de tempo. É um projeto coeso, coerente, de revisão sistemática e permanente dos seus postulados.

Ivani Catarina Arantes lançou o livro "Práticas Interdisciplinares na Escola" onde apresenta uma coletânea de dezesseis textos de autores que estudaram durante um ano sobre o assunto.Foram escolhidos alguns capítulos para serem expostos neste artigo, a fim de dar ênfase a algumas questões sobre a interdisciplinaridade: No segundo capítulo a autora Maria Elisa de M. P. Ferreira fala sobre "Ciência e Interdisciplinaridade". A autora se refere à interdisciplinaridade como sendo uma questão de atitude, ela diz que é a externalização de uma visão holística de mundo. A autora afirma que hoje, a unidade e a totalidade do universo exigem o repensar da ciência fragmentada e o significado de interdisciplinaridade, considerado o prefixo "inter" como "troca" e disciplina "ciência": daí o ato de troca, de reciprocidade entre as áreas do conhecimento. "Ser interdisciplinar é saber que o universo é um todo [...]". Os compositores modernos como Debussy, Stravinsky tiveram a possibilidade de estudar todos os compositores que os antecederam: os da renascença, barroco, clássico, românticos. A música de cada período envolve diferentes conhecimentos, aí existe uma troca de conhecimento dos vários tipos diferentes de composições e compositores. No quinto capítulo: "Introduzindo a noção de interdisciplinaridade" Sandra Lúcia Ferreira utiliza-se de uma metáfora para conceituar a interdisciplinaridade. Ela disse que o conhecimento é uma sinfonia. E que para a sua execução, muitos elementos devem estar presentes como: os instrumentos, as partituras, os músicos, o maestro, o ambiente, a platéia etc; o projeto é a execução da música; a participação de todos é necessária para que a sinfonia aconteça; a integração é importante, mas não é fundamental; para sua execução é preciso harmonia do maestro e a expectativa dos que assistem. Sandra assegura que a interdisciplinaridade tem a idéia norteada por eixos básicos: a interação, a humildade, a totalidade, o respeito pelo outro e é também marcada pelo sentimento de intenção consciente, clara, objetiva e não apenas pela interação de todos os elementos do conhecimento. Existem muitos outros autores como Paulo Freire, Moacyr Gadotti, por exemplo, que deram o embasamento teórico necessário para que o grupo, através de uma reflexão, tivesse a possibilidade de avanços, deixando de lado os conhecimentos tradicionais, transpondo as barreiras da insegurança, para se tornar capaz de ousar na busca, na pesquisa, na inovação, na construção do projeto interdisciplinar.

5.A INTERDISCIPLINARIDADE NA MÚSICA

Segundo Ivani Fazenda, os primeiros passos são: o diálogo, a troca, o encontro com o outro, pois todo encontro supõe um confronto de idéias; o próximo passo seria a ação: a ação possui natureza ambígua e tem como pressuposto a incerteza, porque trata com a complexidade dos saberes. Portanto, precisa do domínio da interdisciplinaridade como metodologia (conhecimentos disciplinares, culturais, pedagógicos, didáticos e práticos). A ação levará à mudança de currículos, de práticas e de conteúdos; Em seguida fundamentar novas idéias, novas tendências e elaborar uma metodologia que possibilite a vivência da interdisciplinaridade, nas escolas, na música. Contudo, a rigidez das estruturas institucionais e os orçamentos quase sempre precários são obstáculos. Além disso, muitas vezes as metodologias de ensino não dão abertura ao questionamento.

Quanto à música é óbvio que ela envolve a interdisciplinaridade. O ensino do instrumento deve ser acompanhado de percepção musical, história da música, apreciação musical, prática de conjunto e uma série de outras matérias que são complementares. Vários autores concordam que a interdisciplinaridade se caracteriza pela intensidade das trocas entre os especialistas e pelo grau de integração real das disciplinas, no interior de um projeto específico de pesquisa.

O canto coral, por exemplo, assim como em qualquer manifestação musical, pode provocar um desejo pela interdisciplinaridade, uma busca natural de vários tipos de conhecimentos artísticos. Pois, a partir da experiência musical vivenciada, os integrantes do coro podem interessar-se pela literatura, pelas artes plásticas e até mesmo por outras ciências e técnicas, como bem coloca Snyders (1992). Aliás, o conceito da interdisciplinaridade para o canto tem significativa relevância para a compreensão da complexidade do ato de cantar: os fundamentos otorrinolaringológicos, pneumológicos e fonoaudiológicos devem sempre andar junto com o canto, pois problemas advindos de uma má classificação, dentre outros, por exemplo, podem trazer ao cantor sérios riscos para a sua saúde vocal. A presença da interdisciplinaridade ocorre também na prática dos outros instrumentos, mas de formas diferentes.

O guitarrista que resolver estudar violão clássico, por exemplo, terá possibilidade de ampliar significativamente seus conhecimentos de outras culturas e épocas, pois o violão é clássico, o repertório é completamente diferente e as técnicas necessárias para a performance instrumental também são totalmente diferente. Isso enriquecerá a bagagem musical do instrumentista que terá acesso a vários tipos diferentes de técnica e informações valiosas que servirão para complementar seu estudo. A Matemática está presente todo o tempo na música no temperamento dos instrumentos, na escrita das partituras, no andamento, no ritmo, na duração das notas, e muitas outras coisas a mais estão relacionados com os estudos matemáticos. Pode-se dizer ainda que a música está relacionada com razões, curvas exponenciais, funções periódicas e ciências da computação.

CONCLUSÃO

A educação contemporânea precisa da interdisciplinaridade, aliás, a interdisciplinaridade já nasceu com a finalidade de resolver de forma satisfatória as exigências da sociedade, pois as disciplinas isoladas não surtem mais efeito com a evolução do mundo. A prática pedagógica precisa de mudanças no seu paradigma, ela precisa evoluir junto com o mundo. Senão ela não acompanhará o ritmo do homem e perderá seu efeito sobre ele, como acontece na educação no Brasil. Os métodos geralmente são antigos e não funcionam mais, esse e mais um dos motivos na defasagem da educação no país. A pratica interdisciplinar na música é algo que pode ser alcançado facilmente, pois a música assim como todas as ciências, musicais ou não, têm ligações entre si, então é simplesmente associá-las de acordo com o objetivo que se deseja alcançar e colocá-lo em prática

REFERÊNCIA BIBLIOGRÁFICA

LIMA,Sonia Albano de. Interdisciplinaridade: Uma prioridade para o ensino musical.v. 7,n.° 1, São Paulo: Música Hodie, 2007, p. 51-65. ISSN 1676-3939.

FAZENDA, Ivani. Interdisciplinaridade: história, teoria e pesquisa. São Paulo, Ed. Papirus, 1995, 2a edição, p. 67.

FAZENDA, Ivani Catarina Arantes (org.). Práticas Interdisciplinares na Escola. São Paulo: Cortez, 1993

GADOTTI, Moacir. Perspectivas atuais da educação. Porto Alegre: Artes médicas, 2000.

BOCHNIAK, Regina. Questionar o conhecimento: interdisciplinaridade na escola ... e fora

dela. São Paulo: Loyola, 1992.

FRIGOTTO, Gaudêncio. A interdisciplinaridade como necessidade e como problema nas ciências sociais. v. 18, n. 2, p.63-72, jul/dez. Porto Alegre:Educação e Realidade, 1993.

Bárbara Gonçalves e GARAHPA Carioca PRONTOS para 2010 !!!

2010-01-06T12:31:00.005-02:00

A Cantora Barbara Gonçalves e o Trio Garahpa Carioca interpretam ``O Barquinho`` de Roberto Menescal e Ronaldo Boscoli e ``Garota de Ipanema ´´´de Tom e Vinicius, no vídeo um apanhado de imagens e fotos do Show `` O caldo da nossa Gema ´´ que é uma exaltalção ao jeito Carioca de ser e estar musicalmente falando, Bossas, Choros e Sambas com muita malemolência, muito Acariocado!!!!

Para ouvir mais músicas do Show ``O caldo da nossa Gema´´ entrem no nosso endereço oficial:
http://www.myspace.com/barbaraeagarahpa

Produção Musical Eric Chandoha.

back in Black - Feliz ano Novo 2009 Ac/Dc

2009-12-29T06:41:00.000-02:00

Back In Black
Volta do Luto

Back in black, I hit the sack
De volta do luto, eu peguei as malas
I've been too long, I'm glad to be back
Estive longe por muito tempo, estou contente por voltar
Yes I'm let loose from the noose
Sim, eu estou me libertando do nó corrediço
That's kept me hangin' about
Que me manteve pendurado até agora

I've been livin' like a star 'cause it's gettin' me high
Continuo olhando para o céu pois isto está me animando
Forget the hearse, 'cause I never die
Esqueça o carro fúnebre porque nunca morrerei
I got nine lives, cat's eyes
Tenho nove vidas, olhos de gato
Abusing every one of them and running wild Maltratando cada uma delas e correndo selvagemente

'Cause I'm back! Yes, I'm back!
Porque eu estou de volta! Sim, estou de volta!
Well, I'm back! Yes, I'm back!
Bem, eu estou de volta! Sim, estou de volta!
Well, I'm back, back Bem,
eu estou de volta, de volta
Well, I'm back in black
Bem, eu estou de volta, do luto
Yes, I'm back in black!
Sim, eu estou de volta do luto

Back in a band, I got a Cadillac
De volta num banco de trás de um Cadillac
Number one with a bullet, I'm a power pack
Número um com uma bala, sou um pacote de poder
Yes I'm in a band with a gang
Sim, eu estou numa peleja com a banda
They gotta catch me if they want me to hang
Eles terão que me pegar se quiserem me pendurar

'Cause I'm back on the track and I'm beatin' the flack
Porque eu estou de volta na trilha
Nobody's gonna get me on another trap
Estou combatendo o fogo aéreo
So look at me now, I'm just a makin' my pay
Ninguém vai conseguir me pegar
Don't try to push your luck, just get outta my way
Em alguma outra armadilha

'Cause I'm back! Yes, I'm back!
Porque eu estou de volta!
Sim, estou de volta!
Well, I'm back! Yeah, I'm back!
Bem, eu estou de volta! Sim, estou de volta!
Well, I'm back, back
Bem, eu estou de volta, de volta
Well, I'm back in black
Bem, eu estou de volta, do luto
Yes, I'm back in black!
Sim, eu estou de volta do luto

Well, I'm back! Yes, I'm back!
Porque eu estou de volta, sim, estou de volta
Well, I'm back! Yes, I'm back!
Bem, eu estou de volta, sim, estou de volta
Well, I'm back, back
Bem, eu estou de volta, de volta
Well, I'm back in black
Bem, eu estou de volta, do luto
Yes, I'm back in black!
Sim, eu estou de volta do luto

Aw, yeah! Let's go!
Ah, sim! Vamos lá!
Keep on goin'! Yeah, yeah!
Manter em curso! Sim, sim!
Yeah, aw, yeah, yeah! Sim, ah, sim, sim!
Here we go! Aqui vamos nós!

Well, I'm back (I'm back!)
Bem, eu estou de volta (estou de volta!)
Back (well, I'm back!)
De volta (bem, eu estou de volta!)
Back (I'm back!)
De volta (estou de volta!)
Back (I'm back!)
De volta (estou de volta!)
Back (I'm back!)
De volta (estou de volta!)
Back De volta
Yes, back in black
Sim, de volta do luto
Yes, I'm back in black
Sim, eu estou de volta do luto

Outta sight! Fora de vista

Café da Manhã de NATAL - Celebração do nosso Clube do Violão Popular - Oficinas Ritmos Brasileiros - Dezembro/2009- TIJOLINHO-ANDARAÍ-Rj

2009-12-23T13:17:00.013-02:00

Após 6 meses do ínicio das nossas oficina de violão`` CLUBE DO VIOLÂO POPULAR BRASILEIRO ´´, no Condomínio Residencial SOLARIS, que é dirigida por cuidadosas mãos do `` Seu Waldir ´´,a Cooperativa Habitacional Barão de Mesquita, abriu para mim a oportunidade de implementar as oficinas de violão dentro do Condomínio, com objetivo para seus condôminos de:

Segurança, pois as oficinas se realizão dentro da sede administrativa da CHBM, isto é do lado de casa;

Integração social dos condôminos e possibilitar uma melhora da qualidade de vida dos moradores e arredores, trazendo cultura(Música)para Comdomínio e adjacências, já que as oficinas oferecem vagas também para não-condôminos.além de claro o aprendizado do instrumento mais cultuado do mundo `` O VIOLÃO ´´.

Com muita satisfação realizamos no último sábado nosso I - Café de Natal - Apresentação dos alunos do nosso Clube do Violão Popular Brasileiro.

Este encontro foi planejado com objetivo ntegrar as famílias dos alunos, celebrando o nascimento de Jesus e a primeira Apresentação dos Alunos !!!! YEAH !!!!!!

Mas antes de finalizar esta postagem quero agradecer a ajuda de duas pessoas em especial, a minha aluna e amiga Vicky Gonçalves e nosso Paizão JOÃO !!! Desde a decoração quanto a brincadeira de cordas foi Obra da Artista Vicky, mas quem estava na logística de compras, materias e finanças foi o mestre João!!! Mas não poderia deixar de citar Gusthavo, Humberto, meu IRmÃO Demolay Leonardo Simão que chegou cedo pra ajudar na arrumação e depois fez sua apresentação, Allan Santana na técnica e sua JAM com os alunos, O PRODÍGIO violinsta BRUNO, enfim todos os Pais, Familiares, amigos e todos os alunos que compareceram. MUITO OBRIGADO

Os alunos participantes são:

HUMBERTO
ALEX VALENÇA
EDÉSIO
GUSTHAVO
MARIANA
MÔNICA
DIEGO
LEONARDO
JOÃO BATISTA
VICKY GONÇALVES
BRUNO
Gabriel ``Flu``
Gabriel `` BOTA´´

Bárbara Gonçalves e a Garahpa !!! Hoje SEXTA 18/12 no TABOCA - Jacarépagua- Zona Oeste- SAMBA DuBon ! RIO !!

2009-12-18T11:28:00.008-02:00

TABOCA(Jacarépagua) apresenta: Bárbara Gonçalves e Garahpa Carioca - Samba na Veia!!!

Após um período de reformas, o aprazível, eclético e sempre cultural BAR RESTAURANTE TABOCA localizado na Estrada de Jacarépagua 6550, apresenta hoje a noite a partir das 21:00 BARBARA GONÇALVES E GARAHPA CARIOCA.

A apresentação e conduzida pela voz delicada e venal da cantora Bárbara Gonçalves e sua carioquice cheia de balangandãs se unem com o experiente Trio do grupo musical Garahpa Carioca no show `` O caldo é da Gema ´´, esta parceria resulta em uma apresentação com o fino Samba-Bossa-Choro exaltando a cidade do Rio de Janeiro e seus músicos, compositores e suas características musicais.

Com delicados arranjos Túlio Pereira e Pedro Cantalice e performances do ``SSSS´´ (Senhor Samba Swing Soul) Marcelo Babilônia as músicas do show flui entre Cartola, Nelson Sargento, Noel, Chico Buarque, Clara Nunes, Gonzaguinha, Paulinho da Viola entre outros bambas da nossa cidade, elas são executadas da forma mais `` acariocada impossível ´´, com muito swing e malemolência, é música para o fino ouvido do ``Bom-Malandro´´ e para insinuante Madame.

Contudo, o show ainda passeia pelos inusitados ritmos locais: Jongo, Partido Alto, Sambas de Breque e Chorinhos lembrando nossos imortais Pixinguinha, Jacob do Bandolin, K-Ximbinho, Ernesto Narazeth entre outros a som de bandolins e cavaquinhos do exímio solista Pedro Cantalice; Além de ter um momento especial na apresentação reservado para a cinquentona e inesquecível BOSSA NOVA onde o Rei Tom Jobim e o príncipe João Gilberto são lembrados e outros desta corte real; E é com louvor que Boêmia das boas serestas da noite Lapa é lembrada, sem perder as características de um verdadeiro BAILE DE QUINTAL suburbano.

O trio é formado por músicos experientes da noite do Rio são eles: Tulio Pereira (voz e Violão), Pedro Cantalice (cavaco, violão tenor e Bandolim) e Marcelo Babilônia na cozinha e afins.... E o CALDO da nossa GEMA !!!! autêntica e Carioquíssima música da cidade Maravilhosa !

Pra quem é da area da zona Oeste é Imperdivel e pra quem não é vale a pena o deslocamento, Comida Saborozíssima, serviço impecável, ambiente descontraído com presença de exposições de arte, e som que vai Rolar e simplismente o caldo, o néctar da boa música e autêntica e Carioca!!! da GEMA!!!apresentação do qual eu Eric Chandoha assino a Produção Musical tendo na técnica Allan Santana.

escute: BARBARA GONÇALVES E GARAHPA CARIOCA NESSE LINK:
http://www.myspace.com/barbaraeagarahpa

RESERVAS no TABOCA:
*3256-4550 - Bar e Restaurante Taboca

Festa no Céu - Mercedes Sosa chegou!!!!!!

2009-12-10T08:43:00.006-02:00

gracias pela vida

HAYDÉE MERCEDES SOSA nació en San Miguel de Tucumán el 9 de julio de 1935, en un hogar humilde. De esos años viene su apego por las expresiones artísticas populares. Recién salida de la adolescencia, le gustaba bailar y enseñaba danzas folklóricas. También cantaba.

En octubre de 1950, quinceañera, empujada por el entusiasmo de un grupo de amigas inseparables, se animó a participar en un certamen radial organizado por LV12 de Tucumán. Oculta tras el seudónimo de Gladys Osorio, su incipiente calidad como cantante la hizo triunfar en un concurso cuyo premio era un contrato por dos meses de actuación en la emisora. Fue el principio...

Una década después, cuando se produjo una suerte de estallido en torno de la música folklórica, meramente consumista, el nombre de Mercedes Sosa ya estaba comprometido con el canto popular como integrante del Movimiento del Nuevo Cancionero, una corriente renovadora del folklore, surgida en la provincia de Mendoza, que proponía dejar de lado las modas pasajeras, para poner el acento en la vida cotidiana del hombre argentino, con sus alegrías y tristezas.

Entre los artistas fundadores y promotores de este movimiento estaban Armando Tejada Gómez, Manuel Oscar Matus y Tito Francia.

Sus aptitudes artísticas y personales sorprendían a un público acostumbrado a otra cosa. Junto con su marido Manuel Oscar Matus, hicieron conciertos en la Universidad. Otros escenarios los empiezan a recibir alentadoramente. Matus editó en un sello independiente el primer disco de Mercedes Sosa: "Canciones con fundamento".

Por esa opción, la cantante tuvo que trajinar varios años antes de conseguir un reconocimiento como el que obtuvo en el Festival Nacional de Folklore de Cosquín, en 1965, cuando gracias a la generosidad del cantor Jorge Cafrune, el país entero pudo conocer a esta maravillosa cantante argentina y fue la ocasión que marcó el nacimiento de la gran artista popular que siempre mereció ser. Después, fueron sus innegables condiciones las que le permitieron convertirse en la gran figura que hoy aplaude todo el mundo.

También en 1965 intervino en la grabación de "Romance de la muerte de Juan Lavalle", de Ernesto Sábato y Eduardo Falú, cantando "Palomita del valle".

En marzo de 1966, se conoció "Yo no canto por cantar",, con una docena de canciones hoy antológicas, entre las que estaban "Canción del derrumbe indio", "Canción para mi América", "Chayita del vidalero", "Los inundados", "Zamba para no morir", "Tonada de Manuel Rodríguez" y "Zamba al zafrero". Tal fue la aceptación de este disco, que apenas siete meses después, en octubre, fue invitada a grabar otro que apareció con el título de "Hermano".

A fines de 1967, "La Negra" hizo conocer "Para cantarle a mi gente",, un disco que acumuló un importante caudal de poesía argentina y latinoamericana.

En abril de ese mismo año, había subyugado al público europeo y de los Estados Unidos con exitosas actuaciones en Miami, Lisboa, Porto, Roma, Varsovia, Leningrado, Kislovo, Sochi, Gagri, Bakú y Tiflis. Durante esa gira conoció a Ariel Ramírez quien le propuso, de inmediato, ser la voz de "Mujeres Argentinas", trabajo que recién se concretaría en 1969, luego de la aparición de "Zamba para no morir", una recopilación con los temas de mayor trascendencia grabados hasta ese momento, y "Con sabor a Mercedes Sosa", en el que registró por primera vez "Al jardín de la República".

Cuando le propusieron grabar "Mujeres Argentinas", el país estaba viviendo bajo el peso de un régimen militar y Mercedes, como muchos argentinos, sufrieron las consecuencias: sus canciones no se podían difundir por Radio Nacional, una emisora gubernamental.

En 1970 participó en el filme "El Santo de la Espada", de Leopoldo Torre Nilsson y dió a conocer dos discos importantes en su carrera: "El grito de la tierra" y "Navidad con Mercedes Sosa". En este período grabó, entre otras, "Canción con todos" y "Cuando tenga la tierra", de Ariel Petrocelli y Daniel Toro y la bellísima "La Navidad de Juanito Laguna", del "Cuchi" Leguizamón y Manuel J. Castilla.

En 1971 se conoció "La voz de Mercedes Sosa" y apareció "Homenaje a Violeta Parra", un disco que reúne casi una docena de temas de la gran protagonista del Canto Popular Chileno. Ese año también participó en "Güemes" (La tierra en armas), filme dirigido por Leopoldo Torre Nilsson. En un breve, pero significativo papel, encarnó a la heroína altoperuana Juana Azurduy.

En 1972 se editó "Hasta la victoria", un disco lleno de canciones cargadas de contenido social y político. Eran tiempos en que algunos pocos compositores y también cantores como Mercedes Sosa no permanecían ajenos al compromiso y la militancia con la que querían colaborar para conseguir un mundo más justo y equitativo. También en ese año le puso su voz a la "Cantata Sudamericana", con música de Ariel Ramírez y letra de Félix Luna.

"Mercedes Sosa" y "Traigo un pueblo en mi voz", aparecieron en 1973, año del convulsionado regreso a la democracia y prólogo de una época difícil y violenta. Mercedes continuó en la misma línea que su trabajo anterior y grabó algunos temas con los que encaró la realidad americana.

En 1975 se edita "A que florezca mi pueblo".

En agosto de 1976, un año crucial para la Argentina, se editó "Mercedes Sosa", trabajo en el que rescató poetas argentinos y latinoamericanos como los chilenos Víctor Jara y Pablo Neruda, la peruana Alicia Maguiña y el cubano Ignacio Villa, "Bola de Nieve".

Al año siguiente, en 1977, "La Negra" le rindió un homenaje a uno de los grandes compositores y cantores populares argentinos con "Mercedes Sosa interpreta a Atahualpa Yupanqui". El clima político que vivía el país cada vez se sentía más opresivo.

En 1979, se editó "Serenata para la tierra de uno". Aún en medio de la violencia que sacudía al país, Mercedes seguía cantándole a la vida. El hostigamiento y el cerco que se fue formando en torno de ella la obligaron a exiliarse. Ese año fue detenida en la ciudad de La Plata junto con todo el público que había ido a verla cantar. Ese mismo año se instaló en París y en 1980 se afincó en Madrid.

En teoría, Mercedes Sosa podía entrar y salir del país, no tenía causa judicial alguna, pero no podía cantar. Fue un castigo doble: para ella y para todos los argentinos. En un país en que la vida humana no tenía valor alguno, y cientos de ellas se perdían en la oscuridad de las mazmorras, los usurpadores del poder pensaban que la canción con contenido era peligrosa. Por eso había que acallar a los cantores, como una manera de silenciar a la gente.

La Negra" recién pudo regresar a un escenario argentino el 18 de febrero de 1982, un par de meses antes que la dictadura se embarcara en la Guerra de Malvinas. El régimen militar que desde poco más de un lustro atrás sometía al país, había comenzado a agonizar. En el Teatro Opera de Buenos Aires realizó más de una docena de conciertos.

Con estas actuaciones tan esperadas, Mercedes no sólo se reencontró con su público de siempre, sino que allí la vieron por primera vez miles de jóvenes que desde entonces la convirtieron, también, en "su ídola". De esos trece recitales en el Teatro Opera quedó el L.P. doble "Mercedes Sosa en Argentina", en el que también intervinieron sus compañeros de aquellas noches: León Gieco, Charly García, Antonio Tarragó Ros, Rodolfo Mederos y Ariel Ramírez.

Al cabo del ciclo en el Teatro Opera, Mercedes regresó a España, donde estaba radicada, volvió a mediados de año a América para presentar su disco "Gente humilde" y para realizar una serie de conciertos en las principales ciudades del Brasil. Poco tiempo después regresó definitivamente a la Argentina. Ese mismo año hizo conocer "Como un pájaro libre", un hermoso disco que incluyó temas de autores tradicionales y otros más jóvenes.

La cantante continuó con sus giras por los países más diversos del planeta, actuando siempre en los escenarios más grandes y prestigiosos, como el Lincoln Center, el Carnegie Hall, en los Estados Unidos, o el Mogador de París.

En el último trimestre de 1983, se conoció "Mercedes Sosa", un disco en el que registró varias canciones que serían algunos de sus grandes éxitos: "Un son para Portinari" y "Maria Maria". También en esa recordada placa grabó: "Inconciente colectivo", de Charly García, "La maza" y "Unicornio", de Silvio Rodríguez, "Corazón maldito", de Violeta Parra y "Me voy pa'l mollar", junto con la recordada cantante Margarita Palacios.

En 1984 se vivía la euforia del regreso a la Democracia, luego de una dictadura y una guerra. Mercedes regresó al disco con "¿Será posible el sur?", en el que se entremezclan las canciones esperanzadas, los ritmos folklóricos y el canto latinoamericano. El 21 de diciembre, junto con Milton Nascimento y León Gieco, protagonizó el espectáculo denominado "Corazón americano", que convocó a una multitud pocas veces congregada.

1985 fue un año doblemente importante. Desde el punto de vista discográfico, Mercedes dio una vez más un espaldarazo a los compositores argentinos con "Vengo a ofrecer mi corazón", en el que registra canciones trascendentales como la de Fito Páez que le da título al trabajo, pero también "Razón de vivir" y "Madre de madres", de Víctor Heredia, "Entre a mi pago sin golpear", de Carlos Carabajal y Pablo Raúl Trullenque, "Canción para Carito", de Antonio Tarragó Ros y León Gieco.

Se conoce "Corazón Americano", grabado en vivo el año anterior durante la actuación realizada junto con Milton Nascimento y León Gieco.

En el primer semestre de 1986, realizó una extensa gira por Alemania y Europa Central. En agosto, "Lisneer Auditorium", de Washington; "Teatro de la Corte", del Central Park, de Nueva York; "Teatro Auditorium Lakeview", de Chicago. Alemania: Hamburgo, Munich, Stuttgart, Dreieich y Erlangen. Rotterdam, Holanda Atenas, Grecia. 25 recitales en Brasil. Se edita "Mercedes Sosa '86", en el que intervinieron como invitados el bandoneonista Leopoldo Federico y el grupo Markama. Es un disco en el que predominan los ritmos argentinos.

Aparece "Mercedes Sosa '87" en el que incluyó una decena de canciones y contó con la participación de Pablo Milanés, Teresa Parodi, Víctor Heredia y Fito Páez. Ese mismo año, durante dos meses y medio realizó una gira por Suiza, Alemania Federal, Noruega, Suecia, Holanda, Estados Unidos, Puerto Rico, República Dominicana y México. Las actuaciones más importantes fueron, sin dudas, en el Contcergebouw, de Amsterdam y en el Carnegie Hall, de Nueva York, donde su actuación fue saludada con una ovación de diez minutos.

En 1988 intervino en el ciclo "Los grandes en vivo". Se publicó "Amigos míos", un disco compilado de Mercedes Sosa cantando con Milton Nascimento, Pablo Milanés, Teresa Parodi, Charly García, Fito Páez y Raimundo Fagner, entre otros.

Como productora, organizó uno de los espectáculos más importantes ya presentados en la Argentina: "Sin Fronteras", que reunió en el estadio Luna Park de Buenos Aires, a siete cantantes latinoamericanas: las argentinas Teresa Parodi y Silvina Garré, la colombiana Leonor González Mina, la venezolana Lilia Vera, la brasileña Beth Carvalho y la mexicana Amparo Ochoa, además de la propia Mercedes.

A fines de julio de 1989, "La Negra" recibió de manos de Pierre Décamps, Embajador de Francia en la Argentina la medalla de la Orden del Comendador de las Artes y las Letras, otorgado por el Ministerio de la Cultura de la República Francesa.

En 1990 apareció un disco titulado "Mercedes Sosa en vivo en Europa", participó en el filme "Verano del potro", interpretando el tema "Siempre en ti". Actuó en Australia, Grecia, Holanda, Alemania, Luxemburgo, Suiza, Francia y Brasil y además protagonizó inolvidables noches en el Luna Park con actores y un numeroso grupo de cantantes invitados. En diciembre, cerró el año con dos actuaciones a sala repleta en el Gran Rex, dentro del ciclo "Creativa 90", también acompañada por muchos músicos invitados. Con el registro de esas noches, se editó "De mí", aparecido en noviembre del año siguiente.

El 20 de diciembre de 1991, luego de casi diez años de no cantar en un estadio abierto, Mercedes se reencontró con la multitud en Ferro Carril Oeste. La acompañaron Fito Páez, Julia Zenko, Nito Mestre, Piero, Celeste Carballo, los Illya Kuryaki, León Gieco, Charly García, Víctor Heredia, Mariano Mores, Facundo Ramírez, Horacio Molina, Coqui y Claudio Sosa y Hamlet Lima Quintana. 15.000 personas deliraron durante poco más de dos horas y media de show.

El 1 de abril de 1992 en el Salón Dorado del Honorable Concejo Deliberante fue declarada Ciudadana Ilustre de la Ciudad de Buenos Aires. Fue un año importantísimo para Mercedes, marcado por su viaje a Chile, donde cantó en la Quinta Vergara, de Viña del Mar y en el Estadio Chile, de Santiago. Fueron tres actuaciones cargadísimas de emociones.

A comienzos de 1993 atravesó nuevamente los Andes para intervenir en el Festival Internacional de Viña del Mar, donde, como tantas veces lo hiciera, fue anfitriona de un grupo de importantes cantantes argentinos, entre ellos Julia Zenko, Víctor Heredia y Teresa Parodi. Posteriormente, actuó en varias ciudades chilenas.

También editó "Sino", una placa en la que compartió la producción artística con Fito Páez y participó en la banda sonora del filme "Convivencia", cantando un tema con Pablo Milanés y otro con el ya desaparecido Roberto Goyeneche. En noviembre de ese año se publicó una compilación, titulada "Mercedes Sosa, 30 años", que reunió una veintena de temas grabados en diversas épocas por "La Negra".

En noviembre de 1994 apareció "Gestos de amor", uno de sus últimos trabajos discográficos, tan bien recibido por el público, que rápidamente le valió ser distinguida con el Disco de Platino.

A mediados del mes siguiente, representó a las voces de la Argentina y América, en el Segundo Concierto de Navidad realizado en la Sala Nervi del Vaticano. Fue la más aplaudida en ese espectáculo realizado para el Vicariato de Roma, del que participaron, entre otros, el tenor español Alfredo Kraus y la soprano Renata Scotto.

Unos días antes, en dos inolvidables jornadas, fue la solista de la "Misa Criolla", que se presentó, con un coro de casi 600 almas, en el imponente Anfiteatro Frank Romero Day, de la ciudad de Mendoza y que fue presenciado por cerca de 30.000 espectadores. Cerró el año con dos actuaciones en el Luna Park.

En enero de 1995, luego de participar en el Festival Internacional de Mar del Plata intervino en el "Americanto" realizado en Mendoza. A mediados de año visitó Chile, comenzando una "tournée" que la llevaría a Costa Rica, El Salvador, Honduras, Panamá y Uruguay.

En agosto de ese año, cerca de dos mil personas respondieron a la convocatoria del ciclo "Maestros del Alma" para brindar un cálido homenaje a Mercedes Sosa quien aquella noche recibió el testimonio del siempre creciente afecto del público y el canto de sus compañeros músicos como Julia Zenko, Peteco Carabajal y Víctor Heredia, entre varios otros. Más adelante, realizó una gira por varias ciudades del Brasil, entre ellas, San Pablo, Belo Horizonte, Florianópolis y Porto Alegre.

Un tiempo después hizo dos exitosas actuaciones en San Juan de Puerto Rico, que fueron el prólogo de una extensa gira por los Estados Unidos realizada en noviembre último y que comenzó en el Zellenbach Hall - Cal Perfomance Arts Center de Berkeley, San Francisco. Luego siguió con dos conciertos consecutivos en el Wadsworth Theater - UCLA de Los Angeles, California y presentaciones en el Bass Concert Hall, de Austin, Texas; en el Jackie Gleason Theater for the Perfoming Arts de Miami, Florida; en el Kennedy Center for the Perfoming Arts, de Washington; en el Avery Fisher Hall - Lincoln Center de New York; en el Symphony Hall de Boston, Massachusetts y en el Queen Elizabeth de Vancouver, en la Columbia Británica. Luego actuó en Lima y al cabo de ese concierto realizó otros dos en La Paz, Bolivia.

En diciembre de 1995 se editó "Mercedes Sosa - Oro", una compilación de 17 temas grabados entre 1969 y 1994. El repertorio de este trabajo dibuja nítidamente el perfil de esta gran artista popular.

En un año de mucha actividad artística como 1995, no le faltó tiempo para estar cerca de sus compañeros los músicos. Solidaria, no sólo preconiza la necesidad de unión de los músicos argentinos, sino que pregona con el ejemplo. Intervino con su voz en las grabaciones de los discos de María Graña, Peteco Carabajal, Los Trovadores, Alejandro Dolina, Lito Vitale, Víctor Heredia y Eduardo Lagos. También cantó en vivo en las presentaciones teatrales de Coqui y Pajarín Saavedra, Víctor Heredia, Liliana Herrero y Peteco Carabajal.

"La Negra", reconocida unánimemente como la dueña de una de las voces más importantes del mundo, en 1966 desplegó una intensa actividad profesional. En los primeros meses realizó una gira que la llevó a recorrer escenarios de varias provincias argentinas, en festivales de ciudades como Diamante (Entre Ríos); Villa María y Villa Allende (Córdoba) para luego de una actuación en Concepción (Chile), culminar el mes de enero con aquella inolvidable noche de clausura del XXXVIº Festival Nacional de Folklore de Cosquín. Una noche que aun perdura en la memoria de muchos, que vibraron con el canto de nuestra tucumana.

A Cosquín le siguieron, durante febrero y marzo, presentaciones en Rosario (Santa Fe); Puán, Baradero y Mar del Plata (Provincia de Buenos Aires); Villa Carlos Paz y Leones (Córdoba); Tunuyán (Mendoza), Chilecito (La Rioja), Punta Arenas y Santiago (Chile). La gira estival concluyó con dos actuaciones en Asunción (Paraguay), con la presencia del compositor e intérprete Charly García como artista invitado.

A comienzos de abril volvió a los estudios para grabar "Escondido en mi país", su nuevo disco, con un repertorio netamente folklórico, de gran repercusión en el público. Unos días después de finalizado su trabajo en Buenos Aires, realizó un exitoso concierto en las Islas Canarias. A mediados de año le siguieron conciertos en el Brasil y más adelante, actuaciones en Ecuador, Uruguay y en algunas ciudades de los Estados Unidos Canadá.

En el segundo semestre de 1996 hizo la presentación en el Teatro Opera de Buenos Aires de los temas de su disco "Escondido en mi país". Cinco conciertos a sala llena con un público entusiasmado por este "baño de folklore", como dijeron algunos críticos. Poco después concretó una serie de actuaciones por Estados Unidos, Canadá y Puerto Rico, donde el 20 de octubre realizó un concierto memorable. Luego de ese fatigoso viaje se puso a trabajar de lleno en el disco que grabó con temas de Charly García.

Iniciado el año 1997 participó en el XXXVIIº Festival Nacional de Folklore de Cosquín, llevando como invitado a Charly García. Fue un verdadero acontecimiento musical que marcó un hito en la historia de este popular evento.

Al cabo de una actuación en Paraguay y en el Festival Nacional de Tonada, de Tunuyán, Mendoza, Mercedes cerró en la Capital argentina el ciclo "Buenos Aires Vivo", organizado por la Secretaría de Cultura de la Ciudad ante una concurrencia estimada en 120.000 espectadores, con la participación de algunos artistas invitados entre los que se encontraba nuevamente Charly García y el Chango Farías Gómez.

En marzo de 1997 participó del cónclave internacional denominado "Río + 5", en el que intervino en su carácter de vicepresidente del Consejo de la Tierra en representación de Latinoamérica, con la finalidad de intervenir en la redacción de la "Carta de la Tierra", un documento equivalente a la Declaración Universal de los Derechos Humanos, para definir un sistema operacional de valores que guíen nuestro comportamiento, nuestras relaciones y esfuerzos para el desarrollo.

Luego MERCEDES SOSA viajó a la ciudad de Bogotá, Colombia, para intervenir, junto con Charly García y Fito Paéz en un multitudinario espectáculo realizado en el estadio El Campín.

El 8 de julio, en vísperas de su cumpleaños, cantó en la ciudad de Salta y una semana más tarde, los días 11, 12 , 13 y 15 de Julio, ofreció cuatro conciertos en el TEATRO OPERA, de Buenos Aires, en los que, además del cancionero netamente folklórico, interpretó algunos temas nuevos y conó con la presencia de varios artistas invitados como Víctor Heredia, Julia Zenko, Claudio Sosa, Horacio Molina, Coqui Sosa, Angela Irene, Pocho Sosa y la participación especial de Charly García.

Luego de estas actuaciones y durante los próximos dieciocho meses "La Negra" no volvería a cantar este repertorio en Buenos Aires.

A fines de julio se conoció finalmente "Alta Fidelidad. Mercedes Sosa canta Charly García". La expectativa del público, ansioso por conocer el resultado de este trabajo en común, aseguró el entusiasmo de los dos protagonistas de este trabajo que fué un hito en la discografía de ambos y en la música popular latinoamericana.

Tras muchos meses de labor el disco quedó terminado. Grabado en Madrid, Nueva York y Buenos Aires, "Alta Fidelidad. Mercedes Sosa canta Charly García" reúne una docena de canciones: "Cuchillo", "Promesas sobre el bidet", "Rezo por vos", "Como mata el viento norte", "Cuando ya me empiece a quedar solo", "Hablando a tu corazón", "Los sobrevivientes", "El tuerto y los ciegos", "De mí", "Cerca de la revolución", "Siempre puedes olvidar" y "Plateado sobre plateado (huellas en el mar)", creadas por el talentoso músico del bigote bicolor, salvo "Rezo por vos", compuesta junto con Luis Alberto Spinetta y "Siempre puedes olvidar", con Fabiana Cantilo.

En este trabajo de excepción han trabajado músicos notables como: Pedro Aznar, Bernardo Baraj, Juan Bellia, Andrés Calamaro, Alejandro De Raco, Erica Di Salvo, Ulises Di Salvo, Ciro Fogliatta, María Gabriela Epumer, Rubén Georgis, Pablo Guadalupe, Belén Guerra, Juanse, Rubén Lobo, Nito Mestre, Migue, Rinaldo Rafanelli, Rodolfo Ruiz, Gabriel Said, Mario Serra y el gran actor argentino Alfredo Alcón que puso su voz en "Los sobrevivientes".

A lo largo de su brillante trayectoria artística, además de las distinciones mencionadas, Mercedes Sosa fue declarada Ciudadana ilustre de Tucumán, recibió la Orden del Mérito de la República Federal de Alemania; la Medalla al Mérito Cultural del Ecuador; la Placa de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos, Perú, en reconocimiento a sus 30 años de difusión del canto latinoamericano; el Premio ACE 1993, por su L.P. "Sino" y el Martín Fierro 1994 al mejor show musical en televisión.

Durante 1995 Mercedes Sosa recibió varios premios y distinciones. Entre ellos, el Gran Premio CAMU-UNESCO 1995, otorgado por el Consejo Argentino de la Música y por la Secretaría Regional para América Latina y el Caribe, del Consejo Internacional de la Música de la UNESCO; el Premio de la UNIFEM, organismo de las Naciones Unidas que la distinguió, poco antes de su actuación en el Lincoln Center de New York, por su labor en defensa de los derechos de la mujer; Konex de Platino 1995 a la Mejor Cantante Femenina de Folklore y Konex de Brillante a la Mejor Artista Popular de la Década. También ese año recibió el halago de ser incluida por la Secretary-General United Nations Politic World Conference on Women, en la colección discográfica denominada "Global Divas".

Este trabajo, que incluye "Gracias a la vida" cantado por Mercedes Sosa, de distribución internacional, reunió a algunas de las voces más importantes del mundo de todos los tiempos, entre las que están Edith Piaff, Marlene Dietrich, Amalia Rodrigues, Lucha Reyes, Miriam Makeba, Celina González, Marian Anderson, Aretha Franklin, Elis Regina, Maria Bethânia y Gal Costa.

En julio de 1996 en Porto Alegre, Brasil, el Gobierno del Estado de Rio Grande do Sul le otorgó la Medalla Simöes Lopes Neto en honor a sus méritos artísticos y personales puestos al servicio de la unidad de los pueblos.

El 4 de octubre de 1996, en la ciudad alemana de Aix-la-Chapelle, recibió el Premio CIM-UNESCO 1996 del Conseil International de la Musique - UNESCO, con sede en la ciudad de París, Francia, destinado a músicos de todo el mundo, que se han destacado personal y profesionalmente.

Este Premio, creado en 1975, está destinado a recompensar a los músicos e instituciones musicales que con sus obras o actividad han contribuido al enriquecimiento y desarrollo de la música y servido a la paz, a la comprensión entre los pueblos, la cooperación internacional y a los otros fines proclamados por la Carta de las Naciones Unidas y el Acta Constitutiva de la UNESCO.

En el caso de la cantante Mercedes Sosa, expresó en su comunicación el Consejo Internacional de la Música, "El Jurado ha decidido el otorgamiento de este Premio no sólo por su brillante carrera sino también en reconocimiento de sus grandes valores éticos y morales de los cuales ha dado prueba durante los sombríos años que conoció la Argentina, por la preocupación que ha tenido de promover constantemente la defensa de los derechos humanos".

Unos días antes, en la Sede del Consulado General de la República Argentina en Nueva York, Mercedes Sosa recibió otra distinción, esta vez del Consejo Interamericano de Música de la Organización de los Estados Americanos (OEA). Ante representantes de todos los países latinoamericanos, recibió un Diploma de Honor en reconocimiento a su trayectoria.

El 9 de diciembre de 1996 en el Congreso Nacional, el pueblo de todo el país, a través de sus legisladores, le rindió un homenaje, en su calidad de "personalidad de la cultura nacional, por su valiosa trayectoria artística en defensa de la música popular". Aquella tarde un grupo de músicos populares argentinos se sumó con el aporte de su arte al gesto de los diputados. Actuaron y ofrecieron lo mejor de cada uno de ellos: Peteco Carabajal, Verónica Condomí, Coqui, Claudio y Pocho Sosa, Liliana Vitale, Rodolfo Mederos, Federico de la Vega, Chango Farías Gómez, Víctor Heredia, León Gieco y Charly García que interpretó su creativa versión del Himno Nacional Argentino con lo que hizo vivir un momento de profunda emoción, no sólo a Mercedes y a los presentes, sino también a quienes siguieron el acto a través de la radio y la televisión.

A principios del mes de marzo de 1997, recibió por su disco "Escondido en mi país", el Premio ACE (Asociación de Cronistas del Espectáculo) al Mejor Disco de Folklore.

A poco de fin de milenio, totalmente recuperada su enfermedad, sigue en actividad. Durante 1998 presentó su nuevo disco "Al despertar", con gran repercusión. Este disco marca un punto de reencuentro a pleno de Mercedes con canciones y sonidos pertenecientes a su propia raíz folklórica. Con gran repercusión recorrió el país, obteniendo una gran repercusión y adhesión en el público y las críticas especializadas.

En 1999 retoma las intensas giras internacionales de otros años. Alternando con multitudinarias actuaciones en la Argentina, cantó en México, Guatemala, El Salvador y otros países centroamericanos. En julio acompañó a Charly García en un concierto ante público de rock en el DF de México, y entre setiembre y octubre realizó una importante gira por Inglaterra, Israel, Alemania, Suiza Austria y Holanda. Poco después, en México, las máximas autoridades de UNICEF le entregaron las credenciales que la acreditaban como Embajadora de Buena Voluntad de la organización para América Latina y el Caribe.

El año 2.000 Mercedes finaliza un proyecto largamente anhelado: la interpretación y grabación de la "Misa Criolla", la obra cumbre del folklore argentino. Mercedes logra una versión de una profundidad, exquisitez y belleza sin igual. El mundo musical recibe esta creación con excelentes críticas y comentarios. La trascendencia de las misma logra llegar al plano internacional con tal fuerza y adhesión que comienza a cosechar premios y reconocimientos importantísimos como la entrega del premio Grammy Latino a la mejor Interpretación de una obra musical. Todo un logro, sobre todo teniendo en cuenta que a las instancias finales del mismo, importantísimos artistas de talla internacional.

En el año 2.001 Mercedes ofrece una serie de recitales en vivo en el teatro Gran Rex, en Bs As. denominada "Acústico", con obteniendo una vez más enorme repercusión en el medio artístico. Estos emotivos recitales quedaron plasmados en la edición de un disco doble que lleva el mismo nombre del espectaculo "Acústico". En el se pueden apreciar versiones remozadas de canciones inolvidables y clásicas del repertorio de Mercedes, con un sonido acústico, interpretados excepcionalmente por su banda de músicos.

Con "Acústico" emprende una vez mas, giras por el interior del país y por el exterior: Europa, Latinoamerica, Centroamerica y Norteamérica.

A fines del 2.002 se produce uno de los encuentros quizás más esperados por los seguidores y amantes de la música popular de nuestra tierra: Mercedes Sosa - Víctor Heredia y León Gieco. Juntos inician un proyecto artístico musical denominado "Argentina quiere cantar". El éxito enorme de estos shows se ve momentaneamente interrumpido por problemas de salud de Mercedes, pero en el mes de abril de 2.003 reinician los mismos con grandes espectativas.

Luego de dos años de ausencia de los escenarios, en septiembre de 2005, Mercedes Sosa puso lo mejor de su empeño para superar algunas adversidades médicas.

Se presentó en el ciclo de conciertos Música en el Salón Blanco de la Casa de Gobierno de Argentina, ante una platea de 150 personas, pero con una audiencia televisiva de un millón de espectadores.

Luego, en noviembre, su concierto fue la apertura del Encuentro de Música de Provincias, en un concierto al aire libre y ante 8.000 espectadores.

Ya en diciembre y comenzando con la gira del regreso, el 14 cantó ante una platea de 120 espectadores en el Cabaret Faena, preparando el concierto del 21 en su provincia natal, Tucumán, ante una audiencia de 20.000 espectadores en la Plaza Independencia.

También en septiembre de 2005 se realizó el lanzamiento de su más reciente producción discográfica CORAZON LIBRE, publicada por el sello internacional Deutsche Grammophon, simultáneamente en todo el mundo. Con este álbum folklórico y acústico, Mercedes llevó esta obra a toda Europa, las Américas, Israel, Japón, Corea, Singapur, Australia, Nueva Zelanda y –por primera vez en su carrera- a China.

Este nuevo trabajo discográfico recibió los más enfáticos elogios de la crítica especializada, la Revista Rolling Stone lo eligió como el Mejor disco folklórico del año publicado en Argentina, el 19 de diciembre recibió el Premio Clarín como La Figura Folklórica del Año. CORAZÓN LIBRE recibió el Premio Carlos Gardel 2006 en la Categoría Mejor Album Artista Femenina de Folklore y está postulado para los Grammys Latinos en las categorías Mejor Album Folk y Mejor Disco del Año.

Los conciertos ya realizados han tenido la característica de una Mercedes Sosa impecable en su interpretación y caudal vocal; junto a una maravillosa calidad interpretativa... sus más recientes conciertos la llevaron a Punta del Este, Mar del Plata, el Festival Nacional del Folklore de Cosquín, a la Fiesta de la Tonada en Tunuyán (Mendoza), al multitudinario concierto organizado por Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires en Palermo el 18 de febrero, al concierto de apertura de Córdoba-Capital de la Cultura de América en la ciudad de Córdoba, al Festival de la Guitarra de Dolores (Provincia de Buenos Aires).

El público de la ciudad de Rosario celebró alborozada sus conciertos en el Teatro El Círculo, en el Acto por del Día del Trabajador frente al Monumento a la Bandera ante 50.000 espectadores, y en el 3° Encuentro de Músicos Populares.

Mercedes Sosa participo también del Homenaje a Haroldo Conti en la ciudad de Chacabuco, al cumplirse los 30 años de su desaparición.

En los conciertos del 23 y 24 de mayo en el Gran Rex se produjo la presentación oficial del nuevo disco de Mercedes Sosa, CORAZÓN LIBRE, incluyendo también temas tradicionales de su repertorio, acompañada por notables artistas invitados, además de la banda que la secunda en sus conciertos habituales.

Se presentó en el ciclo de conciertos Música en el Salón Blanco de la Casa de Gobierno de Argentina, ante una platea de 150 personas, pero con una audiencia televisiva de un millón de espectadores.

El 25 de mayo cantó en el Acto de los festejos de la fecha patria en la Plaza de Mayo, siendo celebrada su interpretación por cientos de miles de personas presentes en la Plaza y a través de la televisión y la radio.

El fervor del público la acompañó en sus actuaciones, batiendo records de asistencia en cada concierto: 500.000 personas siguieron sus conciertos en vivo. Incontables televidentes y oyentes, las emisiones televisivas y radiales en directo y diferido de los mismos.

Mercedes Sosa: de regreso al folklore en las expresiones más tradicionales de los creadores consagrados del género y con las obras de la nueva generación de autores y compositores. Mercedes Sosa, regresando a los escenarios para renovar una cita con su público, hoy como siempre.

Durante todo 2007, estuvo abocada a cumplir con compromisos de actuaciones en toda Latinoamerica y Estados Unidos.

2008

Emprende una gira que la lleva a recorrer américa y gran parte de europa, España, Italia y Alemania e Israel.

Fonte :www.mercedessosa.com.ar( SITE OFICIAL )

2009

Ela voltou para Casa as ESTRELASSSSS do Céu!!!!!!!

Guga and Josi - Escalando Sugar Loaf - Via Coringa - Homenagem aos meus amigos pela minha ausência, ROCK and Roll na trilha sonora!!!

2009-11-13T08:55:00.003-02:00

Bem Infelizmente, eu não estava no Rio quando eles chegaram, arrumei minha casa , coloquei todo apostos para que eles fossem recebidos, mais houve um problema com os nossos rádios transmissores!!!! que bosta!!! enfim.... Meu amigo Guga me apresentou várias coisas novas na Música durante minha vida, justamente por ele ser meu primeiro amigo skatista e vcs estão ligados que skate é sinônimo de Sonzeira da BOA!!!!! curtam este vídeo com fotos da escala deles em minha terra que eu vivo e amo, com todos os Problemas quer ela tem causados pelo BICHO HOMEM, mas Rio LIndo!!! esta é a minha homenagem e pedido desculpa pela minha ausência Cumpadi e Cumadi!!! VIVA a CNOPAN belo trabalho Wilson!!! Escalada Pão de Açucar via Coringa e via Costão com muito Rock and Roll!!!

OS NOVOS BAIANOS !!!! O FUSION NACIONAL na veia, ISto é O Brasil descendo a ladeira!!!!

2009-10-18T11:19:00.004-02:00

Os Novos Baianos foram um conjunto musical brasileiro, ativo entre os anos de 1969 e 1979. O Grupo marcou a música popular brasileira e até o rock brasileiro dos anos 70, utilizando de vários ritmos musicais brasileiros que vão de bossa nova, frevo, baião, choro, afoxé ao rock n' roll.[1]. O grupo lançou oito trabalhos antológicos para MPB. Influenciados pela contracultura e pela emergente Tropicália. Contava com Moraes Moreira (compositor, vocal e violão), Baby Consuelo (vocal), Pepeu Gomes (Guitarra), Paulinho Boca de Cantor (vocal), Luiz Galvão (letras) e a banda de apoio A Cor do Som.

Mistério do Planeta" - vídeo extraído do filme Novos Baianos Futebol Clube, dirigido por Solano Ribeiro e gravado em 1973 no sítio Cantinho do Vovô, em Jacarepaguá. No Youtube compõe a "trilogia NBFC", ao lado dos vídeos "Samba da Minha Terra" e "Alunte".
Câmera na mão - take único e sem cortes - em sintonia com o humor oscilante e malandragem de Paulinho Boca, um típico novo baiano que se joga "nu" mundo.
Yoga de ouvido, Moraes concentrado ao violão.
Pepeu mil anos luz segue à frente da guitarra.
Jorginho, menino arisco, mostra que já conhece os atalhos da batera.
Dadi, leãozinho Caeveloso, arrepia no baixo.
Galvão na letra e poesia.
A criação em estado latente. Para ver e ouvir.

Formação e primeiros anosNovos Baianos - vocal: Paulinho Boca de Cantor; violão: Moraes Moreira; guitarra: Pepeu Gomes; baixo: Dadi, batera: Jorginho Gomes. De fora: Baby Consuelo, Baixinho, Bola, Charli, Gato Félix e Galvão.

Moraes Moreira, um dos compositores principais do conjunto.A história do grupo começou em 1969. com o espetáculo "O Desembarque dos Bichos Depois do Dilúvio Universal", no Teatro Vila Velha, em Salvador, Bahia, onde pela primeira vez juntos, se apresentaram Luiz Galvão, agronomo formado, Paulinho Boca de Cantor, ex-crooner da "Orquesta Avanço", popular nas noites de Salvador, Moraes Moreira, a única não-baiana do grupo, a niteróiense Baby Consuelo, e Pepeu Gomes.

Moraes Moreira foi apresentado à Tom Zé, que era amigo de Galvão [2]. Baby Consuelo conheceu os dois (Moraes e Galvão)em um bar, enquanto passava as férias em Salvador. Mais tarde, Paulinho Boca de Cantor conheceu os três, e se uniu a eles. Dos membros que formariam o grupo mais tarde, apenas Pepeu Gomes era músico, e havia passado por diversas bandas. Nas apresentações em palco e gravações, o grupo era inicialmente pelo um quarteto, acompanhado pelo grupo 'Os Leifs'[2], que depois teve seu nome mudado para A Cor do Som, do qual faziam parte o baixista Dadi, o baterista/percussionista Baxinho José Roberto Martins Macedo, o guitarrista Pepeu Gomes e seu irmão baterista, Jorginho Gomes. Pepeu Gomes se casou com a vocalista da banda, Baby Consuelo, e é incorporado definitivamente ao grupo, e ao lado de Moraes Moreira colabora de maneira como arranjador musical do grupo.

Em 1969 se inscreveram para o V Festival de Música Popular Basileria com a canção "De Vera". A origem do nome surgiu em decorrencia a uma apresentação na Rede Record, quando ainda sem nome definido para o grupo, o coordenador do festival, Marcos Antonio Riso gritou "Chama aí esses novos baianos!"[2]. Os Novos Baianos nunca foram controlados por gravadoras e empresários, tanto que quado foram para São Paulo, se apresentaram em diversos programas de televisão, extrapolando o tempo previsto.

O AugeO primeiro empresário do grupo foi Marcos Lázaro, e a primeira gravadora foi a RGE, onde lançaram um compacto simples, "De Vera"/"Colégio de Aplicação", e no ano de 1970 o primeiro long play, titulado de É Ferro na Boneca, que além de trazer as canções do compacto, e uma grande mistura de gêneros, foi tema dos filmes "Caveira My Friend" e "Meteorango Kid". Apesar de tudo, o número de cópias vendidas do disco não foi tão extensa.

Com a desclassificação de "Vera" do Festival da Record, Os Novos Baianos resolveram seguir para o Rio de Janeiro. Lá, moravam todos juntos em quatro cômodos, o que fazia com que o entrosamento entre os músicos fosse muito grande. Em 1971, gravaram o segundo compacto simples, "Volta que o Mundo dá", e receberam a visita de João Gilberto, que viria a influenciá-los com o samba[1]. Após a grande fusão de gêneros brasileiros, sugerida por João Gilberto, e a guitarra de Pepeu Gomes, surgiu o mais consistente e lembrado disco do grupo, Acabou Chorare, pela Som Livre; considerado o melhor álbum brasileiro da história segundo a revista Rolling Stone[3].

Em Jacarepaguá, alugaram um sítio apelidado de "Sitio do vovô". Viviam de forma quase anárquica em pleno regime militar. Em uma nova gravadora, a Continental, lançam seu terceiro álbum de estúdio, Novos Baianos F.C., com inovações ritmicas e líricas. O disco ganhou um filme homônimo de Solano Ribeiro[4].

Os Novos Baianos se mudam novamente, desta vez para uma fazenda em São Paulo, a convite de um execultivo da Continental. Lá gravaram o quarto disco, Novos Baianos, mais conhecido por Alunte. O disco não vendeu tanto quanto os anteriores, o que levou ao desentendimento com a gravadora. A crise começou, Moraes Moreira, principal letrista da banda resolveu partir para a carreira solo.

O Declínio e fimDesfalcados de Moraes Moreira, letrista principal ao lado de Galvão, o grupo faz de Pepeu Gomes o exemplo instrumental. O disco seguinte, Vamos pro Mundo, foi lançado ainda em 1974 pela Som Livre e tinha como foco as faixas instrumentais em choro, baião e samba.

Em 1976, o grupo assina seu contrato mais longo, de dois anos com a gravadora Tapecar. O primeiro álbum na gravadora, Caia na Estrada e Perigas Ver, investiu no samba, rock e Pandeiro e "Brasileirinho" de Waldir Azevedo. Em 1977 lançara Praga de Baiano, já enfraquecidos pelo processo inicial das carreiras solo de Paulinho, Pepeu e Baby. O disco trazia o trio elétrico, frevo, e bastante música instrumental. Tornaram-se atração dos trios-elétricos, e Baby Consuelo foi a primeira cantora desse tipo de evento.

O último trabalho, Farol da Barra (álbum) Farol da Barra, pela CBS, homenageia os compositores Ari Barroso e Dorival Caymmi, regravando "Isto Aqui O Que É?", e "Lá Vem a Baiana". O principal destaque do disco era a faixa-título, uma parceria entre Galvão e Caetano Veloso. No ano seguinte o grupo encerra suas atividades.

Reuniões posteriores
Em 1987, Baby, Pepeu e Paulinho se reuniram em uma apresentação única no Teatro Castro Alves.

Em 1990, a reunião completa de Baby, Paulinho, Pepeu e Moraes Moreira aconteceu em no trio elétrico nas ruas de Salvador. Neste mesmo ano, Pepeu e Moraes gravam um trabalho juntos.

A banda também se reuniu em meados da década de 1990 para uma apresentação com Marisa Monte, que apoiou o retorno do grupo aos estúdios, em 1997, o grupo reúne sua formação original e lançam o disco duplo: Infinito Circular.

Em 2009, durante o carnaval de Salvador, se reuniram novamente Paulinho, Baby e Pepeu para duas apresentações abordo do trio elétrico intitulado "Os Novos Baianos" a banda percorreu o circuito do Campo Grande até a praça Castro Alves arrastando inúmeros fãs . O trio contou, ainda, com a participação das filhas de Baby o grupo "SNZ" e de seu filho Pedro Baby;

Também em 2009 o grupo se apresentou na Virada Cultural, no palco localizado na Avenida São João em São Paulo. O show foi visto por um milhão de pessoas no Domingo (3/5). A apresentação contou com Baby do Brasil, Pepeu Gomes, Luis Galvão e Paulinho Boca de Cantor, da formação clássica. Moraes Moreira não tem se apresentado mais com o grupo Novos Baianos.

Discografia
Álbuns de Estúdio1970 – É Ferro na Boneca (RGE)
1972 – Acabou Chorare (Som Livre)
1973 – Novos Baianos F.C. (Continental)
1974 – Novos Baianos (Continental)
1974 – Vamos pro Mundo (Som Livre)
1976 – Caia na Estrada e Perigas Ver (Tapecar)
1977 – Praga de Baiano (Tapecar)
1978 – Farol da Barra (CBS)
1997 – Infinito Circular (Globo/Polydor)

Compactos1969 – "Colégio de Aplicação" / "De Vera"
1970 – "Volta que o Mundo dá"
1971 – "Psiu" / "29 Beijos" e "Globo da Morte" / "Mini Planeta Íris" (Compacto Duplo)
1971 – "Dê um rolê" / "Você me dá um disco?" e "Caminho de Pedro" / "Risque" (Compacto Duplo)
1973 – "No Tcheco Tcheco" / "Boas Festas"
1973 – "A Minha Profundidade" / " O Prato e a Mesa"
1976 – "Ninguém segura este País" / "Ovo de Colombo"

fonte:Wikipedia e Youtube

Vamos Falar de Zeca Baleiro!!!!!

2009-10-15T08:44:00.003-03:00

Bem, quando avaliamos a obra de ZECA Baleiro, notamos tecnicamente falando ( melodias , harmonias e consequentemente os arranjos que o seguem )encantramos uma variadade imensa de coisas bem feitas....desde uma música simples Harmonicamente falando como Lenha e coisas dentro do genêro POP como Telegrama e Babilon.... que mesmo sendo músicas com métricas consideradas cliches, conseguem extrair algo que surpreende os ouvidos.... Me espanto as vezes com as sensações quer tenho, mesmo sendo músico , (pois somos treinados para sermos um pouco mais racionais, quando estamos escutando múisca de outro artista)que Zeca Baleiro me remete!!!! FELICIDADE, POSITIVISMO, AUTENCIDADE,LIRISMO, INOCÊNCIA NOTURNA !!!! saibam um pouco desde NOBRE
Cavaleiro !!!!!! Z E C A BALEIRO

Zeca Baleiro, nome artístico de José Ribamar Coelho Santos, (Arari, Maranhão, 11 de abril de 1966) é um cantor, compositor e músico brasileiro de MPB. Transferiu-se para São Paulo onde lançou sua carreira.

Zeca Baleiro canta, toca violão e já teve suas composições interpretadas por Simone, Gal Costa, Vange Milliet, Adriana Maciel, Luíza Possi, Rita Ribeiro, Renato Braz, Charlie Brown Jr, O Rappa e Babado Novo.
Zeca começou sua carreira compondo melodias e músicas para peças infantis de teatro, onde se destacou pela qualidade de suas letras. Foi morar em São Paulo, onde dividia um apartamento com seu parceiro musical Chico César. Apesar de sua carreira musical já existir 12 anos antes de gravar seu primeiro disco em 1997, seu salto para a fama foi em sua participação no Acústico MTV de Gal Costa com a canção "A Flor da Pele", no qual alcançou projeção nacional. Nos anos seguintes gravou mais cinco discos com participação de outros cantores do Brasil, muitos dos quais são seus parceiro em composições como: Chico César, Rita Ribeiro, Lobão, Arnaldo Antunes, Zé Geraldo, Paulinho Moska, Lenine, Fagner, Zeca Pagodinho e Zé Ramalho. Sua música deriva de muitos ritmos tradicionais brasileiros: samba, pagode, baião com elementos do rock, pop e música eletrônica com um modo muito particular de tocar violão. Suas letras contém, de forma inteligente, humor e poesia.[carece de fontes?]

DiscografiaDiscos autorais
Por Onde Andará Stephen Fry? (1997)
Vô Imbolá (1999)
Líricas (2000)
Pet Shop Mundo Cão (2002)
Raimundo Fagner e Zeca Baleiro (2003)
Baladas do Asfalto e Outros Blues (2005)
Baladas do Asfalto e Outros Blues Ao Vivo (2006)
O Coração do Homem Bomba - Vol. 1 (2008)
O Coração do Homem Bomba - Vol. 2 (2008)

Coletâneas e trilhasBrésil
Calor do Brasil
Metamophoses
MPBZ by Marco Mazzola
Novo Canto
O Melhor do Acústico MTV
Palco MPB
Zeca Baleiro - Perfil
Zeca Baleiro - Lado Z
Reggae Around the World

Prêmios1997 - Prêmio APCA para "melhor cantor"
1998 - Prêmio SHARP para "melhor canção", "melhor disco" e "melhor revelação"

Tudo é mentira - Everardo Dias,Estadão, julho de 1924/ARNAULDO JABOR/ORQUESTRA IMPERIAL - ( Onde está a honestidade ? de Noel Rosa )

2009-08-31T12:05:00.005-03:00

"...Tudo é falso,Tudo é mentira: mentira a data oficial do descobrimento do Brasil; mentira a emancipação política do ;mentira a independência;mentira do juramento do principe regente; mentira o segundo reinado; mentira a abolição;mentira a fundação da república;que não passou de uma quartelada;mentira as eleições;mentira a representaação parlamentar...O país,de norte a sul,de leste aa oeste,está nas mãos ávidas e rapaces de oligarquias contituídas, de negocistas sem escrupulos,de espertalhões,de politiqueiros cínicos.[..]" Everardo Dias

(Da seção de cartas de O Estado de S.Paulo,julho de 1924)

Se em 1924, já havia um a mídia jornalística sabendo das coisas, o que aconteceu nesses anos que se passaram foram o que ? Prostituição de classe?

Queremos mais Arnauldos Jabores!!!!!!!

Onde está a honestidade ? DE NoEL Rosa,interpretada pela ORQUESTRA IMPERIAL.

Queremos mais Noéis Rosa!!!!

Acorda POVão !!!! dia 7 de setembro taí vamos fazer Barulho !!!! as 17:00 !!!
PANELAÇO!!@!!!!!!!NELES !!!!!!

Barbara Gonçalves e TRIO GARAHPA Carioca - SEXTA 28 , NO TABOCA - JACARÉPAGUA

2009-08-24T22:08:00.004-03:00

Click na imagem para aumenta-la!!!

A voz delicada e venal da cantora Bárbara Gonçalves e se unem com o Trio Garahpa Carioca, está união resulta em uma apresentação com o fino Samba de RAiz Carioca, com delicados arranjos de Cartola, Nelson Sargento, Noel, Chico Buarque, Clara Nunes, Gonzaguinha, Paulinho da Viola entre outros, além de passear pelo Jôngo, Partido Alto e Sambas de Breque e algumas coisinhas de um verdadeiro BAILE DE QUINTAL contundo ainda com outros ritmos brasileiros: Xotes, Baiões e Xaxados.
Já o trio é Formado por Músicos experientes da noite do Rio são eles: Tulio Pereira (voz e Violão), Pedro Cantalice (cavaco, violão tenor e Bandolin) e Marcello Babilônia na cozinha e afins....
E o CALDO da nossa GEMA !!!! autêntica e Carioquíssima!!!!

Eles estarão nesta SEXTA 28 de agosto, no Taboca em Jacarépagua a partir das 21:00,
a produção fica por conta da CHANDOHA PRODUÇÕES MUSICAIS!!!

Desabafo... por Raphael Pereira, artigo publicado na Revista `` A Voz do Escriba ´´

2009-08-20T09:42:00.002-03:00

Caro Leitores do meu Blog, estou postando este Texto, escrito pelo meu irmão DEMOLAY Raphael Pereira, que foi publicado na revista a `` A voz do escriba ´´, pelo motivo e convocá-los para uma reflexão e questionamentos sobre nossos hábitos e valores sociais.

Desabafo

Vivemos em uma era conturbada onde o orgulho, vaidade e o individualismo estão à flor da pele. Estamos, novamente, em um período turbulento na História Mundial, tudo aponta para um grande conflito que colocará milhões de pessoas inocentes em risco para levantar a bandeira do orgulho e do poder.

Muitos líderes de Estado devem pensar que podem ultrapassar as fronteiras de seus países e decidir o que é melhor para a população de outro ou que ele pode ser a supremacia mundial só por ter uma região mais desenvolvida do que muitos países onde a fome assola seres humanos.

Vivemos em um Planeta onde uma religião disputa com a outra a palavra do pai celestial e esquece-se de pregar o amor ao semelhante, onde a ganância pelo poder (dinheiro) é sinônimo de felicidade e saúde, onde nós, jovens, estamos a mercê das drogas, bebidas e outros vícios e que a sabedoria é ‘produto’ para poucos.

Às vezes me questiono para que rumo vamos trilhar? Será para a destruição, devastação da condição da vida humana ou ainda podemos retomar os valores da humildade e tolerância com objetivo de uma vida melhor?

Assim, espero que pensemos sobre os questionamentos acima para formarmos uma “frente de combate” contra todas as idéias que avilta o mundo em que vivemos.

Raphael Pereira

Capítulo Moacyr Arbex Dinamarco n° 274
www.gm-mad.com.br/portal

RAUL SEIXAS - "O ROCK..N..ROLL MORREU EM 59" - entrevista a revista bizz em 86!!!

2009-08-17T14:06:00.003-03:00

RAUL SEIXAS - "O ROCK..N..ROLL MORREU EM 59"
Revista Bizz de janeiro de 1986

Recém-chegado de uma mini-turnê transamazônica, quando tocou até nos garimpos de Serra Pelada, O grão-vizir do rock brasileiro recebeu Luisa de Oliveira e Alídê Vogt para uma das mais reveladoras entrevistas de sua carreira. Temas como sua prisão no governo Geisel, seus contatos com John Lennon, a importância de se levantar a gola da camisa e de não abrir as pernas para as caixas registradoras. Sem mais delongas, portanto...

BIZZ - Como foram os shows na Amazônia?
Raul - Fantástico, os garimpeiros ficaram fascinados. Eu li todo o manifesto de Aleister Crowley ("Faze o que tu quiseres, será tudo da Lei...") e eles aplaudiram e sentiram cada palavra. Agora o pessoal que manda mesmo é uma bandidagem danada. Barra pesadíssima.

BIZZ - Você mantém grupo fixo?
Raul - Procuro sempre conservar o pessoal que toca comigo, mas existe também um critério que diferencia músicos de show e músicos de estúdio. Estes eu uso sempre os mesmos: Paulo Cezar Barros, Ivan Mamão, do Azimuth... É gente acostumada a plugar, ir até a mesa de mixagem, fazem o trabalho deles em tranqüilidade e ganham por hora. Músico de show não, vive a aventura de cair na estrada.

BIZZ - O Wagner Tiso já não tocou com você?
Raul - Tocou sim, em 73. Foi uma experiência estranha. Ele, o Fredera do Som Imaginário, só gente da bossa nova... e saía rock. De vez em quando ele dava um acorde errado para eu sair do tom. E eu ainda cantava em inglês! (risos)

BIZZ - Quando você começou a ouvir rock?
Raul - Eu tinha nove anos e morava perto do consulado americano. Andava muito com o pessoal de lá e foram eles que me apresentaram Little Richard (o primeiro que fez minha cabeça), Howlin.. Wolf, Bo Diddley, Chuck Berry...

BIZZ - E quando você começou a tocar?
Raul - Eu já tocava profissionalmente aos dez anos, nos Relâmpagos do Rock... Eu tinha um amplificador que era um rádio de válvula do meu avô, adaptado pelo meu pai. O fio era curto e a gente tinha de ficar preso ao rádio. Isso em 54, 55, ninguém sabia o que era rock. Eu tocava e me atirava no chão, imitando o Little Richard, como eu via nos filmes que os americanos passavam. E sempre notava que as primeiras filas ficavam vazias. É que as mães pensavam que eu era epilético, com meu topete de brilhantina e camisa aberta com gola levantada. Tocamos assim até 66, quando fui gravar Raulzito e Seus Panteras. É um disco tão bonito... eu tinha voz de tenorino.

BIZZ - Como era o rock baiano na época?
Raul - Eram poucos os conjuntos... The Gentlemen, Os Ninos, onde tocava o Pepeu. Até dei uns cascudos nele por roubar meus acordes (risos). Mas o pessoal que vinha do Rio ouvia falar de um grupo baiano que mais entendia de rock..n..roll. Assim, acompanhamos todo mundo da Jovem Guarda (eles viajavam sozinhos): Ed Wilson, Roberto Carlos, Wanderléa, Jerry Adriani, Wanderley Cardoso. Mas gostava era dos Jet Blacks, que assim meio Ventures.

BIZZ - Os direitos autorais valem a pena?
Raul - Valem sim. Eu gosto muito de gravar, mais do que de dar show. Estou mais para cientista - gosto de ficar brincando com os tubinhos de ensaio dentro do estúdio, ver explodir e dar aquela risada, que nem aquele cachorro (ri à la Mutley). Prefiro ver tudo explodir do que me expor.

BIZZ - Você não gosta do palco?
Raul - Eu curto o palco, na hora em que eu entro acaba tudo. Como disse John Lennon, "eu vomito toda vez que vou subir ao palco". Com 40 anos de idade ainda fico nervoso!

BIZZ - Como era tocar rock nos anos 50?
Raul - A bossa nova surgiu junto com o cha-cha-cha, e o rock..n..roll, junto com uma influência do calipso. Era chique tocar bossa nova e o cha-cha-cha até que era permitido. O rock era outra história: eu tinha que ir até o clube das empregadas para dançar com elas. A empregada lá de casa era minha fã. Chegou uma vez para a minha mãe e disse que tinha dançado comigo. Minha mãe quase morreu... E eu ia dançar também com o pessoal da TR, uma transportadora de lixo. Era a moçada que curtia rock. A bossa nova era com o pessoal do Teatro Vila Velha. Na sociedade não se falava em rock, era coisa de empregada.

BIZZ- Você era marginalizado por isso?
Raul - Se era. Eu freqüentava Iate e o Tênis, que eram os clubes mais metidos a besta de Salvador. Chegava de camisa vermelha, com gola levantada, e ficava encostado num canto tomando cuba-libre enquanto os outros dançavam. Mas não me importava, achava ótimo, importante, tipo "tô revolucionando tudo".

BIZZ - E o que você acha do rock agora?
Raul - Dizem que se faz rock..n..roll por aí. Pra mim, ele morreu em 59. Rock..n..roll era um comportamento, James Dean, todo momento histórico. Aí veio o caos quando as indústrias não podiam mais parar de fabricar discos. Quando entrou a década de 60, botaram Chubby Checker para cantar "Hava Naguila", inventaram o hully-gully e o twist, tudo invenção de fábrica. O movimento já tinha passado. Eu chamaria de rock o que existe agora. Do Led Zeppelin, por exemplo, eu gosto - é uma abertura para dizer algumas coisas. O pior é que no Brasil não se está dizendo nada. Acho que voltamos àquela época de Cely e Tony Campello, em que se fazia rock "papai e mamãe". Mas tem o Kid Vinil querendo fazer rock mais antigo... Ele entende muito de rock.

BIZZ - Você não gosta de ninguém?
Raul - Gosto do Camisa de Vênus. A arte é o espelho social de uma época. As letras acabam inseridas dentro do ponto de vista está do que está acontecendo, tipo Nova República (risos). A TV Globo esses controla esses conjuntinhos todos.

BIZZ- E você?
Raul - Eu continuo fazendo meu trabalho. Você vê o Metrô Linha 743 (N. da R.: último LP de Raul), ele foi completamente podado pelaa Som Livre. Aliás, aproveito esta entrevista para pedir a rescisão do meu contrato. Quando eu gravei o LP, fui para os EUA e gastei oito mil dólares do meu dinheiro para pesquisar filmes em preto e branco. A música do Metrô linha 743 é preta e branca. Ela é de pau e briga, não tem nada de colorida. Aí eles não tocaram, não divulgaram. Ficou por aí...

BIZZ - E você quer continuar dando murro nessa ponta de punhal?
Raul - Quero e quero, vale a pena. Caso contrário, não durmo à noite. Estamos vivendo uma época caótica mesmo, mas este caos é o prenúncio de uma nova era. De dez em dez anos, ou de quinze em quinze, as coisas mudam. Nada de Nova República, nada disso... As coisas mudam no planeta Terra. Como aconteceu nos anos 50 com a geração pós-guerra.

BIZZ - E sua "Sociedade Alternativa"?
Raul - Continua vigorando o tempo todo, não importa de que maneira. São alternativas concretas mesmo, que têm de se solidificar. Mas não mais com palavras, nem com porta-estandarte... Até já fui expulso do país por isso.

BIZZ - Chegaram para você e literalmente mandaram embora?
Raul - "Literalmente" é choque no saco. Fui torturado mesmo no governo Geisel. Me pegaram lá no aterro do Flamengo, me botaram uma carapuça e fiquei uns bons três dias num lugar desconhecido. Aí vieram três pessoas: um bonzinho, outro mais inteligente - que faziam as perguntas - e um mais "agreste". Depois me colocaram num aeroporto e fui para Greenwich Village (bairro nova-iorquino).

BIZZ - Foi lá que você conheceu John Lennon?
Raul - Eu já me correspondia com ele. Eu e o Paulo Coelho (letrista, parceiro de Raul). Ele estava com um movimento chamado New Utopia. Conversamos sobre tudo isto e sobre as grandes figuras mundo. Ele ficava me perguntando sobre História do Brasil, queria saber quem tinha sido Dom Pedro..

BIZZ - Vocês chegaram a armar alguma coisa?
Raul - Não, porque eu tive de ir para a Georgia. Assim que eu voltei, o pessoal do consulado brasileiro veio em casa, dizer descaradamente que "Gita" estava fazendo maior sucesso, que era para eu voltar, que eu era patrimônio nacional. Mas vi muita coisa por lá. Toquei com Jerry Lee Lewis em Memphis, numa boate... ele me acompanhando no piano e eu cantando "Long Tall Sally" (um dos clássicos de Little Richard). Aí os americanos batiam palmas, pediam outra música enquanto eu me dizia: "Que diabo estou fazendo aqui, um baiano cantando rock em Memphis, Tennessee" Fiquei doido.

BIZZ - Nas gravadoras a sacanagem sobrepuja a honestidade?
Raul - Sim. Eu pulei de uma para outra porque nunca tive controle, nem com quem falar. A Som Livre é a pior de todas...

BIZZ - Então com quem você fala?
Raul - Com o público. Tenho um trabalho quase pronto para um disco novo.

BIZZ - Como vai ser?
Raul - Antes de tudo um disco raul-seixista. Depois, um barroco-rock. Vou utilizar alguns dos instrumentos que vocês viram aí, medievais e renascentistas, mas que se adaptam muito bem à cozinha baixo elétrico/bateria.

BIZZ - O "Rock das Aranhas" continua censurado?
Raul - Continua. Sabe o que eu tenho vontade de fazer? Um compacto com "Mamãe Eu Não Queria Servir o Exército" de um lado e "Rock das Aranhas" do outro. O problema é que um é da Som Livre e outro da CBS (canta "Mamãe Eu Não Queria..."). Sabe que é o maior sucesso quando eu toco isso? Todo mundo canta. E não toca no rádio.

BIZZ - Qual seria a banda dos seus sonhos? Vale quem está vivo e quem já morreu. ..
Raul - Os Beatles, não tem papo, eles foram incríveis mesmo. E a banda que acompanhava Elvis em 54/55: Scotty Moore, Bill Black e DJ. Fontana. Bateria, baixo de pau e guitarra... só isso e os caras faziam a festa, incrível!

BIZZ - Numa entrevista recente, você chamou os Paralamas de Parachoques do Fracasso. Por quê?
Raul - Foi uma brincadeira. Eu gosto deles sim, mas naquela linha que não é rock..n..roll. O que os conjuntos atuais precisam entender é que eles não têm de acompanhar o processo a que estão sendo induzidos inocentemente. Eles não têm uma estrutura sólida, estão aceitando ir com a corrente, totalmente disponíveis. Foi o que aconteceu com os hippies que, com o tempo, passaram até a comprar roupas "hippies" nas lojas do Sistema.

BIZZ - E o punk?
Raul - Também é moda, nada que atinja os alicerces do Sistema. O Sistema vai reverter e capitalizar em cima, se é que isso já não aconteceu...

BIZZ - E o que resiste a tudo isso, em termos de música?
Raul - É a verdade, é o coração. Aqueles escolhidos que não são afetados pela passagem do tempo. João Gilberto.

BIZZ - Quem mais no Brasil?
Raul - Vou dar um exemplo contrário. Vocês se lembram do Gilberto Gil na Tropicália? Agora aparece fazendo propaganda de jeans, com cabelo de rock, um cara que me esculhambava! Fui banido por eles, a turma da Bossa Nova, música pela música, arte pela arte... Depois o cara vira jamaicano e agora é rock?!?! Já o João Gilberto é um cara sincero. Arnaldo Baptista, Serginho Dias... os Mutantes todos, gosto deles.

BIZZ - Você sempre teve fama de irresponsável. É uma injustiça?
Raul - Eu sou teimoso e todos querem que eu seja certinho. Eu não, sou chato mesmo, "mosca na sopa" até hoje. Sou mais anárquico do que irresponsável, mas sei jogar. Se você mover uma peça errada, dança... é difícil.

BIZZ - E os OVNIS?
Raul - Em 73 eu comecei a falar nisso. Aí me encheram tanto que eu parei.

BIZZ - "Ouro de Tolo" aconteceu por causa deles, não?
Raul - A música rolou porque eu vi um disco voador. Foi um toque estranho mesmo, me senti impelido. Eu vomitei aquela música, não foi devagar não. Foi na Barra da Tijuca e durou uns dez minutos. E eu sou cético, agnóstico...

BIZZ - A humanidade evolui ou regride?
Raul - Isso é uma pergunta que você fez. Tem um livro meu de metafísica em que questiono a tese aristotélica, das cinco perguntas básicas: por que, quem, onde, como, qual... Não existem perguntas porque não existem respostas. Não existem respostas porque não existem perguntas. Eu não pergunto mais. As coisas são. Nós somos verbos. Somos e estamos, é a única coisa que a gente sabe. Conjecturar, quem há de? E é bonito assumir essa coisa de somente ser... Está todo mundo perguntando até hoje e ninguém tem resposta.

A PERCEPÇÃO DO TEMPO NO MUNDO MODERNO, A MÚSICA E A CIÊNCIA. Autor DO TEXTO: O amigo, parceiro, professor de história e violonista Gilberto Vieira.

2009-07-27T18:26:00.008-03:00

Meu amigo esta de novo no banco dos Sabídos, acadêmico do curso de Licenciatura de Música pela Uni-Rio, me mandou este excelente texto, que na verdade foi seu trabalho na matéria História da Música I, não resisti após ler o texto ,precisava dividir com vocês este relato muito bem escrito entre a música e a história dos homens...

se deleitem....

A PERCEPÇÃO DO TEMPO NO MUNDO MODERNO, A MÚSICA E A CIÊNCIA.

“A arte como expressão não é apenas alegoria e símbolo.
É algo mais profundo, pois procura exprimir o mundo através do artista.
Ao fazê-lo, leva-nos a descobrir o sentido da Cultura e da História.”

“A música é um fenômeno fisicamente mensurável, que se move no tempo.
É universal na humanidade: a tendência para criar música está presente em nosso sistema
nervoso, juntamente com nossa propensão à fala, de modo que constitui
um material adequado para a avaliação de todas as sociedades e eras.”

“A música só pode existir na sociedade;
não pode existir (...) meramente como uma página impressa,
pois ambas pressupõem executantes e ouvintes.
Está, pois, aberta a todas as influências que a sociedade pode exercer,
bem como às mudanças nas crenças, hábitos e costumes sociais.”

“O som do mundo é ruído (...) e a música trabalha para extrair-lhe ordenação. (...)
As sociedades existem na medida em que podem fazer música, ou seja,
travar um acordo mínimo sobre a constituição de uma nova ordem
entre as violências que possam atingi-las do exterior e
as violências que as dividem a partir de seu interior.”

É possível afirmar que um ponto convergente entre arte e ciência seja o fato de ambas poderem representar inquietações e anseios socioculturais da humanidade. Apesar de percorrerem caminhos, em princípio, distintos e muitas vezes incongruentes, em alguns contextos históricos tanto a arte quan-to a ciência interelacionam-se por meio de temas comuns.

A concepção do tempo enquanto uma di-mensão absoluta, regular e métrica e seu processo de naturalização na passagem do fim da Idade Mé-dia para a Modernidade é um desses temas. O desenvolvimento da polifonia, a partir do século XII, a necessidade um sistema de notação que desse conta de tal estrutura musical, a gradativa retomada do pensamento racional grego e a revolução científica do século XVI, são alguns dos pontos que podem elucidar o campo de interelações entre imaginário, representação social, desenvolvimento da música e da ciência.

A civilização ocidental passou por profundas transformações durante o complexo processo que constituiu a Modernidade. Uma série de fatores pode ilustrar tal passagem, mas, em termos culturais, a gradativa retomada do pensamento grego e o desenvolvimento da Razão e da ciência redefiniram a maneira de se compreender a realidade. O olhar teológico não mais seria hegemônico enquanto matriz explicativa do mundo.

O heliocentrismo e a descrição do universo por meio de leis matemáticas muda-riam para sempre a imaginação humana acerca do espaço. Mas foi a percepção do tempo, enquanto variável independente do movimento, cujo fluxo poderia ser descrito em termos matemáticos, que pro-duziria uma visão de mundo totalmente nova. “Esse conceito de um fluxo de tempo mensurável e inde-pendente parece-nos tão natural que é preciso um esforço para nos lembrarmos de que essa é uma invenção bem recente na civilização ocidental. (...) O que para nós é evidente foi uma noção revolucio-nária que fez sua primeira aparição no século XIII e se tornou uma das pedras fundamentais da civiliza-ção ocidental. Pois, sem o tempo métrico, a ciência, a tecnologia e a indústria nunca poderiam ter vindo a existir.”

Entretanto, como esse tempo simbólico e artificial foi se tornando parte da intuição comum e do modelo sensorial da humanidade? A música pode ser um elo dessa questão e a polifonia, a sua principal chave. O desenvolvimento da estrutura musical composta por várias vozes, compreendido entre o can-to gregoriano, no século XI, e o ápice da polifonia, nos séculos XV e XVI, trouxe consigo a necessidade de se inventar e se aperfeiçoar um sistema de notação que pudesse dar conta da ordem, do registro, da leitura e da prática desse novo tipo de composição. O percurso entre um modelo ao qual a métrica da melodia era determinada absolutamente pelo texto litúrgico executado em vozes uníssonas ou às vezes paralelas, para um outro ao qual as linhas melódicas passaram a transcorrer com ritmos, alturas e mesmo textos, religiosos ou não, independentes e simultâneos, revolucionaram a teoria e a prática mu-sical. “Quando se pretende cantar em uníssono, começar e parar não são difíceis. Quando se pretende cantar polifonicamente (...) começar ao mesmo tempo pode ser fácil, mas, a partir desse instante, tudo tende a resvalar para a anarquia. Tem-se necessidade da orientação de formas rigorosas e de um dita-dor temporal; é preciso saber para onde se vai e com que ritmo se deve marchar.”

Pela percepção intuitiva do ser humano, o tempo da vida pode ser organizado por relógios bio-lógicos que se ajustam de acordo com ritmos próprios aos eventos do meio ambiente. Assim, a per-cepção de um tempo uniforme, matemático e independente é abstrata à natureza humana. Portanto, foi no âmbito da música que, pela primeira vez na história da humanidade, tornou-se condição imprescin-dível o reconhecimento de que o fluxo temporal deveria ser organizado em termos métricos e represen-tando por unidades regulares. “Escrever a estrutura polifônica era o equivalente a encontrar uma for-ma simbólica de representar e comparar durações (...) [em] uma estrutura temporal cujos componen-tes têm de se ajustar (...) até que e a menos que o perfil de cada melodia possa ser regulado pela mes-ma unidade de tempo.”

O processo que tornou natural essa nova percepção do tempo, provavelmente teve a Educação como seu principal eixo. Desde o fim da Idade média, as classes européias instruídas tiveram contato com essas questões da teoria musical, na medida em que essa disciplina era compulsória no estudo de alto nível. “A música era um dos componentes das quatro entre as sete artes liberais conhecidas co-mo quadrivium [aritmética, geometria, astronomia e música] no qual eram formados todos os estudan-tes superiores da Idade Média.”

Assim, no século XVI, quando a ciência passa a compreender o fluxo do tempo como uma variável absoluta e matematicamente representável, de alguma forma, esse mode-lo sensorial já vinha sendo assimilado por essas elites culturais em seu contato com a teoria, a prática e a notação musical, tornando comum a intuição do tempo mensurável.
Todo o desenvolvimento da civilização ocidental moderna e contemporânea está, em grande parte, associado à evolução da ciência e da tecnologia. A compreensão matemática do fluxo de tempo foi um conceito imprescindível para tal processo.

Entretanto, antes de quaisquer teorizações científi-cas, foi no âmbito da música que os problemas da medição do tempo tiveram suas primeiras respostas conceituais e práticas. O desenvolvimento da polifonia trouxe consigo a própria necessidade de se pensar o tempo em termos absolutos. Foi a partir de então que, junto a inúmeros outros fatores de or-dem filosófica, política e socioeconômica, o tempo foi deixando de ser percebido como uma dimensão atrelada ao espaço, aos eventos naturais e ao cristianismo, em sua liturgia e em suas representações, para passar a ser determinado pela Razão e pelo cientificismo – as novas matrizes ideológicas do poder no mundo moderno.

13 de Julho - dia do Rock and Roll - eu QUERO É ROCK!!!!!!

2009-07-13T14:25:00.008-03:00

oS bASTIDORES DOS ANOS 50...

A música rock (ou simplesmente rock) é um termo abrangente para definir gênero musical popular que se desenvolveu durante e após a década de 1960. Suas raízes se encontram no rock and roll e no rockabilly que emergiu e se definiu nos Estados Unidos da América no final dos anos quarenta e início dos cinqüenta, que evoluiu do blues, da música country e do rhythm and blues, entre outras influências musicais que ainda incluem o folk, o gospel, o jazz e a música clássica. Todas estas influências combinadas em uma simples estrutura musical baseada no blues que era "rápida, dançável e pegajosa".[1]

No final dos década de 1960 e início dos anos setenta, o rock desenvolveu diferentes subgêneros. Quando foi misturado com a folk music ou com o blues ou com o jazz, nasceram o folk rock, o blues-rock e o jazz-rock respectivamente. Na década de 1970, o rock incorporou influências de gêneros como a soul music, o funk e de diversos ritmos de países latino-americanos. Ainda naquela década, o rock gerou uma série de outros subgêneros, tais como o soft rock, o glam rock, o heavy metal, o hard rock, o rock progressivo e o punk rock. Já nos anos oitenta, os subgêneros que surgiram foram a New Wave, o punk hardcore e rock alternativo. E na década de 1990, os sub-gêneros criados foram o grunge, o britpop, o indie rock e o nu metal.

O som do rock muitas vezes gira em torno da guitarra elétrica ou do violão e utiliza um forte backbeat (contratempo) estabelecido pelo ritmo do baixo elétrico, da bateria, do teclado, e outros instrumentos como órgão, piano, ou, desde a década de 1970, sintetizadores digitais. Junto com a guitarra ou teclado, o saxofone e a gaita (estilo blues) são por vezes utilizados como instrumentos solo. Em sua "forma pura", o rock "tem três acordes, um forte e insistente contratempo e uma melodia cativante".[2]

Início dos 1950 até 1960

Rock and roll
Artigo principal: Rock and roll

Chuck Berry,o Rock and roll surgiu nos Estados Unidos da América no final da anos 1940 e início da década de 1950 e rapidamente se espalhou para o resto do mundo. Suas origens imediatas remontam em uma mistura entre vários gêneros musicais populares naquele momento, incluindo o rhythm and blues, a gospel music, o country e o western.[3] Em 1951, na cidade de Cleveland (no Estado do Ohio), o discotecário Alan Freed começou a tocar rhythm and blues para uma platéia multi-racial e a ele é creditado a primeira utilização da expressão "rock and roll" para descrever a música.[4]

Existe muita discussão sobre qual deveria ser considerada a primeira gravação rock & roll. Uma forte candidata é "Rocket 88", de Jackie Brenston e os Delta Cats (na verdade, Ike Turner e sua banda The Kings of Rhythm), gravada e lançada pela Sun Records de Sam Philips em 1951.[5][6]Quatro anos depois, em 1955, "Rock Around the Clock" de Bill Haley se tornou a primeira canção de rock and roll a chegar ao topo da parada de vendas e execuções da revista Billboard e abriu caminho mundialmente para esta nova onda da cultura popular.

Mas uma edição da revista Rolling Stone de 2004 argumentou que "That's All Right (Mama)", de 1954, o primeiro single de Elvis Presley (com Scotty Moore na guitarra e Bill Black no baixo) para a Sun Records em Memphis foi o primeiro registro de rock and roll na história e a criação do som "rockabilly" caractéristico da Sun Records.[7][8][9]. Mas, àquela altura, "Shake, Rattle & Roll" de Big Joe Turner, posteriormente regravada por Haley, já estava no topo da parada R&B da Billboard. Outros artistas que lançaram os primeiros sucessos do rock and roll foram Chuck Berry, Bo Diddley, Fats Domino, Little Richard, Jerry Lee Lewis e Gene Vincent.

A década de 1950 assistiu ao crescimento da popularidade da guitarra elétrica e o desenvolvimento de um estilo de rock and roll especificamente tocado por expoentes tais como Berry, Link Wray e Scotty Moore. Também viu grandes avanços na tecnologia de gravação, como a gravação multi-faixas desenvolvida por Les Paul e o tratamento eletrônico de sons por produtores musicais inovadores como Joe Meek. Todos estes avanços foram fundamentais para a influência do rock posteriormente.

Os efeitos sociais do rock and roll foram massivos e mundiais. Muito além de um simples estilo musical, o rock and roll influenciou estilos de vida, moda, atitudes e linguagem. Alguns acreditam que o novo gênero pôde ter ajudado a causa do movimento dos direitos civis nos EUA, porque tanto jovens brancos quanto negros apreciavam a nova música. No entanto, até o início da década de 1960, grande parte do impulso inicial musical e do radicalismo social do rock and roll tinha se dissipado, com o crescimento de ídolos teen, uma ênfase nas danças frenéticas e o desenvolvimento de uma leve música pop adolescente. Nos anos 60 surgiu o som da Motown. De 1961 a 1971, havia 110 músicas da gravadora na listas das 10 mais tocadas, e artistas como Stevie Wonder, Marvin Gaye, The Supremes, The Four Tops, e The Jackson 5, todos gravaram na Motown. Todos os cinco artistas da Motown foram introduzidos no Rock and Roll Hall of Fame.

Rock britânico e Invasão Britânica
Artigo principal: Rock britânico

NO Reino Unido, o movimento trad jazz levou muitos artistas do blues a visitar o país. Enquanto estava desenvolvendo o Concorde, o sucesso "Rock Island Line", de Lonnie Donegan, em 1955, foi a principal influência e ajudou a desenvolver uma nova tendência de grupos musicais de skiffle em todo a Grã-Bretanha, incluindo os Beatles. Foi em solo britâncio que se desenvolveu uma grande cena rock and roll, sem as barreiras raciais que mantiveram a "gravações de raça" ou rhythm and blues separados nos Estados Unidos.

Cliff Richard emplacou o primeiro sucesso britânico de rock 'n' roll com "Move It", que efetivamente inaugurou o rock britânico. No início da década de 1960, o seu grupo de apoio The Shadows foi um dos vários grupos a obter sucessos instrumentais. Enquantoo o rock 'n' roll caminhava em direção a um pop leve e a baladas fora de moda, grupos de rock britânicos, fortemente influenciados por pioneiros do blues-rock como Alexis Körner, tocavam cada vez mais em clubes e bailes locais e se distanciavam do rock and roll dos brancos norte-americanos.

Até o final de 1962, a cena do rock britânico tinha ganhado grupos como Beatles debruçados sobre um vasto leque de influências que incluiam a soul music, o rhythm and blues e a surf music. Inicialmente, eles reinterpretaram sucessos-padrão norte-americanos, tocados para dançarinos de twist, por exemplo. Esses grupos acabaram introduzindo em suas composições originalidade, som distinto e conceitos musicais cada vez mais complexos. Em meados de 1962, os Rolling Stones foram um dos numerosos grupos surgidos e que mostravam uma influência blues cada vez maior, juntamente com os Animals e os Yardbirds. No fim de 1964, as bandas The Kinks, The Who e The Pretty Things representavam o novo estilo Mod. Perto do final da década, grupos de rock britânico começaram a explorar estilos musicais psicodélicos que faziam referência a subcultura das drogas e experiências alucinógenas.

Garage rock
Artigo principal: Rock de Garagem
A Invasão Britânica gerou uma onda de imitadores que tocavam principalmente para audiências locais e fizeram gravações baratas,que mais tarde seria chamado de "garage rock" (rock de garagem). Algumas canções desta tendência foram incluídas na coletânea musical Nuggets. Dentre algumas das bandas mais conhecidas deste sub-gênero estão The Sonics, Question Mark & the Mysterians e The Standells.

Surf music
Artigo principal: Surf music
O rockabilly influenciou um som selvagem e principalmente instrumental chamado surf music - apesar da cultura surf se considerar concorrente da cultura juvenil do rock and roll. Este estilo, que tem como grandes exemplos Dick Dale e os Surfaris nos EUA e os Shadows, caracterizou-se por tempos musicais rápidos, percussão inovadora e sons de guitarra com reverbs e ecos. Grupos da Costa Oeste norte-americana como The Beach Boys e Jan and Dean reduziaram a velocidade dos tempos musicais e adicionaram harmonias vocais que criaram aquilo que ficaria conhecido como o "California Sound".

Movimentos contraculturais (1963-1974)
Artigo principal: contracultura
No final da década de 1950, o movimento beatnik foi associado ao movimento antiguerra surgido contra a nuclearizanção do planeta, especialmente o britânico Campaign for Nuclear Disarmament. Ambos foram associados a cena jazz e ao crescimento do movimento da música folk.

Folk rock
Ver artigo principal: Bob Dylan e Folk rock
A cena folk foi feita de amantes da folk music que gostavam de instrumentos acústicos, de canções tradicionais e de blues com uma mensagem socialmente progressista. O cantor Woody Guthrie é considerado o pioneiro deste sub-gênero. Bob Dylan encabeçou o movimento musical e levou a um grande público canções como "Blowin' in the Wind" e "Masters of War", chamadas de "canções de protesto".

O grupo The Byrds, que regravou Mr. Tambourine Man, também de Dylan, auxiliou na difusão da tendência do folk rock e a estimular o desenvolvimento do rock psicodélico. Dylan emplacou "Like a Rolling Stone" no topo da parada norte-americana de singles da Billboard. A inventividade das letras de Neil Young, associadas aos gemido de sua guitarra, iniciaram uma variação do folk rock.

Dentre outros artistas de destaque do folk rock norte-americano, estão Simon & Garfunkel, Joan Baez, The Mamas & the Papas, Joni Mitchell, Bobby Darin e The Band. Na Grã-Bretanha, o grupo Fairport Convention foi o primeiro a adaptar as técnicas do rock britânico ao folk. Foram seguidos por bandas como Steeleye Span, Lindisfarne, Pentangle e Trees. O francês Alan Stivell seguia a mesma abordagem.

Rock psicodélico
Artigo principal: rock psicadélico
A música psicodélico surgiu dentro da cena folk, quando o grupo The Holy Modal Rounders popularizou o termo em 1964. Com um conhecimento adquirido que incluia as músicas folk e jug band, grupos como Grateful Dead e Big Brother & The Holding Company fizeram fama neste sub-gênero. O auditório The Fillmore, em San Francisco, foi um dos principais palcos para grupos - originalmente de jug band - como o Country Joe and the Fish e Jefferson Airplane. Em outra parte, enquanto o grupo The Byrds emplacava o hit "Eight Miles High", a banda The 13th Floor Elevators batizava seu disco com o nome "The Psychedelic Sounds of the 13th Floor Elevators". A música ficava cada vez mais associada à oposição à Guerra no Vietnã.

Na Inglaterra, o grupo Pink Floyd vinha desenvolvendo desde 1965 o rock psicodélico dentro da cultura underground local. Em 1966, surgiu a banda Soft Machine o cantor Donovan emplacou "Sunshine Superman", canção influênciada pela folk music, que se tornou uma das primeiros gravações pop psicodélicas. Em agosto daquele ano, os Beatles lançaram Revolver, álbum caracterizado pela psicodelia nas faixas "Tomorrow Never Knows" e "Yellow Submarine", assim como a memorável capa do disco. Ao mesmo tempo, nos EUA, os Beach Boys "respondiam" com o LP Pet Sounds. A partir de uma bagagem cultural blues rock, o grupo Cream estreou em dezembro e Jimi Hendrix fazia sucesso em terras britânicas antes de retornar para o solo norte-americano.

A cena psicodélica verdadeiramente engatou em 1967 com os lançamentos de LPs como Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, dos Beatles, e Their Satanic Majesties Request, dos Stones, além dos álbuns homônimos de estréia das bandas The Doors e Jefferson Airplane. Com o Verão do Amor atingindo seu pico, o Festival Pop de Monterey destacou as performances de Jefferson Airplane e apresentou Janis Joplin e Jimi Hendrix. O auge desta tendência de grandes festivais de rock foi o Festival de Woodstock, em 1969. Bandas da cultura Paisley Underground de Los Angeles também se destacaram neste cenário pós-final de década.

Rock Progressivo
Artigo principal: Rock Progressivo
As bandas de rock progressivo foram além das fórmulas estabelecidas dentro do rock e passaram a experimentar diferentes instrumentos, tipos de canções e formas musicais. Algumas bandas como Beatles, Eric Burdon & The Animals, Pink Floyd, Moody Blues e Procol Harum experimentaram novos instrumentos que incluindo seções com instrumentos de sopro e orquestras. Muitas dessas bandas caminharam das convencionais canções de três minutos em direção a composições mais longas, com acordes cada vez mais sofisticados. Inspirados em artistas daquela época, os "proto-prog", novas bandas surgiram e criavam seu próprio gênero, inicialmente baseado no Reino Unido, depois do lançamento do disco de estréia do grupo King Crimson, em 1969, chamado "In the Court of the Crimson King".

As bandas de rock progressivo tomavam emprestado idéias musicais da música clássica, do jazz, da música eletrônica e da música experimental. Suas canções variavam de uma belas e exuberantes melodias para atonais, dissonantes, e complexas harmonias. Poucos grupos atingiram grande sucesso comercial, mas muitos formaram uma legião de seguidores, entre os quais, Pink Floyd, Yes, Marillion, Rush, Jethro Tull, Genesis e alguns outros grupos menos notáveis que foram capazes de alavancar a complexidade de suas canções no bojo de sucesso convencionais, angariando um público maior.

Glam rock
Artigo principal: Glam rock
O Glam rock emergiu de dentro das cenas psicodélica e art rock britânicas no final da década de 1960, capitaneado por artistas como T. Rex, Roxy Music, Steve Harley and Cockney Rebel e David Bowie, e também inspirados na performance de artistas como The Cockettes, Lindsay Kemp, Syd Barrett (vocalista do Pink Floyd, banda a qual David Bowie regravou "See Emily Play") e Eddie Cochran (de quem o T. Rex's regravou "Summertime Blues").

Segunda metade da década de 1970 e anos 1980

Hard rock e heavy metal
Ver artigo principal: heavy metal e hard rock

Judas Priest encabeça o "Sweden Rock Festival" de 2008.Uma segunda leva de bandas de rock britânicas e norte-americanas se tornou popular durante o início da década de 1970. Grupos como Scorpions, Grand Funk Railroad, Led Zeppelin, Kiss, AC/DC, Deep Purple, Queen, Alice Cooper, Judas Priest, Status Quo, Aerosmith, Black Sabbath e Uriah Heep intensificaram o modo de tocar, conduzindo suas guitarras rumo ao hard rock.

Este sub-gênero pereceu em direção a imitação caricatural no final daquela década. Muitos de seus adeptos lançaram álbuns mais próximos do rock progressivo ou até da disco music.

Poucas bandas - entre elas, Kiss, Black Sabbath, Queen, AC/DC, Led Zeppelin, Aerosmith e Rush - mantiveram um número significativo de fãs e ocasionalmente empalcaram sucessos comerciais. Apesar da esmagadora maioria da crítica musical ter aversão ao hard rock, este estilo musical ganhou uma sobrevida com o lançamento em 1978 do álbum de estréia da banda Van Halen. O disco ajudou a prenunciar uma era de maior comercialização do rock, estabelecida fora de Los Angeles. Depois que este "lado glam" do metal entrou em ascensão, bandas como Metallica, Slayer, Megadeth e Anthrax, conduziram o metal a sua cena original, que passou a ser chamado de heavy metal.

Arena rock
Artigo principal: Arena rock

Led Zeppelin em concerto no estádio de Chicago, em 1975.As origens do arena rock podem ser encontradas nos grandes concertos de bandas como Kiss, The Beatles, The Rolling Stones, Led Zeppelin, The Who e Black Sabbath que "criaram a base para performances ao vivo em grandes estádios e arenas ao redor do globo." [10] O estilo em si, porém, foi criado por artistas como Boston, Styx, Foreigner, Journey, Queen, Kansas, Peter Frampton e - em sua "era Phil Collins" - Genesis. Estes grupos continuariam a "lotar os maiores estádios do mundo durante a maior parte da década de 70) e mais além" e ajudar a popularizar o arena rock nos anos oitenta.

Essa popularidade atingiu o ápice na primeira metade da década de 1980, com bandas como Heart, REO Speedwagon, Cheap Trick, Asia, Bon Jovi, Kiss e Aerosmith, que "ficaram no auge de sua popularidade, vendendo milhões de discos". Naquele momento, a popularidade do arena rock somente parecia crescer, mas o sub-gênero entrou em declínio e perder adeptos para o rock alternativo e o grunge por muitas razões, entre as quais as "limitações do estilo". Muitos fãs mais jovens sentiram uma ligação mais pessoal com gêneros como o punk, a new wave e o indie rock, enquanto fãs mais velhos cansaram-se do arena rock. Outras causas incluem o "declínio nas vendas de ingressos e álbuns" e a reduação do tamanho dos estádios. By the time MTV had formed, "it no longer bore any relevance."[11]

Punk rock
Artigo principal: Punk rock

A banda The Clash em concerto em 1980As letras do punk rock são tipicamente francas e conflituosas em comparação com outros gêneros musicais populares e freqüentemente abordam questões sociais e políticas.[12] Canções como "Career Opportunities", do Clash, e "Right to Work", do Chelsea, lidam com o desemprego e a dura realidade da vida urbana. Principalmente em seu início, o punk britânico tinha como objetivo central ulttrajar e se chocar o sistema vigente. Clássicos dos Sex Pistols como "Anarchy in the UK" e "God Save the Queen" abertamente afrontavam o sistema político e os costumes sociais britânicos. "O punk foi uma completa revolta cultural. Foi uma grave confrontação com o lado obscuro da história e da cultura, com as fantasias da direita, com os tabus sexuais, uma investigação de maneira minuciosa que nunca havia sido feito antes por qualquer geração".[13]

Contudo, outros temáticas comuns se manifestaram em representações anti-sentimentais dos relacionamentos e do sexo, exemplificada em "Love Comes in Spurts", da banda The Voidoids, ou ainda a anomia que se manifestou diversas vezes inspirados pelo "Blank Generation" ou na rudeza dos Ramones, como na letra "Now I Wanna Sniff Some Glue". Outras vezes, muitas letras de punk rock tratam de assuntos já tradicionais dentro do rock, como o namoro, decepções amorosas e sair com alguém; a abordagem variava entre a falta de emoção e a simplicidade agressiva padrão dos Ramones, como em "I Wanna Be Your Boyfriend" , e um estilo mais sincero e sem ambigüidades de muitos grupos pop punks que surgiriam depois. Em 1976, os Ramones e os Sex Pistols realizaram uma turnê pelo Reino Unido, que inspirou o surgimento da primeira leva de bandas de punk britânicas, como The Clash, The Damned, The Buzzcocks e muitas outras através do princípio do "Faça você mesmo". Quando os Sex Pistols excursionaram para os Estados Unidos América, eles difundiram sua música para a Costa Oeste - quando antes, o punk era um fenômeno basicamente da Costa Leste, em especial em New York e Washington DC - e deram impulso a grupos como Dead Kennedys, X, Fear, The Germs, Circle Jerks e Black Flag.

A partir da década de 1980, o punk rock evoluiu para muitos sub-gêneros. O primeiro deles é o movimento underground hardcore punk, nascido na América do Norte. O novo som era caracterizado inicialmente por tempos extremamente acelerados, canções curtas, letras baseadas no protesto político e social, revolta e frustrações individuais, cantadas de forma agressiva. Os principais expoentes desta vertente punk foram os gruposn Black Flag, Minor Threat e Bad Brains. Este estilo se fundiu com vários gêneros e sub-gêneros, alguns dos quais experimentaram sucesso comercial, como skate punk, hardcore melódico e metalcore.

Desde sua popularidade inicial na década de 1970 e interesse renovado surgido por uma reflorescimento na década de 1990, o punk rock continua sua luta para permanecer como uma forma underground de expressão anticorporativa. Este resultaram no surgimento de outros sub-gêneros, de menor apelo comercial, como D-beat (de bandas como Discharge), anarco-punk (de bandas como Crass, grindcore (de bandas como Napalm Death) e crustcore (de bandas como Doom, Amebix, Nausea e Behind Enemy Lines). Estes estilos permanecem amplamente desconhecidos para a grande público em geral e tendem a se concentrar em questões como anarquismo, freeganismo, direitos animais, sexismo e racismo.

New Wave
Artigo principal: New Wave (música)
O punk rock atraiu devotos dentro de escolas de artes norte-americanas. Logo surgiram bandas com abordagens mais letradas e artísticas, como os Talking Heads e o Devo, que começaram a se infiltrar na cena punk. Em alguns círculos, o termo New Wave começou a ser usado para descrever e diferenciar estas bandas abertamente "menos" punk.

Se o punk rock foi um fenômeno social e musical, ele não caminhou em direção a recorde de vendas (pequenas gravadoras específicas como a Stiff Records tinham lançado muitos artistas punks até à época). O mesmo se deu com o número de execuções nas estações de rádio norte-americanas, que continuou a ser dominada pelo formatos mainstream, tais como a disco music e vertentes do rock comercial. Executivos das gravadoras, a maioria deles foi iludido pelo movimento punk como algo vendável, reconheceram o potencial da New Wave como estilo mais acessivo e começaram a assinar e comercializar qualquer banda que pudesse reivindicar uma conexão remota entre punk e New Wave. Muitas dessas bandas, como The Cars e The Go-Go's eram essencialmente bandas de pop disfarçadas de New Wave privilégios reais; outras, entre as quais The Police e The Pretenders, exploraram e deram impulso ao sucesso inicial dentro desse movimento e colheram frutos de uma carreira longa e artisticamente consagrada.

Entre 1982 e 1985, influenciado por Kraftwerk, David Bowie e Gary Numan, a New Wave seguiu em direção do New Romantic de artistas como Duran Duran, A Flock of Seagulls, Culture Club, Talk Talk e Eurythmics, que às vezes utilizavam o sintetizador para substituir todos os outros instrumentos. Este período coincidiu com a ascensão da MTV nos Estados Unidos e levou a uma grande dose de exposição destes artistas do synth-pop. Algumas bandas de rock reinventaram-se e lucraram muito com exibições na MTV, por exemplo o Golden Earring, banda que fez muito sucesso com uma única canção na década de 1970 - "Radar Love" - e conseguiu emplacar um novo hit na década seguinte - "Twilight Zone". Apesar da popularização das muitas coletâneas de canções "Greatest of New Wave" que caracterizaram aquela época, a New Wave refere-se mais a uma época anterior de "vacas magras", de bandas de rock como The Knack ou, mais notoriamente, Blondie.

Pós-punk
Artigo principal: Pós-punk
Paralelamente a New Wave, o pós-punk desenvolvia-se como uma conseqüência natural do punk rock. De certa forma, o movimento estava preso ao punk rock. Apesar de alguns virem um intercâmbio com a New Wave, o pós-punk foi tipicamente mais desafiador e artístico. O movimento foi efetivamente iniciado com as estréias das bandas Public Image Ltd., Psychedelic Furs e Joy Division. Logo se juntariam Siouxsie & the Banshees, The Fall, Gang of Four, The Cure e Echo & the Bunnymen. Predominantemente um fenômeno britânico, o sun-gênero seguiu nos anos oitenta com uma maior exposição comercial no Reino Unido e no exterior, mas a banda mais bem sucedida a emergir da era pós-punk foram os irlandeses do U2, que até o final daquela década se tornariam uma das maiores bandas no mundo.

Glam metal
Artigo principal: Glam metal

Uma das marcas das bandas de glam metal era o visual exagerado; na imagem, o grupo Twisted Sister.Na década de 1980, o rock popular se diversifou. Este período também viu uma Nova Onda do Heavy Metal Britânico ganhar popularidade com bandas como Iron Maiden e Def Leppard. A primeira metade daquela década viu Eddie Van Halen realizar inovações musicais com a guitarra, enquanto os vocalistas David Lee Roth (do Van Halen) e Freddie Mercury (do Queen, tal como havia feito durante toda a década de 1970) estiveram na linha de frente dos artistas mais performáticos.

Concomitantemente, um New Wave mais pop permaneceu populares, com artistas como Billy Idol e The Go-Go's atingindo fama. No coração dos Estados Unidos, o rock popularizou nomes como Bruce Springsteen, Bob Seger, Donnie Iris, John Cougar Mellencamp e outros. Com o álbum "Reckless", Bryan Adams seguia rumo a uma bem-sucedida carreira comercial. Liderador pelo cantor folk Paul Simon e pelo antiga estrela do rock progressivo Peter Gabriel, o rock se fundiu com uma variedade de estilos de música popular ao redor do mundo. Esta fusão ganharia o nome no mundo anglo-saxão de "world music" e incluiu fusões como rock aborígene. Ainda naquela década, formas mais estremas do rock evoluiram. No início dos anos oitenta, o som áspero e agressivo do thrash metal atraiu um grande público underground. Algumas bandas como Metallica e Megadeth caminharam em direção ao sucesso comercial.

Um dos sub-gêneros mais populares da década de 1980 foi o glam metal. Influenciado por vários artistas do hard rock/heavy metal da década anterior, tais como Aerosmith, Queen, Kiss, Alice Cooper, Sweet e New York Dolls, a primeira leva de bandas de glam metal que ganharam notabilidade foram: Mötley Crüe, Skid Row, W.A.S.P., Ratt, Poison, Quiet Riot, além da mais conhecida delas -mas formada nos anos setenta-, Kiss. Ficaram conhecidos pelo estilo de vida excessivo, que se refletia no vestuário, na maquiagem e nos cabelhos espalhafatosos. Suas canções também eram geralmente focadas na tríade sexo, bebidas e drogas.

Em 1987, surgiu uma nova geração de artistas do glam metal, entre os quais Bon Jovi, L.A. Guns, Poison e Faster Pussycat. Formado a partir da fusão de integrantes do L.A. Guns e do Hollywood Rose, os Guns N' Roses emergiram desta cena glam rumo a um grande sucesso comercial, embora eles não sejam categorizado como uma típica banda de glam metal como as demais citadas neste tópico.

Rock alternativo
Artigo principal: Alternative rock

O R.E.M. romperam a cena rock mainstream com execuções nas rádios universitárias, concertos e constituição de uma base fiel de fãs.As primeiras bandas de rock alternativo - R.E.M., The Feelies e Violent Femmes - combinaram suas influências punks com outras de folk music e do rock mainstream (comercial). Destas, o R.E.M. foi a de maior êxito imediato; seu álbum de estréia "Murmur", de 1983, figurou no Top 40 da Billboard e inspirou uma série de seguidores, as bandas de jangle pop.[14] Uma das muitas cenas do jangle pop no começo dos anos oitenta foi a "Paisley Underground", em Los Angeles, que buscava inspiração em artistas da década de 1960 e incorporar a psicodelia, as ricas harmonias vocais e a interação da guitarra do folk rock, bem como de bandas que influenciaram movimentos musicais underground como o Velvet Underground.[14]

Selos independentes estadunidenses como SST Records, Twin/Tone Records, Touch & Go Records e Dischord Records ocuparam posição de destaque na mudança do cenário underground nos EUA dominado pelo hardcore punk em direção a diversos estilos do rock alternativo que emergiriam a partir dos anos oitenta.[15] Bandas como Hüsker Dü e The Replacements, amabas da cidade de Minneapolis, eram indicativos desta tendência. Estes dois grupos começaram como bandas de punk rock, mas logo diversificaram os seus sons e se tornaram mais melódicas[14], culminando nos respectivos álbuns "Zen Arcade" e "Let It Be" (ambos de 1984). Eles foram aclamados pela crítica e chamaram a atenção para o florescimento do sub-gênero musical. Naquele mesmo ano, a SST Records também lançou os primeiros trabalhos dos grupos Minutemen e Meat Puppets, que misturavam punk com funk e country music, respectivamente.

O R.E.M. e o Hüsker Dü foram modelos para uma grande parte dos artistas alternativos dos anos oitenta, de forma que conseguiriam aproximar suas carreiras.[14] Na segunda metade daquela década, a cena alternativa e as rádios universitárias norte-americanas eranm dominadas pelas chamadas bandas college rock, como The Pixies, They Might Be Giants, Camper Van Beethoven, Dinosaur Jr e Throwing Muses - bem como por sobreviventes do post-punk britânico. Outro estilo ascendente dentro do rock alternativo foi o noise rock das bandas Sonic Youth, Big Black, Butthole Surfers, entre outras. No final daquela década, um número crescente de grupos alternativos assinavam contratos com grandes gravadoras. Enquanto no início grandes gravadoras que assinaram com o Hüsker Dü e os Replacements obtiveram pouco sucesso, outros artistas que seguiram o mesmo caminho e também assinaram com grandes selos, como os casos do R.E.M. do Jane's Addiction, alcançaram grandes vendagens de discos que conduziram anos depois em uma ruptura com o alternativo.[16][17] Algumas bandas como os Pixies tiveram um grande sucesso no exterior, enqaunto eram igonorados em nível local.[14] No início da década de 1990, a indústria fonográfica was abuzz about possibilidades de comercialização do rock alternatico e ativamente incitou grupos alternativos como o Dinosaur Jr, Firehouse e Nirvana.[16]

Década de 1990

Seattle, palco principal do Grunge.

grUnge: não foi um estilo de música, mas sim um nome para o movimento que trazia diversas bandas sem um estilo definido. A principal banda desse estilo era, o Nirvana, tinha um som voltado para o punk. Bandas como Soundgarden e Alice in Chains tinham um estilo mais inspirado no metal e no hard hock, Pearl Jam puxava mais para o lado do hard rock, rock clássico e rock alternativo. Outras bandas como Stone Temple Pilots, Bush e Silverchair chegaram no mainstream depois da consolidação do movimento Grunge. Muitas dessas bandas atingiram o 1º lugar nas paradas no mundo todo e até hoje vê-se influências desse movimento em bandas como Everclear e Seether.

Britpop: algumas bandas inglesas, que por possuírem uma estética similar, embora sem representar um movimento unitário, costumam ser denominadas britpop. Entram nesta denominação grupos pop como Blur e Oasis assim como grupos menos comerciais como Pulp, Suede, The Stone Roses e Supergrass.

Riot grrrl: a grosso modo, uma versão feminina do grunge, porém com letras que deixam transparecer o ativismo pela causa feminista. As suas representantes incluem L7, Bikini Kill, Sleater-Kinney, Babes in Toyland e Bratmobile.
Neo-Psicodelismo: as ideais de paz e amor são retomadas, mas sem a ingenuidade dos anos 60. Exemplo de bandas: U2 (oriundo do movimento pós-punk do início da década de 80), R.E.M., Smashing Pumpkins, Cake, entre outros.

Metal progressivo: aliando o peso do heavy metal à psicodelia do rock progressivo, algumas bandas deste estilo fazem dos seus membros referências para os entusiastas do heavy metal e, em alguns casos, do rock de uma forma geral. O exemplo mais proeminente é o Dream Theater, cujos integrantes são cultuados por seu talento (como o guitarrista John Petrucci, o tecladista Jordan Rudess e o baterista Mike Portnoy). Outros exemplos de bandas neste estilo incluem, Shadow Gallery, Evergrey, Symphony X, Queensryche e Vanden Plas.

Metal alternativo: é uma forma eclética de heavy metal. Algumas bandas surgidas, com esse estilo, são: Faith No More, Alice In Chains, Deftones, Tool, Godsmack, Evanescence e System of a Down .

Indie rock: bandas de garagem que participam do circuito "independente", fora do mainstream, como: Radiohead, Pixies, Dinosaur Jr., The Strokes,The Libertines, White Stripes, Coldplay, Travis, Belle & Sebastian e Communiquè (banda de São Francisco), além de algumas bandas britpop.

Post rock: estilo de rock oriundo do início dos anos 90, quando algumas bandas iniciaram uma ousada proposta de unir elementos do rock alternativo com o rock progressivo. Slint foi considerada a banda precursora do estilo, seguido também por Coheed and Cambria.

Nu metal: também conhecido como new metal ou nu-metal, é caracterizado por bandas que misturam outros estilos musicais nas suas composições, notadamente rap ou música eletrônica. Por causa disso, é ignorado pelos entusiastas puristas de heavy metal. Bandas deste estilo incluem Slipknot, Korn, Limp Bizkit, P.O.D., Otep, Linkin Park e Papa Roach. Alguns atribuem a origem do estilo ao Faith No More, enquanto outros remetem à sonoridade adoptada pelo Pantera a partir do seu quinto disco, Cowboys From Hell (91).

Death metal: tendo suas origens na metade da década de 80 com bandas como Mantas e Celtic Frost ficou conhecido como estilo musical dentro do heavy metal no final dos anos 80 e começo dos anos 90. O death metal é um estilo musical extremo que aborda desde satanismo, guerras e até assassinatos,suicídios e carnificinas.O death metal tem muitas outras vertentes dentro de si, como thrash death metal, tech death metal, splatter death metal, death metal melódico, brutal death metal, etc. O som é caracterizado por riffs pesados e distorcidos e por vocais guturais. Bandas desse estilo incluem Morbid Angel, Cannibal Corpse, Death, Obituary, Deicide, Cryptopsy, Nile, Benediction, Krisiun, Dismember, Entombed, In Flames, Soilwork, e Children of Bodom.

Black metal: é a vertente mais extrema e obscura dentro do heavy metal, surgiu no começo dos anos 80 com bandas como Venom e Mercyful Fate mas que tinha uma sonoridade bem mais parecida com o heavy metal tradicional e nada parecido com o black metal de hoje em dia. O som é caracterizado por letras satanicas,por vocais rasgados e riffs de guitarra rápidos e pesados. As bandas mais conhecidas são: King Diamond, Sarcófago, Krisiun, Marduk, Emperor, Gorgoroth, Dimmu Borgir, Cradle of Filth, Immortal, Dark Funeral, Darkthrone.

Rock industrial: faz uso de industrial (uma vertente da música eletrônica) em conjunção com o rock, mas ao contrário do new metal, praticamente não há elementos sonoros de rap. As músicas deste gênero também são consideradas experimentais, por adicionar sonoridades e distorções fora do convencional. Exemplos incluem Marilyn Manson, Nine Inch Nails, Rammstein, Fear Factory, Deathstars, Ministry, e Rob Zombie.

Metalcore: vertente do heavy metal que começou a surgir no final da década de 90 e hoje é o estilo mais popular entre os jovens da actualidade. Algumas bandas dessa vertente As I Lay Dying, All That Remains, Caliban, Killswitch Engage e Avenged Sevenfold.

Visual kei: movimento originado no Japão que combina diversos estilos como gótico, punk, metal, ska, pop rock, etc, de uma maneira muito peculiar, apresentado usualmente sob uma imagem carregada e andrógena dos músicos. Alguns representantes são X Japan, Luna Sea, Glay, Buck-Tick, L'Arc~en~Ciel, Malice Mizer e Moi Dix Mois.

Pop punk: uma mistura de punk rock, pop e o ska de Less Than Jake, o Pop Punk começou com um cenário independente muito forte, com diferentes estratégias de divulgação. Alguns representantes desse estilo: Millencolin, Green Day, Blink-182 e Sum 41.
As bandas mais importantes dos anos 90 foram os guns roses e o nirvana bandas polemicas que conquistaram uma legião de fãs.

Década de 2000

Rock and Roll Hall da Fama em Cleveland, Ohio.Com o pop dominando as paradas, o rock parecia ter perdido a força. No entanto uma nova vertente do estilo, mais consciente sobre a relação do rock e a diversidade da música surgiu, demonstrando toda a vitalidade do ideal do "rock" que insiste em não morrer. Grupos com influências diversas se dividiram entre aqueles que eram excessivamente influenciados por outros estilos de música e aqueles que preferiam manter a crueza dos fundamentos. Tendo em comum, porém a aceitação da heterogeneidade e a exaltação da história trilhada pelo rock até então, motivo pelo qual muitas das bandas surgidas nessa época serem acusadas de apenas "requentar" fórmulas já expostas por outras bandas.

Uma das bandas que comumente é associada a esse período é The Strokes. Porém o título de "salvadora do rock" é impreciso uma vez que a banda não se impôs como um novo paradigma. No entanto, trouxe a tona o hábito, por parte da mídia e do marketing, de eleger aquele que deveria segurar as rédeas do meio cultural do rock, o que eventualmente acaba não acontecendo.

Mas não foram só os Strokes que viraram queridinhos da mídia: The Vines, Yeah Yeah Yeahs, Interpol, Libertines e White Stripes também foram chamados de "the next big thing", tendo, no entanto, apenas uma importância módica na cultura pop.

No outro lado da questão, algumas bandas surgiram e/ou se estabeleceram distante de círculos hypados dos jornais de Londres e das pistas de dança modernas. Algumas delas são: Queens of the Stone Age e The Mars Volta.

Indie rock: O indie rock dessa década (que se afastou completamente da proposta original de rotular bandas auto-produzidas) perdeu toda a ideia dos anos 90 e ficou mais conhecido por serem bandas de rock alternativo se aproximando do pop, os diversos subgeneros criados com esse estilo são marcadas pelo revivalismo do pós-punk do anos 80 só que feito de um jeito mais contemporâneo.

Típicas bandas influenciadoras: Gang of Four, Blondie, Joy Division, The Cure. Alguns exemplos desse estilo: Franz Ferdinand, Bloc Party, Kaiser Chiefs, 'The Coral, Raconteurs, She Wants Revenge, Arctic Monkeys etc. O indie rock dos anos 2000, acabou levando a muitos outros estilos, alguns até hoje não rotulados. A situação caminhou a tal ponto que é quase impossível saber o que é e o que não é indie rock.

Garage rock revival: Altamente confundido com o indie rock. O garage rock revival é um rock minimalista: poucos acordes, guitarristas distorcidas, sem "firulas". Seria uma espécie de rock de garagem só que mais moderno e mais bem elaborado. Diferente do conhecido garage rock, o garage rock revival dos anos 2000 não segue as regras do anteriores, dos anos 60 e 80, ele só é chamado de "garage rock" por ser um rock cru.

Dance-punk (ou disco-punk): Pode ser considerado um tipo de indie rock, pois também tem clara influencia do pós-punk. A mistura de ritmos e batidas dançantes com o punk e a New Rave, movimento que começou em Londres e tem como percussores as bandas: Radio 4, LCD Soundsystem, Klaxons, Shitdisco, The Rapture e tem como maior característica a mistura do punk rock, pós-punk e samples de Música Eletrônica atuais. Em 2006 fora criado a New Rave, um movimento de Dance-punk europeu.

O Rock no Brasil
Artigo principal: Rock brasileiro
Numa época em que a Bossa Nova predominava, o rock desembarcou no Brasil no início da década de 1960. Os primeiros sucessos de rock genuinamente brasileiros foram "Banho de Lua" e "Estúpido Cupido", da cantora Celly Campelo, no começo daquela década. Ainda nos anos sessenta, surgiu a Jovem Guarda, primeiro movimento do rock no país e de sucesso entre boa parte da juventude brasileira. Inspirado nas letras românticas e no ritmo acelerado padrão nos EUA, o gênero se popularizou em terras brasileiras através de cantores como Roberto Carlos, Erasmo Carlos e Wanderléa.

No final da década, o grupo Mutantes misturou o rock à diversidade da música brasileira. Foram também os primeiros a serem conhecidos no exterior. Décadas mais tarde, seriam redescobertos e mais cultuados internacionalmente. Na virada para a década de 1970, surge no cenário rock brasileiro nomes como Raul Seixas e o grupo Secos e Molhados.

Na década seguinte, o rock brasileiro seguiu um caminho com uma temática mais urbana e cotidiana. Entre os principais destaques comerciais, estavam bandas como RPM, Ultraje a Rigor, Legião Urbana, Titãs, Barão Vermelho, Kid Abelha, Engenheiros do Hawaii, Blitz e Os Paralamas do Sucesso. Na virada daquela década, a banda brasileira Sepultura - apesar de não estar ligada ao cenário rock do país - se torna um dos principais nomes do heavy metal no Brasil e de destaque no mundo. Nos anos 90, outros ritmos e estilos ganharam total espaço na mídia nacional, obscurecendo ótimos grupos que surgiram no país. O mercado está praticamente fechado para o rock’n’roll, que anda encontrando sérias dificuldades para continuar existindo na cultura brasileira. Ainda assim, grupos como Raimundos e Angra , apesar de o primeiro ser punk e o segundo power metal,ainda estão abrindo espaço para os que ainda devem surgir. O grupo Angra, sem dúvidas, atualmente, é um dos maiores representantes do power metal, não só no Brasil, mas, em todo o mundo, sendo muito bem aceito na Europa e no Japão com o albúm Angels Cry , considerado por muitos o melhor álbum da banda, que obteve ótima repercussão tanto no Brasil como no exterior (principalmente no Japão, onde a banda alcançou uma marca de mais de 100 mil cópias vendidas), graças à inteligente mistura de heavy metal e música clássica, sonoridade que marcou o estilo da banda. Devagar e sempre, o rock continua a desenvolver-se por aqui, chegando até mesmo a ter representantes do black e death metal brasileiro, que já são conhecidos no mundo todo. No Brasil, vale destacar ainda Pitty, Shaman, Hangar, Korzus, Tuatha de Dannan, Hibria, Torture Squad, Eterna entre outras que estão se destacando no cenário do rock nacional. Mesmo tendo voltado à condição de underground, que sempre lhe foi característica, o rock continua forte em todo o país, onde encontra apoio dos fãs e da mídia especializada

fONTE: vÁRIAS COPILAÇÕES, wIKYPEDIA...

Bar do Osmar - Eric Chadoha -Letras

2009-06-08T18:31:00.000-03:00

VoC~e me escolheu para eu conviver com sua presença...

Mas

Dia do mUNDIAL DO Meio Ambiente !!!! A natureza - Zé Ramalho

2009-06-05T12:33:00.004-03:00

A NATUREZA - AUTOR:ZÉ RAMALHO - NA GRAVAÇÃO GERALDO AZEVEDO .

A natureza
A natureza
A natureza
A natureza
O que prende demais minha atenção
É um touro raivoso numa arena
Uma pulga do jeito que é pequena
Dominar a bravura do leão
Na picada ele muda a posição
Pra coçar-se depressa com certeza
Não se serve da unha nem da presa
Se levanta da cama e fica em pé
Tudo isso provando quanto é
Poderosa e suprema a natureza
A natureza
A natureza
A natureza
A natureza

Admiro demais o beija-flor
Que com medo da cobra inimiga
Só constrói o seu ninho na urtiga
Recebendo lição do Criador
Observo a coragem do condor
Que nos montes rochosos come presa
Urubu empregado na limpeza
Como é triste a vida do abutre
Quando encontra um morto é que se nutre
Quanto é grande e suprema a natureza

A natureza
A natureza
A natureza
A natureza

A abelha por Deus foi amestrada
Sem haver um processo bioquímico
Até hoje não houve nenhum químico
Pra fazer a ciência dizer nada
O buraco pequeno da entrada
Facilita a passagem com franqueza

Uma é sentinela de defesa
E as outras se espalham no vergel
Sem turbina e sem tacho fazem mel
Como é grande o poder da natureza
A natureza
A natureza
A natureza
A natureza

Não há pedra igualmente ao diamante
Nem metal tão querido quanto o ouro
Não existe tristeza como o choro
Nem reflexo igual ao de um brilhante
Nem comédia maior que a de Dante
Nem existe acusado sem defesa
Nem pecado maior que avareza
Nem altura igual ao firmamento
Nem veloz igualmente ao pensamento

Nem há grande igualmente à natureza
A natureza
A natureza

A natureza
A natureza

Tem um verso que fala da maconha
Que é uma erva que dá no meio do mato
Se fumada provoca o tal barato
A maior emoção que a gente sonha
A viagem às vezes é medonha
Dá suor dá vertigem dá fraqueza
Porém quase sempre é uma beleza
Eu por mim experimento todo dia
Se tivesse um agora eu bem queria
Pois a coisa é da santa natureza
A natureza
A natureza
A natureza
A natureza

Dia Mundial do Meio Ambiente foi criado pela Assembléia Geral das Nações Unidas em 1972 marcando a abertura da Conferência de Estocolmo sobre Ambiente Humano.

Desde então no dia 05 de Junho é celebrado o Dia Mundial do Meio Ambiente, que chama a atenção e ação política de povos e países para aumentar a conscientização e a preservação ambiental.

Alguns dos principais esforços em relação ao Dia do Meio Ambiente são os seguintes:

•Mostrar o lado humano das questões ambientais;
•Capacitar as pessoas a se tornarem agentes ativos do desenvolvimento sustentável;
•Promover a compreensão de que é fundamental que comunidades e indivíduos mudem atitudes em relação ao uso dos recursos e das questões ambientais;
•Advogar parcerias para garantir que todas as nações e povos desfrutem um futuro mais seguro e mais próspero.
Este Ano o tema do Dia Mundial é “Seu planeta precisa de você: Unidos contra as mudanças climáticas”. Ele mostra que nações atuem de maneira harmônica para fazer frente às mudanças climáticas, para manejar adequadamente suas florestas e outros recursos naturais e para erradicar a pobreza.

Este ano, o México será a sede mundial das comemorações do Dia Mundial do Meio Ambiente o que reflete o engajamento dos países da América Latina e Caribe na luta contra as mudanças climáticas e na transição para uma sociedade de baixo carbono.

Novos amigos chegando... CLUBE do Violão Popular Brasileiro - Oficinas de Violão e teoria musical - Ritmos Brasileiros - TIJOLINHO - ANDARAÍ-RJ

2009-05-19T04:38:00.005-03:00

As minhas novas alunas, as inseparáveis amigas: Elisa, Beatriz e Vitória!!!

A GALERA DA TARDE DO NOSSO CLUBE !!!!

Devagar estão chegando novos parceiros para o nosso Clube; Estes são da Turma das 11:15, Turma Willians Pereira (Já está na 8ºsuperior,violonista homenageado)

NICO ASSUMPÇÃO - 12 VÍDEOS DO WORKSHOP - UFBA 2000

2009-05-08T15:19:00.007-03:00

* Dica do amigo e parceiro, o músico gaitista Otávio Castro ! Seria cretino não citar a fonte !

Nico Assumpção, nome artístico de Antônio Álvaro Assumpção Neto, (São Paulo, 13 de agosto de 1954 — 20 de janeiro de 2001) foi um contrabaixista brasileiro.

Tocava seu instrumento desde os dezesseis anos. Foi aluno de Amilton Godoy e Luis Chaves (Zimbo Trio) no CLAM, escola em que também foi professor por dois anos.

Em 1976, aos 22 anos, mudou-se para Nova Iorque a fim de aprofundar seus estudos, e passou a integrar o grupo do pianista Don Salvador e do saxofonista Charlie Rouse o que lhe abriu as portas para tocar com alguns dos mais importantes músicos de Jazz, tais como Fred Hersh, Larry Willis, John Hicks, Steve Slagle, Victor Lewis entre outros.

De volta ao Brasil em 1981, lançou o primeiro disco brasileiro de contrabaixo solo (Nico Assumpção - Selo Independente) e a partir de 1982, já morando no Rio de Janeiro, tornou-se um dos músicos mais requisitados tanto ao vivo como em estúdios, tendo participado da gravação de mais de 400 discos e de um sem número de shows.

Entre suas atuações mais significativas no panorama fonográfico brasileiro, podemos destacar os discos de: Milton Nascimento, João Bosco, Gilberto Gil, Caetano Veloso, Wagner Tiso, César Camargo Mariano, Ricardo Silveira, Gal Costa, Hélio Delmiro, Maria Bethania, Márcio Montarroyos, Raphael Rabello, Edu Lobo, Léo Gandelman, Toninho Horta, Victor Biglione e muitos outros.

No cenário internacional, Nico tocou e gravou com alguns dos mais expressivos e reconhecidos artistas, entre eles: Kenny Barron, Billy Cobham, Larry Coryell, Joe Diorio, Eliane Elias, Ronnie Foster, Frank Gambale, Joe Henderson, Lee Konitz, Michel Legrand, Harvey Mason, Pat Metheny, Airto Moreira, Flora Purim, Ernie Watts, Sadao Watanabe e Phil Woods.

O baixista faleceu aos 47 anos, vítima de câncer.
FONTE: WIKYPHEDIA

* ATENÇÂO - QUEM NÃO SABE NADA DE TEORIA MUSICAL , MELHOR NEM TENTAR ENTENDER A PALESTRA, NÃO PASSARÁS DO PRIMEIRO VÍDEO!

Contrabaixista, arranjador e compositor, Nico Assumpção nasceu em Sao Paulo, e toca seu instrumento desde os 16 anos. Foi aluno de Amilton Godoy e Luis Chaves (ZIMBO TRIO) no CLAM, escola em que também foi professor por dois anos.

Em 1976, aos 22 anos, mudou-se para Nova York afim de aprofundar seus estudos, e passou a integrar o grupo do pianista Don Salvador e do saxofonista Charlie Rouse o que lhe abriu as portas para tocar com alguns dos mais importantes músicos de Jazz, tais como Fred Hersh, Larry Willis, John Hicks, Steve Slagle, Victor Lewis entre outros.

De volta ao Brasil em 1981, lançou o primeiro disco de contabaixo solo do país (Nico Assumpção - Selo Independente) e a partir de 1982, já morando no Rio de Janeiro, tornou-se um dos músicos mais requisitados tanto ao vivo como em estúdios, tendo participado da gravação de mais de 400 discos e de um sem número de shows.

Entre suas atuações mais significativas no panorama fonográfico brasileiro, podemos destacar os discos de: Milton Nascimento, João Bosco, Gilberto Gil, Caetano Veloso, Wagner Tiso, Cesar Camargo Mariano, Ricardo Silveira, Gal Costa, Helio Delmiro, Maria Bethania, Marcio Montarroyos, Raphael Rabello, Edu Lobo, Léo Gandelman, Toninho Horta, Victor Biglione e muitos outros.

No cenário internacional, Nico tocou e gravou com alguns dos mais expressivos e reconhecidos artistas, entre eles: Kenny Barron, Billy Cobham, Larry Coryell, Joe Diorio, Eliane Elias, Ronnie Foster, Frank Gambale, Joe Henderson, Lee Konitz, Michel Legrand, Harvey Mason, Pat Metheny, Airto Moreira, Flora Purim, Ernie Watts, Sadao Watanabe e Phil Woods

Ao longo de sua carreira, obteve sempre significativos elogios a sua atuação e alguns comentários merecem destaque:

"Ele toca não só rapidamente, mas com um som abundante, um ataque doce e idéias de sobra" - Paul de Barrios / Seattle Times.

"Suas improvisações melódicas, rápidas e iluminadas foram inspiradas (Stanley Clarke, sai da frente)" - Lee Barrie / San Diego Post.

"... sua perfeita articulação, solos rápidos e uma sonoridade cristalina"- Richard Johnston / Bass Player.

Ao comentar um de seus shows, a revista VEJA escreve: "O que a maioria morde a lingua para fazer, Nico faz dando risada".

Já o Jornal do Brasil diz: "no show de PHIL WOODS quem acabou brilhando foi o brasileiro NICO ASSUMPÇÃO".

Nico executa com igual virtuosismo os baixos elétrico e acústico, tendo desenvolvido técnicas que fazem escola. Sempre em sintonia com a vanguarda, introduziu no Brasil os baixos de 5 e 6 cordas e também o baixo fretless (sem trastes).

Três comentários resumem sua atuação e não podem deixar de ser citados:

Michael Bourne, editor da revista DOWN BEAT escreveu: "Nico é o mais impressionante virtuose que já ouvi".

Após sua apresentação no Free Jazz de 1987, o tecladista Don Grusin disse: "Se eu tocasse baixo queria ser o Nico Assumpção". (Jornal do Brasil)

O saxofonista Branford Marsalis afirmou : "ele esta entre os meus músicos favoritos no Brasil". (Jornal do Brasil)

Com seu estilo inconfundível, Nico Assumpção mudou o conceito tradicional do instrumento, ampliando suas possibilidades e sonoridades, trazendo-o para a linha de frente dos solistas.
fonte: www.nicoassumpcão.com.br

* ATENÇÂO - QUEM NÃO SABE NADA DE TEORIA MUSICAL , MELHOR NEM TENTAR ENTENDER A PALESTRA, NÃO PASSARÁS DO PRIMEIRO VÍDEO!

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SOU o que SOU e arco com as consequências !!!

2009-04-24T09:45:00.001-03:00

"Não escolhi ser um homem comum.

É meu direito ser diferente, ser singular, incomum,

desenvolver os talentos que Deus me deu.

Não desejo ser um cidadão pacato e modesto,

dependendo sempre de alguém.

Quero correr o risco calculado,

sonhar e construir, falhar e suceder.

Recuso trocar incentivo por doação.

Prefiro as intemperanças à vida garantida.

Não troco minha dignidade por ajuda de outros.

Não me acovardo e nem me curvo ante ameaças.

Minha herança é ficar ereto, altivo e sem medo,

pensar e agir por conta própria e,

aproveitando os benefícios de minha criatividade,

encarar arrojadamente o mundo e dizer:

Isto é o que eu sou".

(Bertolt Brecht)